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TEXT BY DORE ASHTON WRITTEN

TO BE POSTED ON THE ENTRANCE

OF THE MEXIC-ARTE MUSEUM IN TX

AT THE OCCASION OF VOICES&VISIONS  WHERE 

REGINA VATER  HAD A INDIVIDIUAL  SHOW IN CONJUCTION WITH AN INDIVIDUAL SHOW OF

DAVID MEDALLA WORKS

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XAPURIS 1 homage e gratidão à DAVI KOPENAWA acrílico  sobre compensado 2022

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FOGO NA FLORESTA guache & ecoline sobre papel 2019

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LAS NIÑAS  guache sobre papel 1959

AUTO RETRATO DE 1961

Regina Vater SITE- auto retrato carvão e guache 1961_ 62_.jpg

DEVIDO A EXTENÇÃO DA MINHA CARREIRA de SESSENTA ANOS, EM CADA SEÇÃO, SERÃO APENAS EXIBIDOS POUCOS EXEMPLOS DE OBRAS DE CADA SERIE.

DONE TO THE LONG LIFE OF MY 'ARTLIFEART' I WILL PUBLISH HERE VERY FEW SAMPLES FROM EACH SERIES OF ART I MADE DURING THESE SIXTIES YEARS OF ART.

In 1970, I moved to São Paulo with expectations of having more opportunities in graphic design; which I did to survive and to support my art work.. Freelancing work in Rio, had the usual male glass wall, which was tiresome to deal with.

So, a little before I moved, almost as farewell gesture, I planed and created my first installation “Magi(O)cean”. The work that arose from the  political situation we were then living in… the worst period of the Brazilian dictatorship, the era of General Medici. It was a time when dissidents were dropped live into the ocean from army airplanes.

The magic aesthetic of our Afro-Brazilian culture always had touched me in a deep way. At that time, during Rio’s 'New Year celebrations the beaches received a long and continuous garland of incredibly and creative ‘Santeria' votive altars. These days that beauty has totally disappeared from Rio's beaches at New Year due to the huge influence of Evangelical churches in our society.

So, Magi(O)cean was born out of this votive aesthetic as a wish for political changes in our country. It was then, that I my interest in  our Afro-Brazilian cultural roots and its relation with Nature began. And at the same time I became more aware of the environmental problems caused by humans.

Magi(O)cean was made with the volunteer collaboration of my good friend  Silvio Palhares and his friends. The work took at least three hours of collecting beach’garbage (organic and man-made). A simple sand altar structure was festooned with this garbage and with two images we brought home-mages used in the syncretism of the African Orixas with the catholic saints. The Black Madona, patron of Brazil and Ogum Beira Mar is a warrior entity  protector of our shores. I always hoped that people would understand the metaphors I used. I say this, because the 1970 National Modern Art Salon jury  catagorized the documentation of this work and its process as photography, which was made by Sidney Weismann, who had no participation in the creation of the work. It is interesting that in 1972 the same Salon under a different jury gave me a travel grant to New York and Paris. The biggest prize for a Brazilian artist at that time.

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​Magi(O)cean  - 1970 installation at the Joatinga  beach Rio de Janeiro
dimensions: around 180cm w X 70cm d X 90 cm h
Photo documentation: by Sidney Weismann

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My concerns with the environment is not new. Since the early seventies I tried to translate those concerns into my work. In1972- the morning after carnaval- I took photos of garbage left by the schools of samba.  My intention was to make aa series about the military dictatorship’s effect on Brazilian humor. And also, to record the careless behaviour towards the environment. Unfortunately, I ultimately lost the negatives of this work.

In 1973 I arrived in New York on a Brazilian grant for artists to travel abroad. There I used  photos from this series to make a series of prints at the Pratt Institute . In 1974 when I was living in Paris, Jean-Claude Lemagny the Curator of photography of the Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Nationale saw that series and requested a donation of of my prints to his department of prints swhich I gladly did.

With the few prints left, I made some heliographs for the Gabinete de Artes, a gallery in São Paulo which no more exists. But I still have some prints that I am afraid to photograph because they can be damaged by excessive light.

Believe it or not, today I only retain one print (the one above) from this whole series.

O que me espanta agora ao após resgatar esta carta do meu vasto arquivo, é que vivendo em Paris, não dei continuidade à este contato, nem tão pouco escrevi para o curador da Gubbenkian, o que prova o meu estado de catatonia aguda em Paris

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Before I left for New York on my three year travel grant, there was a farewell party in São Paulo where my friend Olga Savary, (an important Brazilian poet), gave me an Augusto de Campos poem LUXO-LIXO which left me in wonder.

When I arrived in the Big Apple I imagined Augusto’s poem as an enormous big billboard covering the city. And that gave me the idea for my new work taking photos of garbage throughout the city streets. Almost every morning before garbage trucks collected the most incredible display of waste I had ever seen. (The artists used to decorate their homes with things collected in the garbage like tables, chairs, etc, .)

I took the photos in early morning and in the afternoon I went uptown to photograph the luxurious store windows of Madison  and Fifth Avenue. I even risked taking photos inside the glamorous department stores in that region.

In the very beginning of my sejourn in New York I started a long lasting and strong friendship with Hélio Oiticica who gave me  incredible support in this work. And when I organised my photos into a slide show I asked him if he would help me  make a soundtrack for the work. He promptly offered his collaboration.

Then one afternoon I brought the work to his Second Avenue loft and with both of us moving the nobs of two TVs and two radios, in a Cagean style (chance operation),and having Helio interpreting a poem I wrote, we created the sound for the piece. It is now digitalised as a video. Later in 1976 I represented Brazil with LUXO-LIXO in the Venice Biennial (the first big international show concerned with the environment).


During my stay in New York  using the prints which I made at the Pratt Institute and enlargements made of my garbage photios  I manufactured my POSTALIXOS  (postal garbage). I sent these to several artists and curators.

I also want to share two rare photos I made in New York of some of the drawings I made when I just started this series of photographs. Unfortunately, the drawings mysteriously disappeared.

 

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Registro da minha sala na Bienal de Veneza de 1976 onde foi projetado (como vemos aqui)o audio visual LUXOLIXO com a contribuição de Hélio Oiticica na feitura do som

fragmento da velha fita de 1974 resgatada onde gravei a colaboração Oiticica no som do audio visual  de minha autoria  LUXOLIXO no ano de 1974

no som se ouve a voz de Oiticica recitando um poema que escrevi. Enquanto ele recitava, ele, junto comigo manipulava botões de 2 radiosm e 2 TVs

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O fato do Magi(O)cean ter sido classificado como fotografia pelo Salão de Arte Moderna causou um pouco de confusão, pois o fotografo acabou achando que ganhei o prêmio de viagem com esta obra. Logo que cheguei em São Paulo, ao relatar esse engano na classificação pelo Salão para a Aracy Amaral, ela imediatamente se prontificou em enviar um telegrama de protesto ao Ministério da Educação e Cultura, o que parece que foi feito.

Desiludida com o ocorrido, acabei dando um passo traz e recomecei a pintar.

Naquela época em que eu estava maravilhada com a obra de Christo, eu andava muito de ônibus por São Paulo, e por influencia das obras do grego, comecei a ver a cidade toda envolta nos nós da politica. Sem a possibilidade de sozinha intervir no espaço urbano, voltei aos corpos femininos nus que havia usado na fase TROPICALIA, e comecei a desenha-los com grafite e guache desta vez atados em nós.

Me lembro que as primeiras pessoas a quem mostrei estes guaches foram para Antonio Henrique Amaral e Lygia a sua mulher de então… Fiz uma individual na Galeria De La Parra no Rio com essa serie que me incentivou a pintar em acrílico um grande tríptico que hoje está na coleção do Museu Nacional de Belas Artes no Rio.Isso pelo fato de eu ter ganho com essa obra o importante prêmio de viagem ao estrangeiro de 1972.

 

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Este triptico faz parte da coleção do Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro

Antes disso, eu havia ganho a Isenção de jury com uma pintura sobre tela que remontava à uma fase desenvolvida antes da tropicália e o ridículo prêmio de Viagem ao Brasil (que não pagava nem uma ida de ônibus à São Paulo), eu a ganhei com uma escultura em acrílico “ACRÍLIRICO" que acabou como sucata na casa de parentes e que era decorrente de varias investidas tridimensionais feitas durante meu período TROPICALIA. Mas se esta obra foi destruída, porém eu ainda tenho arquivos que podem ressuscita la.

 

NO ULTERO - pintura em tinta acrilica sobre tela 1969 2.jpg

Grande pintura similar e da mesma época da pintura com que ganhei a isenção de júri do salão de arte moderna de 1968 hoje   na coleção do Museu Nacional de Belas Artes doadas junto com mais cerca de  mais de 10 outras obras  doadas pela artista na gestão de Alcídio Mafra de Sousa por sugestão da Dra Carmem Portinho

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Na data de 1967 que realcei da imagem acima, a inversão dos números  6 e 7 provam batalha com a minha dislexia. Dito isto procurando os meus arquivos encontre este pequeno desenho/projeto para uma grande dela (se me lembro bem ela tinha mais de 120cm na horizontal) E ESTA FOI A TELA COM A QUAL GANHEI A ISENÇÃO DE JURI  DADA  EM 1967 onde Walter Zanine fazia parte do grupo de jurados. Esta grande tela está jna coleção do Museu Nacional de Belas Artes doadas junto com mais cerca de  mais de 10 outras obras doadas pela artista na gestão de Alcídio Mafra de Sousa por sugestão da Dra Carmem Portinho

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Vater ACRILIRICOorigdrawing-lamppremio69.jpg

​ACRÍLIRICO.     Parte de um desenho que descreve a escultura/objeto luminoso de1969 com que ganhei o Premio de Viagem ao Brasil pelo júri do salão de arte moderna de 1969 onde Loio Pérsio era um dos seus integrantes.
Hoje este desenho faz parte da coleção do Museu Nacional de Belas Artes para a qual foi doado junto com outras obras pela artista na gestão de Alcídio Mafra de Sousa por sugestão da Dra Carmem Portinho

 

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LUSTRE PARA MESA DE JANTAR escultura/objeto luminoso de1969 da mesma época do ACRÍLIRICO na coleção de Myriam Graber desde 1969 postado aqui para dar uma idéia de como foi feito o ACRÍLIRICO. Sendo que os tubos de aço eram bem mais estreitos e o volume perfazendo pelas pernas de acrílico era muito maior. No caso do ACRÍLIRICO as medidas se me recordo bem eram de 170 cm de diâmetro e de altura variável de acordo com o teto sendo que a parte inferior teria aproximadamente 90 cm

NÓS - desnhos sobre fotos

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Como porem e contudo, nunca me acomodei, das mulheres amarradas comecei a investigar outras maneiras estéticas de lidar com os nós. Desenhei em sacos de supermercado, fiz desenhos a grafite ultra preciosos dos quais hoje só tenho um registro, e como começava a me embrenhar no campo da fotografia tive a ideia de fazer ampliações de fotos dos nós. Eu trabalhava nos negativos para deixar os nós soltos no espaço do papel e sobre eles eu desenhava e pintava. Isto para o olhar chocado de certos colegas (principalmente os fotógrafos) pois não tenho conhecimento que alguém tenha feito este tipo de experiencia antes desta minha serie de NOS.  Depois na na volta dos Estados Unidos fiz uma individual na galeria Múltipla de Buenos Aires e nessa ocasião eles bancaram 3 series de gravuras onde se misturavam silkscreen e litografia.           

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Este desenho faz parte da coleção João Avelar

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A série dos nós me deu muita satisfação.

Carlos Drummond de Andrade deu uma notinha sobre ela na sua coluna do JB e dele então me tornei uma amiga telefônica. Quando minha mostra Paulista das fotos com desenhos e pinturas, veio para a Galeria Grupo B na Rua das Palmeiras em Botafogo no Rio, uma tarde recebi a visita do meu mestre Iberê Camargo.  Seu atelier também na Rua das Palmeiras era bem perto da galeria. Ele chegou ainda vestido num guarda-pó sujo de tintas. Depois de ver a mostra com cuidado se dirigiu à mim e disse naquele seu jeito curto e exato:  
 

-“Guria, você me dá muito orgulho!”
Acho que nunca tive uma critica que tenha me emocionado tanto.

De outra feita, fiz uma capa para os Cadernos Brasileiros à convite da Vera Pedrosa (filha do Mario), que então trabalhava com o respeitadíssimo Clarival Valadares.

 

Uma das GRANDES satisfações trazidas pela série dos NÓS, foi quando o diretor Fernando Peixoto, amigo paulista, me comunicou, que eu tinha sido chamada para fazer uma capa para o Chico Buarque de Hollanda. Soube então que o motivo do disco, que seria o enredo de uma peça teatral que Fernando iria dirigir. De conhecimento que o título CALABAR (nome do notório traidor durante a invasão holandesa), comecei à dar tratos à bola. Finalmente cheguei a idéia de um muro pichado. Naquela época do Médici aquilo até que poderia dar cadeia, mas arrisquei. Sabendo depois que Ruy e Chico adoraram a idéia, arregacei as mangas e parti para o layout. Achei um local de pouco transito no Bexiga onde resistia um escuro, velho e decadente muro. Parti para a ação contando com a colaboração do fotografo Giancarlo, cujo sobrenome, (que infelizmente depois de cinquenta anos), me escapa agora. Montamos praça para a tomada das fotos. Enquanto eu pichava o muro, Giancarlo clicava as fotos num do ângulo escolhido por mim. Interessante dizer, que antes deste episódio, tive uma longa reunião com o extremo detalhista Ruy Guerra. Reunião para determinar se a pichação seria em caixa alta ou caixa baixa. Depois dele me fazer ensaiar num papel, varias modalidades de pichação, caixa alta venceu.  Ampliadas as fotos, viajei pro Rio para conversar e mostrar as fotos para Chico e Ruy Guerra. Encontrei com eles e Fernando Peixoto depois do jantar no “point” das madrugadas da época, o barzinho 'Final do Leblon’.  Enquanto discutíamos as fotos no bar quase deserto, éramos insistentemente observados por umas moças de uma mesa vizinha que vinham coletando todas as flores dos vasos que enfeitavam as mesas. Ao saírem elas se aproximaram e coroaram o tímido Chico com uma coroa das flores recolhidas in loco. Depois de sumirem só ouvi Chico murmurar: -“Tem gente que agride até com flores!”. No final de meu encontro com Chico, Ruy e Fernando eu presenteei o Chico com uma das belas fotos que não tinha sido escolhida. Então escutei num outro murmúrio tímido:- "Obrigado pelo retrato!”.  Foi esta a inesquecível impressão que Chico deixou em mim. Um belo e super talentoso homem, recolhido no seu fértil e sensível mundo. Muito parecido com o jeito do meu marido…
Eu já estava em Nova York em 73 quando um dia na casa do Hélio Oiticica,  Sylviano Santiago chegou com a revista VEJA onde havia saído uma foto minha pichando o muro, com a notícia que a capa do CALABAR havia sido censurada. E eu nunca consegui um exemplar daquela VEJA…

Tempos depois recebi a noticia que o disco havia saído porem com a capa em branco.



 

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Mas a estória desta capa é muito mais complexa. Havia também uma capa interna. Após meu layout ser aprovado por Chico e Ruy Guerra, resolvi fazer a foto desta parte da capa no Rio. Por ser para o Chico contei com uma grande número de voluntários entre amigos e parentes. A ideia era fazer um piquenique faustoso numa soturna rua deserta como metáfora da alienação da burguesia. Num domingo de manhã, em dois carros levando o fabuloso farnel, toalha + coloridos balões chegamos no Castelo na rua ao lado do Edifício Garagem. Com os fotógrafos, Hugo Denizart e Sergio da Mata já preparados para a foto do quadro que armei da atividade dos protagonistas, recebemos a visita de um guardinha. Gelamos. Naquele momento politico qualquer guardinha de rua tinha muito poder!. Ele foi logo perguntado: -“Que é que vocês estão fazendo a:i?”,  “Nos vamos fazer uma foto.” “Pra qual revista?”, “Não, é uma foto para uma capa de disco.” .Äh, sim, pra que disco?”  “É um disco do Chico Buarque de Holanda.” "Ah então deixa comigo, se vocês me deixarem o resto do piquenique, eu chamo o meu colega, e a gente bloqueia a rua dos dois lados!” Ao que alegres e aliviados imediatamente concordamos.De tudo isto, o que me restou, foi uma prova de gráfica da capa, que ainda hoje ficou na galeria Jaqueline Martins depois da minha primeira individual lá em 1918.

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Direção de foto :Regina Vater - fotografos: Hugo Denizart e Sergio da Mata

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EVENTO DOS NÓS 1973

Ainda vivendo em São Paulo, quando passava de ônibus pela cidade e eu a via toda amarrada em NOS, tive a ideia de fazer uma performance/happening numa das esquinas da rua Direita no então distrito bancário. Tive inclusive a promessa de colaboração de uns atores meus amigos. A ação consistiria em bloquear o espaço em frente dos bancos com cordas e nós com os atores simulando um piquete de greve contra o sistema bancário. Quando fui granjear suporte do Walter Zanine, ele com uma cara muito zangada me deu um pito me negando qualquer apoio, dizendo: "Eu não quero ver você presa! Portanto desista dessa ideia.!”

 

Mas não desisti. Quando levei minha exposição dos nós pro Rio, pensei numa nova modalidade do evento. Falei com o Hugo Denizart sobre a ideia e ele pronto me disse que apoiava e que ele e o Sergio da Mata se comprometeram a fazer a documentação do evento.

 

A primeira providencia foi conseguir permissão do departamento de parques e jardins para realizar a ação na Praça Nossa Senhora da Paz. O que consegui prometendo que deixaria a praça limpa sem nenhum vestígio do evento.
Depois foi conseguir o material (cordas e barbantes), que consegui de graça de um fabricante muito generoso do qual não me recordo o nome

 

Terceiro ato foi conseguir voluntários. O que não foi difícil, salvo pelo Peréio que me xingou de artista burguesa tirando onda de ativista, me cobrando pela sua participação. Depois disso fiquei com tanto medo dele que nunca mais falei com ele.
Então numa tarde de domingo com gente vindo ou indo pra praia, começamos depois do almoço a ocupar a praça incentivando a participação dos passantes. E num estalar de dedos os cariocas começaram a expandir suas verves criativas e praça foi tomada por varias e diferentes ações transpirando essa energia que o nosso povo tem numa ação alegre de colaboração. Ao passo que a Halina nossa amiga psicologa entrevistava as pessoas sobre o significados dos nós. Som que depois de  passar por cuidadosa edição virou o som do resultante audio visual do qual aqui posto algumas fotos de seus momentos marcantes.

fotos de: Hugo Denizart e Sergio da Mata

​CARTA PARA PAULA ALZUGARAY em 2012,  que editou e escreveu o livro QUATRO ECOLOGIAS publicado para a minha individual no Oi Futuro do Flamengo

Uma das coisas que me levou a este encontro com a cultura indígena foi a minha curiosidade a respeito do TEMPO. A questão tempo sempre me perseguiu. Lembro que durante uma conversa na mesa do jantar na casa de um tio intelectual, quando estavam divagando sobre este assunto, eu me sai com esta: - Acho que se a gente conseguir explicar o Tempo, a gente explica Deus… Tinha eu doze anos então.

Acho também pelo fato de ficar um tempo sem fim na janela do nosso apartamento esperando pela visita do meu pai depois que meus pais se separaram, me deixou muito próxima desta dimensão. Acho que então, aprendi a lidar com ela e suas frustrações. Mas seus mistérios sempre me acompanharam.

Desde jovem tentei entender o TEMPO. Lembro que minha mãe tinha uns livros sobre filosofia grega e mesmo sem entender patavina, já na minha adolescência  eu tinha descoberto Heráclito e Sócrates.

E me ficou marcado quando uma freira do colégio nos falou de como Santo Agostinho explicava o tempo.

Mais tarde li Borges, quem também me iniciou em outras coisas. Ainda não satisfeita, em São Paulo, descobri na biblioteca municipal um livrinho do Câmara Cascudo que se tornou na pedra fundamental de parte da minhas a obra. Lá encontrei os mitos do YAUTI MARANDUA que em Tupi = ESTÓRIAS DO JABUTI. Mitos coletados na Amazônia pelo geólogo canadense Charles Frederick Hartt durante a expedição de Louis Agassiz da qual tomou parte como aluno em 1865. Entre varias estórias (algumas delas também me inspiraram mais tarde em projetos para instalações) De cara fiquei fascinada com o mito da corrida entre a tartaruga e o veado que na verdade e na base trata-se da mesma corrida entre a tartaruga e o Coelho em Ensopo e Lá Fontaine.

Sabendo através de Câmara Cascudo que tratava-se de um mito sobre o TEMPO eu comecei a investigar os significados do mito.


Fiquei sabendo algo que nunca foi muito divulgado: Esopo era um escravo negro, da Etiópia, que se tornou livre
através  de sua inteligência e sabedoria. Parece que o mito desta corrida na verdade é uma compilação que Esopo fez de um mito indiano. Numa das cosmológicas indianas  a LUA é habitada por um rei Coelho que governa a fecundidade na terra e seus habitantes. E isto faz sentido já que o Coelho é um animal muito fértil. E na corrida então a tartaruga simbolizaria o SOL por sua forma e constância.

Portanto o mito é sobre a corrida entre o SOL e a LUA, entre o DIA e a NOITE.

Jean de La Fontaine no séc. XVII recupera muitas das estórias de Esopo. Entre elas, está a da corrida tão famosa
divulgada em nossos livros de infância.

Na versão amazônica a tartaruga vence porque conta com a cooperação das amigas que se parecem com ela.

Quando o veado a desafia para a corrida, ela combina com ele que ela correria entre os arbustos e que ele poderia correr pela campina, onde seria mais fácil para ele correr. Só que para ela isto seria vantagem pois seu plano era combinar com as amigas, iguais à ela, de se esconderem entre os arbustos ao longo da corrida. Pois quando o veado avançaria ele sempre veria um jabuti à sua frente. E ao Tentar ganhar terreno ele  aceleraria mais e mais para sempre encontrar um jabuti a frente dele assim quando ele chegou na raia final ele colapsou de cansaço ao ver já esperando por ele 'o jabuti’ com que apostou a corrida.

O veado representa da LUA na cosmologia amazônica por suas galhadas se renovarem como a lua renova de fases.

E a tartaruga é um herói solar não só por sua forma mas porque ela hiberna no inverno (tempo de recesso do Sol) e volta a vida durante o período de mais potencia do sol.

Na Amazônia a tartaruga alem do veado também compete e enfrenta outros animais lunares tais como a Anta (que se movimenta de noite pela floresta), a onça (outro animal noturno), a cobra grande que muda de pele como a Lua muda de aparência.

Alem das instalações que fiz baseadas no mito da corrida eu fiz outras e tenho também inúmeros projetos ainda não realizados baseadas nestas estórias do jabuti com outros animais.

A primeira obra pertencente a serie dos Yauti foi feita em São Paulo em 1979.

A primeira instalação da serie do Yauti foi montada numa coletiva organizada pelo Granato num lugar chamado Galpão e desta mostra participaram: Oiticica, Lygia Pape, Tomie Otake, Wesley, Granato, Aguillar e outros artistas dos quais não me lembro os nomes.

Nesta obra a leitura sobre a detenção tempo vem adicionada de uma leitura cruzada entre o mito europeu e o mito amazônico. Para isso construí uma grande gaiola onde viveram um Coelho branco como alusão ao White Rabbit que nunca tem tempo para estabelecer o encontro com o OUTRO do livro do Lewis Carrol como símbolo de uma cultura individualista. Na gaiola um jabuti vivo que comprei na feira da Lorena conviveu com o Coelho o tempo da exposição e a pluralidade assinada a ele no mito amazônico se deu através de dois desenhos super-realista e no tamanho real que fiz dele e que coloquei a direita e a esquerda da gaiola, O desenho da esquerda (visto de frente) era um desenho já terminado porem apagado pela metade  e o desenho da direita era um desenho em esboço só com uma pata desenhada realisticamente avançando no futuro…

A segunda instalação desta serie foi feita na minha segunda individual em NYC na galeria Eugenia Cucalon, (a primeira eu tinha feito na galeria do cinema Bleecker em1975). E nesta mostra ocupei grande parte da galeria da East 72 Street com uma longa e estreita base de Madeira cuja face superior começava num ligeiro de declive em relação ao final que terminava na janela da galeria. Sobre esta base de mais de 20’ de comprimento se achava totalmente aberto o desenho/rolo YAUTI MARANDUA II ou CINEMATIC DRAWING.

Este desenho realizado sobre as duas faces de um rolo de papel manilha (papel de embrulho) medindo aprox.….e de aprox.      de comprimento tinha a sua face superior desenhada por uma linha central dividida em 24 partes iguais. No inicio da primeira parte  via-se um pequeno desenho indígena de uma tartaruga. E  da segunda parte em diante passando por todas as outras frações da linha
Uma copia a carbono do mesmo desenho da tartaruga se repetia só que de fração à fração da linha a tartaruga avançava neste comprimento de fração numa progressão aritmética.Sendo assim, na ultima e vigésima quarta fração da linha a tartaruguinha alcançava o final daquela fração tal como também atingia o final da linha.

Acontece que ao se enrolar o papel sobre a base (plano inclinado), se descobria que no centro do verso do papel (na região da linha onde as tartarugas se alinhavavam),se viam aparecer estampado por carimbo a mesma figura do Coelho branco da “Alice……  “. Este Coelho foi carimbado de maneira matematicamente calculada para que toda vez que o espectador enrolasse o papel a imagem do Coelho só aparecesse na face superior do rolo quando a tartaruga já estivesse à frente dele. E com esta situação se repetindo até o final do enrolar do papel a tartaruga irremediavelmente sempre saia vencedora.

Esta obra foi inspirada no “scrolls de animais” freqüentes na arte japonesa como também no paradoxo de Zeno (a corrida entre Aquiles e a tartaruga).

Para dar um caráter mais universal em se falando de sabedorias arcaicas em vez de usar um desenho indígena da Amazônia eu usei um desenho Navaho de uma tartaruga, bem reconhecível para o publico Norte Americano.

Nesta mostra eu também tive a oportunidade de projetar o filme “As Time goes by”.


A quarta instalação que fiz desta serie eu a realizei primeiramente em 1984 numa exposição (Latin American Visual Thinking), que eu mesma curei para um espaço cultural em Upstates New York e que da qual participaram: Ana Bella Geiger, Maria Carmen Perlingeiro, Catalina Parra, Ana Mendieta, Cecilia Vicuna, Liliana Porter, Maria Judite dos Santos, Gino Rodrigues, Papo Colo, Juan Downey e Alfredo Jaar.

Intitulei esta versão do Yauti de “Black installation for Silver turtles”

Esta obra  consistia de uma alcova quadrada de quatro paredes e teto pintados de negro iluminada apenas por  luz negra. Sob esta luz negra o que se podia ver neste espaço se levantássemos uma cortina preta colocada na única saída/entrada para o exterior era um circulo de 12 tartarugas (como as horas de um relógio), feitas em “aluminium foil” (aquele papel alumínio de  cozinha),  Estas tartarugas foram modeladas sobre um casco real de tartaruga. E sobre elas se via girando que nem uma figura fantasmagórica a silhueta branca do Coelho da Alice. Este efeito era obtido porque a luz negra só deixava aparente o metálico das tartarugas e o a silhueta branca do Coelho recortada em cartão pluma branco. (Que aqui eles chamam de foam core). As outras partes da instalação por estarem pintadas de negro se tornavam invisíveis debaixo da luz negra. Estas partes eram:
Um motor instalado no centro do ES expositivo que fazia girar uma haste  de metal em cujo extremo estava montado a silhueta do Coelho.

Eu remontei esta instalação mais duas vezes:

- na minha individual que aconteceu logo após a minha chegada ao Texas, na Huntington Gallery (hoje em dia Blanton Museum) da Universidade do Texas.

-na mostra “Civilidades da Selva”  no MAC-USP que montei com Bene Fonteles e outra artista Goiana da qual não me lembro o nome agora. Acho que era Lucimar Belo.

Como você vê tanto nesta obra como nas anteriores já que em se tratando de tempo, eu uso os numero 12 ou 24 para a quantidade de tartarugas para com isto fazer uma relação entre as horas do dia, os números no relógio, ou os meses do ano.

Esta instalação das tartarugas prateadas foi muito inspirada num episódio que aconteceu comigo no Rio. Faz muitos anos, quando eu saia de uma entrevista que havia acabado de dar nos estúdios da TV Educativa (hoje TV Brasil). na Lapa Episódio este que não me cansei de relatar nas varias palestras que dei desde então (idos dos oitenta…por isto imagino que com esta informação, acabei dando corda  e oferecendo “tips’ para a imaginação de alguns colegas…) como exemplo de como minha obra também é produto de um observar maravilhado da criatividade (muitas vezes ultra refinada) do nosso povão onde o luxo é muitas vezes produzido com lixo cristalizando assim a estética da precariedade como dizia Glauber Rocha.

O episodio foi o seguinte:

Saia eu dos estúdios da TV Educativa no Rio ao cair da tarde quando me deparei sentado no batente de uma porta (não era mendigo) a figura de um ancião negro com a cabeça toda branca apoiando-se numa bengala prateada que brilhava no lusco fusco do final do dia. Encantada com
aquele objeto quase mágico me aproximei do homem e lhe perguntei se fora ele que havia feito aquilo. Perante sua afirmativa perguntei-lhe como ele havia conseguido aquele efeito. E ele me respondeu: “_ Muito simples minha filha eu revestia minha bengala com aquele papel prateado que vem dentro de maço de cigarro. “

Para mim esta minha instalação das tartarugas prateadas como o Festim de Camões que fiz na mostra de poesia visual brasileira que curei aqui no Texas são a minha homenagem a este artista anônimo, exemplo de muitos outros que pertencem e costuram as bases de nossa cultura.
Mallarmé dizia: “O POETA… (aqui ele se referia ao artista intelectual)  - ”O POETA é o tradutor da sua tribo…”

E eu sinto que é a isto a que vim…

Esta serie do YAUTI em 1984 em NYC (ainda só na mesa de desenho) toma um novo rumo com mais de trinta desenhos/projetos para instalações onde o material usado não era mais oriundo de uma reciclagem industrial mas sim de materiais orgânicos tais como pedaços de troncos de arvore, peles, ossos e conchas de animais.

E creio que ha. isto muito se deveu a uma grande liquidação pela qual passeia por acaso quando ainda morando em Manhattan em 1984. Era uma liquidação numa peleteria e que estava vendendo a preços irrisórios varias peles de gato do Mato (um dos competidores do jabuti nos mitos amazônicos) e peles de Coelho. Como eu havia acabado de vender uma obra aproveitei e fiz a festa comprando muitas peles que guardei já pensando de com elas expandir o meu discurso no tema do YAUTI.

Alguns destes desenhos estão no Livro Tramas da Penélope.



 

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foto por Romulo Fialdini da primeira instalação em 1979 da série YAUTI MARANDUA. esta obra participou de

uma coletiva organizada por Ivaldo Granato no espaço alternativo do galpão em São Paulo. participaram desta

mostra: Hélio Oiticica, Lygia Pape, Tomie Otake, Wesley Duke lee, e outros.

2º versão da primeira instalação da serie YAUTI MARANDUA (estorias do jabuti) feita numa c

Em New York participei numa coletiva num espaço alternativo no Soho com uma

versão da primeira instalação da serie YAUTI MARANDUA que eu havia feito em

1979 no Galpão em São Paulo à convite do Ivaldo Granato.

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ME LEMBRO QUE EM 1979 CONVERSANDO COM O HÉLIO COMENTEI QUE MEU GRANDE INTERESSE EM TRABALHAR NESTA VERTENTE AMAZÔNICA NÃO ERA SÓ O TEMPO MAS SIM NO

ASPECTO DE COLABORAÇÃO DA CULTURA INDÍGENA

COM A QUAL O POVO BRASILEIRO PRECISAVA APRENDER E ASSIMILAR

INSTALACAO EM NEGRO PARA TARTARUGAS PRATEADAS (feita com luz negra, aluminun foil e motor)
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vistas de dentro de 2 momentos da INSTALACAO EM NEGRO PARA TARTARUGAS PRATEADAS .jpg
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INSTALAÇÃO EM NEGRO PARA TARTARUGAS PRATEADAS


Parte de um conjunto de obras que construí desde 1979 (desde ainda em São Paulo) inspiradas no mito amazônico do jabuti. Conjunto de obras este que me valeu a minha Guggenheim Fellowship em 1981 montada pela primeira vez em 1984 em Lexington, Nova York (Estados Unidos) numa mostra que eu mesma organizei: "Latin American Visual Thinking" na Art Awareness Gallery com participação de Anna Bella Geiger, Papo Colo, Ana Mendieta, Catalina Parra, Cecília Vicuna, Liliana Porter, Juan Downey, Alfredo Jaar, Maria Carmen Perlingeiro e Gino Rodriguez. A segunda vez que esta instalação foi executada foi no inicio de 1986 no Museum da Universidade do Texas em Austin. Foi também exposto no MAC-USP em 1986 na mostra “Civilidades da Selva”.

Instalação em Negro para Tartarugas Prateadas também contem conexões com minha admiração pela inventividade do nosso povo que consegue muitas vezes criar beleza e luxo com elementos precários. Esta obra por exemplo que utiliza papel metálico de cozinha moldado como doze cascos de tartaruga, (12 números de um relógio) , foi inspirada num cintilante cajado prateado que deparei carregado por um pobre velho negro na Lapa do Rio nos anos setenta. Ao lhe perguntar a técnica usada para fazer tal maravilha ele respondeu simplesmente:- usei papeis prateados de maços de cigarro usados... Esta estética da precariedade, este design da necessidade, que aprendi a respeitar nos bancos da Universidade Nacional de Arquitetura (1961-1964), foi algo que ganhei do meu povo e que me ajudou a atravessar criando intensamente mesmo em longos períodos de parca economia.

A justaposição do coelho branco de Alice que nunca tem tempo e carrega um relógio nas mãos versus as tartarugas amazônicas grifa o contrate de uma cultura de produção versus uma cultura de cooperação, graças a Deus ainda sobrevivente em nosso pais A presença do coelho branco é marcada pela silhueta do mesmo recortada em papel pluma aderida na extremidade de uma haste metálica pintada de preto que roda em círculos movida por um pequeno motor também pintado de preto no centro do circulo das tartarugas prateadas. Esta haste que se torna invisível dentro da alcova toda negra onde a obra se vê instalada  funciona como o ponteiro de um relógio mais acelerado que o normal rodando a figura do coelho que corre sobre as tartarugas cintilantes sob a luz negra que ilumina todo o conjunto dentro deste espaço de cerca de 2,50mX2,50m construído e totalmente pintado internamente de negro para receber esta cinemática instalação. Em algumas das versões a visão da obra é permitida através de uma janela tapada com um cortina negra que o espectador é convidado a levantar.

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Parte dos projetos de montagem da obra INSTALAÇÃO EM NEGRO PARA TARTARUGAS PRATEADAS doada ao Museu de Arte Contemporânea da USP - São Paulo através dp prêmio MARCANTONIO VILLAÇA de 2014

My idea for the series YAUTI MARANDUA I came from the  stories of the Amazonian Turtle collected in the late 19th century by a Canadian geologist studying in the Amazon. His name was Charles Frederick Hartt.

In 1980  I won a Guggenheim Fellowship  to develop a series of works I had already had begun in Brazil with an installation shown in a group show that included artists Lygia Pape and Helio Oiticica. Both of whom, by the way, had praised my work. The project I sent to the Guggenheim was based on comparing two versions of the race between the slow turtle and a speedy oponent.

The common version we know through La Fontaine originated in Aesops’s fables.
The second version comes from the Native Americans of the Amazon.

I came to work with this myth because it is a kind of story about TIME. The turtle which is a sun hero, (a hero of a thousand faces to quote Campbell), contends with a moon animal. Therefore it is Day versus Night.   In the case of the Amazonian version the contender is a deer (because his antlers renew as the moon renews her appearance). Aesop collected this myth from India.  And in India there is a rabbit who lives on the moon, (because moon is connected with fertility). In India this story is also a parable about TIME.

Since the early seventies I have been interested in the dimension of TIME and its philosophical explanations. Because of that I became interested in how archaic societies such as the Amazonian Indians and the Yoruba tradition explained TIME.

When I came across this Amazonian version of the race of the turtle I couldn’t avoid comparing it to the European version and notice the anthropological differences between both of them. In the Native American version the turtle wins throught the cooperation of her friends who look just like her. They fool the deer by posting themselves along the route of the race. Therefore, when the deer arrives exhausted in the end of the race he finds a turtle waiting for him -so he collapses almost dead.

It is not necessary to say that in the European version the turtle wins because production. She keeps going, winning against a lazy and arrogant adversary.

At the time I started to work with these stories (around 1979), I already had done projects inspired by Lewis Carrol's “Alice in the Wonderland”. My passion for this book led me to use the White Rabbit -who never has time and who is always late for something important, as we all are in out western societies.  So the White Rabbit had to race against the Amazonian turtles.

In the early eighties while living in New York I made several versions of this theme. One of them was inspired by the Japanese animal scrolls.

When I showed the CINEMATIC DRAWING part of the YAUTI MARANDUA series in a uptown Manhattan gallery in 1981 I rubber stamped the image of the White Rabbit on the back of a long roll of paper and on the opposite side I drew turtle after turtle in an arithmetic progression using am American Indian design  repeated through the use of carbon paper. So, as the scroll is rolled up the rabbit is always on the top of the cylinder but there is always a turtle ahead of him. The last time I showed this work (which now is in the collection the São Paulo’s Museum of Contemporary Art ) was in 2018 in my one-woman show at the Jaqueline Martins Gallery in São Paulo.

When we were living in Austin, I was invited as an artist to talk and give a class for a group of four year old children in an elementary school. My class was about these myths and about living, survival and cooperation in the jungle. After showing them slides of Amazonian animals, and telling them the myths I gave them some strips of paper with an incomplete CINEMATIC DRAWING om which I had stamped images of the White rabbit and marked places where they chould draw turtles to complete the drawing.

We ended the class by rolling up the CINEMATIC DRAWING we all made together.

 

REGINA VATER DESENHO CINEMATICO3 fotos registrando a instalação DESENHO CINEMATICO montad

Foto por Regina Vater da primeira instalação do DESENHO CINEMÁTICO da série YAUTI MARANDUA. Esta obra participou da individual da artista na galeria Eugenia Cucalón na WEST72St, em Manhattan New York, 1981. Na foto quem manipula o desenho é o já falecido artista Luis Frangella

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O Desenho Cinemático que foi peça central na minha individual na Galeria Eugenia Cucalon em Nova Iorque em 1981 foi também exposto no MAC-USP em 1986 na mostra “Civilidades da Selva”. Nesta mesma mostra montei também a Instalação em Negro para Tartarugas Prateadas que já havia sido montada pela primeira vez em 1984 em Lexington, Nova York (Estados Unidos) numa mostra que eu mesma organizei: "Latin American Visual Thinking" na Art Awareness Gallery com participação de Anna Bella Geiger, Papo Colo, Ana Mendieta, Catalina Parra, Cecília Vicuña, Liliana Porter, Juan Downey, Alfredo Jaar, Maria Carmen Perlingeiro e Gino Rodriguez. A segunda vez que esta instalação foi executada foi no inicio de 1986 no Museum da Universidade do Texas em Austin.
Estas duas obras tem como base um mito do Jabuti Amazônico que na verdade é uma versão da corrida da tartaruga com um animal mais veloz.
Como muitas vezes tentei em meu trabalho trazer à tona questões sobre a dimensão TEMPO e como a base deste mito universal é a corrida entre o Sol e a Lua (dia e noite) pensei em expandir estas questões numa leitura cruzada entre a civilização da selva (onde o jabuti vence graças à cooperação) e a individualidade da civilização européia que é uma civilização de produção.
Sim pois na Amazônia a tartaruga vence porque conta com a ajuda das amigas que são ultra parecidas com ela e a substituem em vários pontos da extensão do caminho a percorrer enganado assim o animal veloz (que na Amazônia é um veado por renovar a galhada assim como a lua renova de fases).
Vale a pena dizer que a tartaruga é um acatar do Sol (persistente e universal herói solar), para nos reconhecida no mito resgatado da Índia por Esopo onde o coelho é um rei que mora na Lua que se renova rapidamente em sua progênie.

 

O DESENHO CINEMÁTICO contem uma leitura cruzada entre a civilização da selva e a civilização ocidental. Trata-se de um desenho de cerca de 8m de comprimento X 40cm de largura disposto num pedestal de madeira de cerca de 8,20 de comprimento X 42cm de largura X 80cm de altura tendo uma pequena inclinação de dois centímetros na direção do começo do pedestal.

 

 

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various Cinematic Drawings compleed by c
REGINA VATER DESENHO CINEMATICOS feitOs por crianças numa aula admnistrada pela artista n

Este pedestal/passarela conta com uma borda de cerca de 3cm de altura onde se apóiam os cabos de madeira centrais nas extremidades do rolo de madeira (tipo rolo de massa) os quais ajudam ao espectador enrolar esta longa tira de papel.Devo lembrar que os desenhos Japoneses enrolados com tema de animais e natureza também me ajudaram bastante no ‘insight’ deste trabalho.Só que no caso da minha obra eu usei uma progressão aritmética para calcular os pontos e espaços entre cada das 24 figuras.Este trabalho feito com rolo de papel pardo é desenhado com papel carbono na face superior e com carimbo no verso do papel.Quando o papel é enrolado acontece uma corrida entre o coelho branco carimbado e as copias carbonos de uma tartaruga indígena dispostas em espaços eqüidistantes. Tudo foi calculado para que na medida do enrolar o desenho; o coelho (por causa do calculo matemático da construção), quando aparece na parte superior do rolo, sempre terá a imagem de uma tartaruga que aparece na frente dele fazendo que no final a tartaruga vença a corrida.Alguns críticos me perguntaram se esta obra teria conexão com o teorema de Zenon. Sim, muito antes de eu fazer a obra eu já havia lido muito dos pré-socráticos (principalmente Hieráklito por causa do meu interesse no TEMPO) e conhecia este teorema. Mas não sei se estava consciente disto quando criei este trabalho. Mas como acredito que nos artistas transpiramos sempre a nossa bagagem no que fazemos e somos, certamente Zenon já fazia parte do meu DNA cultural naquele momento.Quando fui convidada a dar aulas sobre Brasil em escolas elementares nos Estados Unidos usei muito o Desenho cinemático como instrumento de aproximação com e entre os alunos. Primeiro falando da Amazônia, seus bichos e habitantes.Depois contando mitos indígenas ate chegar nesta leitura cruzada entre a tartaruga amazônica e o coelho branco de Lewis Carroll. Assim consegui o entusiasmo de todas as criancinhas para desenhar tartarugas num longo rolo de papel onde o coelho já havia sido carimbado por mim e os espaços já estavam todos calculados para receberem as diversas tartarugas.

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Desenhos/planos para a instalação CINEMATIC DRAWING/DESENHO CINEMÁTICO integra que agora junto com estes desenhos integra o acervo do Museu de Arte Contemporânea da USO São Paulo por intermedio do premio Marcântonio Villaça de 2014

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CINEMATIC DRAWING montado em São Paulo na Galeria Jaqueline Martins  na individual da artista em 2018

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para face Regna Vater CINEMATIC DRAWING
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Texto de Carla Stellweg sobre os YAUTI MARADUA

An article by Carla Stellweg for the magazine Journal published in the eighties.

CARTA AO MEU AMIGO JAIDER ESBELL EM 2018 quando ele me convidou para escrever um texto para um livro que ele estava planejando

Um convite aconteceu de longe. Das planícies cerca do monte  encantado, situado entre as franjas da minha imaginação e os confins de Roraima.

Veio de um índio amigo com quem um dia compartilharei beijú. Sendo este índio, sábio e artista, não consegui resistir. Por quatro dezenas de anos voltiei em torno do que eu chamo, “Civilidades da Selva”. Procuro nestas, a conhecença vital da vida, vinda de seres visíveis e invisíveis. Desde de tenra; nesta curiosidade persistente, aprendi muito do pouco que sei. O que me dá certeza do, de como o Brasil ignora seu tesouro tão rico espalhado nas franjas de seu poder.

Quanto poderíamos ser mais SER se olhássemos com respeito o que neste solo germinou e desenvolveu-se muito antes da Branca irrupção. Petulantes somos todos, os que nos pensamos mais senhores das verdades.

Ingratos mesmo, pelo sangue herdado nas veias ou nas mãos, sem tentar entender, que bem além, existe heranças outras, à espreita por sob a pele.

O que ouso em curto verbo, é reclamar ATENÇÃO à estas sapiências, que embora tão vizinhas, mas das quais, que por tão distanciados nos colocamos, nos escorrega das mãos. Este saber das folhas, dos bichos, de uma sobrevivência frugal num compartir  e alegria perenes: Em suma, do que, o que realmente soma. Talvez idealizo, pois penso que no raso, somos todos a mesma espécie, perseguidos por desejos, ambições e gerais fraquezas.

Contudo prefiro achar, que fora do circuito desenfreado da indisciplina do TER, existem noções melhores no que merece a VIDA de ser VIVA e de SER vivida.

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Desenho com  posca em papel canson preto datado de 2018 por Jaider Esbell obra adquirida por mim em 2018 e que faz parte da minha coleção

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MYTH

I feel that was a Privilege to be born and to grow up in Brazil,  where Yemanjá still opens the new year.  And its advinde
to cautelous in crossing the  crossroads at any Monday.
 
By to have been rocked by stories of
mula-sem-cabeça, saci pererê, caipora, curupira, mãe d'água, matitaperê, negrinho do pastoreiro, yara... I had access to a broader fan of perceptions.  My
imagination since early, was nourished in the visibility of the invisible and got used to expand for ever.

"The imagination is not to creator of illusions, but yes the illuminator of reality" Eliphas Levy -- visionary of the nineteen century .

More important than to have had mine growth impregnated
with all this cosmologies, was to have witnessed of cheer soul, to the contrition and to opening of the my people to the "Wonder"

A "Wonder" in the poetic contact with the nature, that only through myth can be make possible.

Through Myth, the sacred of the Cosmos/Nature is rescued throughout an elaborate weave of metaphors.  Metaphors to be understood in pluri-levels.  Since the most most elementary (given the resemblance of myth with childlike stories), up to the most sophisticated.  In these, myths open all a wide range of readings to the soul of a people, offering themselves in a competent threshold to the subterraneous of human psyche.

It was not in a void that Freud based big part of its science in the studies of the myths..

To conclude I lament those to whom myths do not touch... Without them a lot of the poetry from the cheer from the life itself evaporates in the Ether without to be savored. .. And the vision of the world stays restrained waiting for more air/space to  expand its
cognitive potencial.

@regina vater - Austin 1996

 

​

MITO

 

Sinto previlegiada de ter nascido no Brasil, onde Iemanjá ainda abre o ano novo e onde  nas segundas feiras se atravessa com cautela as encruzilhadas,

Ter sido posta para dormir por estórias do mula-sem-cabeça, saci pererê, caipora, curupira, mãe d'água, matitaperê, negrinho do pastoreiro, yara... minha percepção se ampliou. Minha imaginação desde cedo, foi alimentada com a visibilidade do invisível e foi para sempre se expandindo.

“A imaginação não é o criador de ilusões, mas a iluminação da realidade” Eliphas Levy – visionário do séc.19.

Mais importante do que  ter sido impregnada por todas estas cosmologies durante meu crescimento, foi ter testemunhado a alma …..,  e da contrição e a abertura da minha gente ao “Maravilhoso”.

Um tipo de  “Maravilhar-se ” no contacto com a natureza, que somente os mitos podem facilitar

Através dos Mitos, o sagrado do Cosmos/Natureza e  resgatado por uma elaborada malha de metáforas. Metáforas que devem ser entendidas em pluri-niveis. Desde dos níveis mais elementares (dada a semelhança dos mitos com estórias infantis), ate os mais sofisticados. Nestes, os mitos se abrem a um enorme leque de leituras à alma humana, oferecendo uma competente entrada para os subterrâneos da psiquê humana.

Não é atoa que Freud baseou-se  neles para grande parte de sua ciência. No estudo dos mitos.,

Para concluir eu lamento por aqueles a quem os mitos não tocam. Sem eles muita da poesia da alegria  da vida e da própria vida se evapora no Ether sem ser saboreada.,
E avisão do mundo se confina à espera por mais AR/ESPAÇO para expandir o seu potencial cognitivo.

Austin 1996

 

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IROQUOIS TURTLE 1988 small installation at he 1st Texas Triennial at the Contemporary Arts Museum in Houston Texas

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Instalação ABRAKADABA montada na individual da artista da Galeria W&TW Austin Texas 

nos anos oitenta

instalação inspirada em mitos amazonicos ANACRONISMO foto CHISTOPHER...jpg

Instalação CIVILIDADES DA SELVA inspiradas em mitos amzônicos 1986/87 que participou do

Texas Sculpture Symposium e de uma mostra com o mesmo nome no MAC-USP onde também

teve a participação de Bené Fonteles. Foto por Christopher Zalenski

Desenho projeto para a instalação CIVILIDADES DA SELVA a bico de pena deixado

pela artista junto com outros bicos de pena com Massao Ohno para produção de um

livro sobre projetos de instalação

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Desenho projeto para uma escultura a bico de pena deixado pela artista junto com

outros bicos de pena com Massao Ohno para produção de um livro sobre projetos

de instalação

arapuca da mucura.jpg

 A ARAPUCA DA MUCURA Desenho à grafite datado de 1974 de uma

pequena serie produzida em New York antes de mudarmos pro Texas. Este

desenho em particular está junto com um pequeno grupo desta serie

consignados ao acervo da Galeria Jaqueline Martins. Infelizmente não

consigo recuperar que alguns foram perdidos (ou danificados), por um

conhecido de um amigo. Como também  um grupo de oito  em consignação

à outra galeria do centro sul do Brasil.

oferenda p ancestral.jpg

Escultura/instalação  OFERENDA PARA ANCESTRAL inspirada nos ritos do QUARUP

do XINGÚ datada de 1985 na foto montada na galeria  Jaqueline Martins na individual

da artista em 2021.

Orora desenho projeto e obra realizada em 1991.jpg

instalação inspirada em mitos amazonicos COM AJUDA DA ARANHA 1986

 Desenho a grafite projeto para instalação inspirada em mitos amazonicos

COM AJUDA DA ARANHA 1985

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Desenho projeto para a instalação A DERROTA DA ONÇA a bico de pena deixado

pela artista junto com outros bicos de pena com Massao Ohno para produção de um

livro sobre projetos de instalação

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Desenho projeto para a instalação O JABUTI QUE COMEU A COBRA a bico de pena

deixado pela artista junto com outros bicos de pena com Massao Ohno para produção

de um livro sobre projetos de instalação

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Desenho projeto para a instalação BASEADO EM ALTAR DE SACRIFICIOS INCA a bico

de pena deixado pela artista junto com outros bicos de pena com Massao Ohno para

produção de um livro sobre projetos de instalação

GOLIAS

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instalação GOLIAS na individual da artista em 2021 na galeria Jaqqueline Martins 

Abaixo uma replica  (por Bill Lundberg, em carvão sobre compensado) de um desenho de Picasso INSPIRADO PELA ARTE AFRICANA. Ao meu ver Picasso só se interessou pela FORMA da arte vinda da Africa e NUNCA OELO SEU CONTEÚDO!

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Desenho a bico de pena serie YAUTI _Golias_.jpg
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Desenho projeto para a instalação GOLIAS a bico de pena deixado pela artista junto com outrso bicos de pena com Massao Ohno para amedição de um livro sobre projetos de instalação

Vídeo da instalação GOLIASna individual da artista em 2021 na galeria Jaqqueline Martins  por Renan Varizo do ART RADAR

Desenho a bico de pena serie YAUTI _Yauti com a alavanca do mundo_ usando o jornal Le mond

Desenho projeto para a instalação ALAVANCA PARA O LE MONDE a bico de pena deixado

pela artista junto com outros bicos de pena com Massao Ohno para produção de um livro

sobre projetos de instalação

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Escultura ESCADA PARA A LUA baseada em mitos amazônicos data 1986 bamboo,

peles e cuias foto: Regina Vater

Ainstalação inspirada em mitos amazonicos NIGHT AND DAY 1989.jpg

Installation NIGHT AND DAY made of deer antlers, fur, fantasy stones, bras mesh, turtle shell

and light .In1989 during a Studio Residency at WSW the artist installed this work  at the

Binnewater Art Center

APrimeira instalação feita em Austin 1985.jpg

My first installation of this series made in the backyard of my house in Austin in 1986 made of

turtle shell, strings, feathers and reindeer antlers. work untitled

instalação inspirada em mitos amazonicos e cosmologia Navaho TIBIA FLUTE psd.jpg

THE TIBIAN FLUTE installation inspired by the Navajo sand paintings made of sand painting, fur,

animal bone and turtle shel mounted on a square platform as an invited Artist to the Symposium

on Brazilian Culture at the Haverford College in Pennsylvania

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Desenho projeto para a instalação FLAUTA TIBIA a bico de pena deixado pela artista junto com

outros bicos de pena com Massao Ohno para produção de um livro sobre projetos de instalação

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Memória quase evanescida de um dos primeiros desenhos à grafite datado de 1979, começo da minha obra em torno dos mitos dos povos originários da Amazônia. Obra que doei `uma pessoa amiga.

tripitico de desenhos a grafite serie Yauti passado presente e fut.jpg

​Tríptico de desenhos à grafite baseados na questão TEMPO sob ótica dos povos originários e que foram  adquiridos por um notório colecionador que infelizmente os acabou desmembrando

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Desenho à lapiz de cor. Projeto para performace datado dos anos oitenta

VEJA SOBRE YAUTI_edited.jpg
Desenho a bico de pena serie YAUTI _instalção night & day_.jpg

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YAUTI IN HEAVENS

​Quando criança e a gente se reunia na casa de minha avó materna, o lugar onde ficávamos minha Irma , minha prima e eu era a longa varanda aberta que bordejava todos os cômodos  do grande apartamento do meu Flamengo. Lá brincávamos e ficávamos de castigo. E o castigo infligido por meu tio diplomata era tentar achar discos voadores entre as estrelinhas no céu à noite. Mas esse era um castigo até gostoso, pois baseadas nas estórias de E.T.s que o irmão de mamãe contava, nossas imaginações viajavam sem limites e eram inúmeras as luzes vistas que classificávamos como naves extra terrestres.

Outra fonte de curiosidade  sobre vida extra terrestre onde sofregamente bebi foram as publicações do FLASH GORDON que eu lia emprestado da filha de uma amiga rica de minha mãe.

Acho que tudo isso se plantou em mim como raiz e sedimento puro para o que ocorreu comigo quando recém chegada  em Austin onde Bill foi ensinar no Departamento de Arte da Universidade do Texas. No meu romanticismo pensei que a Universidade iria me oferecer acesso ao conhecimento universal. E de cara, escolhi fazer um curso sobre possibilidade vida extra terrestre. Mas como o grupo de estudos era formado por uns jovens que estavam lá só pra ganhar pontos no currículo, acabei debandando mas imbuída com a idéia de levar o Yauti de volta para o firmamento já que nos mitos indígenas ele é um avatar ou projeção na floresta de um corpo celeste. Escrevi então para a NASA perguntando se era possível comprar fotos dos planetas que eles tinham fotografado ate então. Ao que eles responderam prontamente dando os preços. E para conseguir fazer as fotos em dupla exposição com as fotos da NASA mais o pequeno casco de tartaruga que me acompanha desde os anos setenta e resolvi fazer um curso de fotografia de estúdio que a U.T. oferecia. E tive a sorte de que o professor era o Charles Guerrero, um chicano quase parecido com o marido da Frida Kaho. E abençoada com a paciência de um professor de sangue latino consegui aprender (o que já não me lembro mais), todos os mistérios de fotografia de dupla exposição numa era pré photoshop.

E além de tomar aulas com Guerrero, tive aulas também com um professor anglo que ensinava fotografia em cor e sua arte de revelação/impressão pois as primeira impressões desta serie eu mesma fiz de modo analógico.

E foi com esta série que participei de uma coletiva organizada por Jaqueline Barnitz, a historiadora d arte especializada em arte latino americana a qual durante os  mais vinte cinco anos que vivi em Austin nunca visitou o meu ateliê, ali nem ela nem todos os que foram curadores de arte latino americana  do Blanton Museu, museu da Universidade do Texas. Será que é paranoia minha ou não achar que isso era um fragrante de um caso de preconceito, exclusão, implicância, prenoção e malquerença (para o qual me escapa a justificativa) e que me resultou em boicotes e sabotagem sobre a minha obra como ocorreu numa individual que fiz na Huntington Gallery da U.T. logo que cheguei muito por ter sido recomendada pelo Haroldo de Campos. Exposição esta a qual ninguém do staff da galeria compareceu…E como receei chegada na cidade não conhecia viva alma foi num vernissage sem ninguém…Pois a Huntington não se deu ao trabalho de divulgar sobre a mostra onde mostrei vários  desenhos aqui postados. Portanto não faz sentido que eu tenha feito tanto esforço para produzir esta série dos YAUTI IN HEAVENS?

E como uma nota final, acho incrível a coincidência ou não que foi a cultivada MARTA MESTRE uma curadora estrangeira de grande porte, que foi quem me convidou a expor esta serie no Brasil, onde eu posso fazer uma lista de grande nomes da historia da arte e curadoria brasileira que age com a minha obra numa atitude similar aqueles indivíduos que apontei durante meu sejour no Texas.

ESSAS FOTOS RESULTARAM DE DUPLA EXPOSIÇÃO USANDO FOTOS DE ESTÚDIO FEITAS PELA ARTISTA E FOTOS DA NASA. AS FOTOS DE ESTÚDIO SÃO DE UM CASCO DE TARTARUGA FEITAS SOB ILUMINAÇÃO ESPECIAL.O CASCO DE TARTARUGA ENTÃO SE TORNA UMA NAVE ESPACIAL QUANDO INSERIDA NAS FOTOS DA NASA.

FOTOS CODACHROME DIMENSÕES APROX. 30CM X 60CM DATA 1987

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YAUTI IN HEAVENS - LUA 1987

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YAUTI IN HEAVENS - MARTE 1987

YAUTI IN HEAVENS - MARTE 1987

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YAUTI IN HEAVENS - VENUS 1987

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YAUTI IN HEAVENS - JUPITER 1987

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YAUTI IN HEAVENS - MARTE 1987

O que sempre me intrigou foi o fato de em1989 eu ter tido ideia de colocar pirâmides nas fotos de Marte que eu colori à mão muito antes de eu ter tido noticias de suspeitas de que realmente existem pirâmides em Marte numa área chamada Cydonia…

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YAUTI IN HEAVENS - TERRA 1987

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YAUTI IN HEAVENS - SATURNO 1987

EXTRATO DE UM TEXTO ESCRITO POR MIM NOS ANOS NOVENTA: Sumario Breve de certas Visões Resgatadas do Olvido

A busca por sabedorias arcaicas que me definissem com mais poesia e filosofia os mistérios do tempo, foi o que me trouxe à mergulhar nas cosmologias do Brasil. Mal sabia eu, que correndo atrás dos senões do tempo, eu caíra tal como Alice, num túnel de aprendizado sem fim. Aprendizado originado não somente no meu interesse e respeito por estas culturas, mas também desabrochados no próprio processo artístico em torno do tema.

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As instalações deste inicio, intencionalmente e talvez por coerção da fragilidade de minha própria economia, se incluíam no que Glauber Rocha definiu como “Estética da Precariedade”. Assim, escolhi inventa-las com materiais industriais bem baratos, mirando-me na estratégia apreendida na observação das manifestações visuais anônimas detectadas nos meus perambulares pelos “Brasis”.
 
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Sempre me incomodou o fato de que Picasso tenha apenas se apropriado da aparência estética das culturas arcaicas, sem se interessar em trazer na obra as ciências ocultas nas mesmas. Minha instalação “Golias” agora montada na minha individual na galeria Jaqueline Martins em São Paulo comenta esta idéia.
 
Nela usei um instrumento ritual indígena que recebi de presente. Esse presente era um casco de tartaruga pintado e decorado com uma fileira de carinhas humanas. Na instalação, esse casco prende as pontas dum gigantesco estilingue. Este estilingue está armado com uma grande pedra rolada, na qual se vê toscamente gravado, em baixo relevo, um triangulo – símbolo arcaico para o olho/olhar. A mira da arma é uma grande ampliação a carvão dum desenho de Picasso. Desenho de um olho, ao meu ver inspirado em mascaras africanas
 
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Nesta serie também se inserem
 
A serie fotográfica “Nature Morte” datadas em 1987 a 1991, foi produzida utilizando luz natural de maneira a imitar o processo das pinturas flamengas da época dos descobrimentos. Como se sabe, tais pinturas foram usadas para informar a Europa dos recursos naturais das terras recém-conquistadas aos índios. Cabe acrescentar que o titulo “Nature Morte” foi elaborado como parte da leitura das fotos, criando um jogo de palavras que ironizasse a pilhagem do Novo Mundo. Alem de se basear nas pinturas flamengas, esta serie, num outro nível de ironia, refere-se as comidas sagradas encontradas tanto nas tradições Iorubá como na tradição dos índios Hopi da América do Norte. Nestas cosmologias, se tem como habito alimentar as forças da natureza com comidas sagradas, que o nosso vulgo conhece e classifica como “macumba”.
 
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A influencia da arte plumária indígena se estendeu por meus trabalhos, inclusive a alguns ligados a tradição Iorubá. Tais como “A Trilha de Oxalá” instalado no Museu Nacional para Mulheres Artistas, em Washington DC, durante a exposição “Ultramoderno – Arte do Brasil”

e “Yalode Oxum” reproduzido no “Art Journal”, revista mensal do College of Arts Association publicado em Nova York no verão de 1992 vol.51 nº2.
 
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Todavia, foi na instalação “Amuleto Para Alimento e Boa Fortuna” realizada em 1994 no Maryland Institute of Art – exposição “Rejoining The Spiritual: The Land In Contemporary Latin American Art” que a minha conecção com a arte plumária atingiu maior “momentum”. Esta obra votiva, de bom augúrio para a América Latina, foi um produto do sincretismo entre as culturas africana e a indígena as quais venho constantemente rendendo homenagem com a minha arte. Nela, as vibrações estéticas de um amuleto de Oxum usado por cubanos em Nova York se amalgamava com as de um cocar solar usado pelos índios Patwin da Califórnia durante o ritual Hesi (dança praticada no solstício de inverno para garantir boa colheita e proteger o solo contra catástrofes sísmicas). Nesta instalação, mais de nove mil plumas brancas foram amarradas uma a uma numa estrutura triangular, armada com linhas de pescar. Aqui a presença do triangulo, (outra constante no meu trabalho), faz referências ao olho, ao olhar e também outros significados alquímicos.
 
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Em 1993, instalei pela primeira vez em São Paulo, na galeria Miriam Mamber, na exposição intitulada “A Linguagem dos Minerais” a instalação “Ita-Ota”. Esta instalação foi refeita nos Estados Unidos para uma exposição itinerante organizada pelo Mexican Museum de São Francisco. Como parte desta mostra, esse trabalho percorreu vários museus americanos, inclusive o de Austin, quando foi escolhido pelo “Chronicle”, um jornal local, como a melhor instalação realizada em Austin em 1995.
 
Em “Ita-Ota”, sobre areia, repousava um circulo formado por 16 vasos com água contendo cada um, uma pedra diversa. Paralelo a ele acompanhava um circulo de 16 velas acesas. Sobre uma esteira indígena, uma pedra maior e distinta marcava o centro. Todos estes elementos multiplicavam-se inumerável e fluorescentemente nas paredes internas (forradas de espelhos) da grande caixa onde estavam contidos. Para o catalogo da mostra americana onde “Ita-Ota” foi a ilustração da capa, escrevi este poema:
 
                                                               Coloco em suas mãos
           
                                                                                                  uma pedra
 
                                                                             um grão de areia
 
                                                                             e minha mão
 
                                                         todos, vindos das estrelas
 
 
Creio que em “Ita-Ota”, o sincretismo expande alem da pedra em Tupi e da pedra em Iorubá. Pois Simão virou Pedro, “Ara” para o altar. as leis mosaicas vieram em pedra, o travesseiro do Buda foi pedra, na Kaaba maometana e guardada a pedra dada por Deus a Adão e que ficou negra com os pecados do mundo, Pirro e Pirra são no masculino e no feminino grego, nomes pedra para o Adão e Eva. Nas Américas, os índios conversam com o povo de pedra que até hoje lhes dizem em suas fissuras e desenhos, o que lhes vem pelo caminho. E todo o planeta é coroado por pedras sagradas. E só abrir o coração para escuta-las.
 
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Aqui talvez resida uma das razões de minha obra: - a necessidade de traduzir algo que sinto que existe mais além de mim. Algo que percebi melhor entendido e preservado por culturas arcaicas ou melhor culturas ancestrais. Algo naturalmente, simplesmente, magicamente transcendente, algo do qual a nossa civilização parece se distanciar ao ponto de vertigem. E, talvez quem saiba, neste distanciamento inconseqüente não estaríamos nos distanciado inconscientemente de nossa própria capacidade de ser capaz de ter um contentamento genuíno?
 
Regina Vater, Austin 1997.
 

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ITA OTA

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Instalação especialmente projetada para a mostra itinerante CERIMONY OF THE SPIRIT curada por Amalia Mesa-Bains e organizada pelo Museum de São Francisco.Inspirada em tradições Afro Brasileira, na Lingua Tupy e em estudos de religião
comparada
 

Projeto de 1990 realizado para esta mostra em 1995. Caixa de tamanho variável com paredes laterais forradas de espelhos e areia de rio no piso onde : o centro é ocupado por uma pedra de cachoeira sobre esteira indígena, circundada por 16 vidros contendo cada, uma pedra diferente submersa n’água, sendo cada vidro acompanhado por uma vela acesa que pode ser substituída por vela artificial com luz led e Esta obra foi escolhida como a melhor instalação do ano no Texas em 1995 quando a coletiva foi exposta no Laguna Gloria Museum e quando a mostra viajou para o Harlem Studio Museum em New York foi apontada pelo New York Times como uma das melhores instalações da mostra um das cinco edições da obra integra a coleção Clinton Boelsi residente em Mafra Texas.

 
Fotos Regina Vater

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TALISMà PARA FARTURA E ALIMENTO

Regina Vater - “Talismã para Fartura e A

Esta é uma obra votiva, de bom augúrio para a América Latina, foi um produto do sincretismo entre as culturas africana e a indígena as quais venho constantemente rendendo homenagem com a minha arte. Nela, as vibrações estéticas de um amuleto de Oxum usado por cubanos em Nova York se amalgamava com as de um cocar solar usado pelos índios Patwin da Califórnia durante o ritual Hesi (dança praticada no solstício de inverno para garantir boa colheita e proteger o solo contra catástrofes sísmicas). Nesta instalação, mais de nove mil plumas brancas foram amarradas uma a uma numa estrutura triangular, armada com linhas de pescar. Aqui a presença do triangulo, (outra constante no meu trabalho), faz referências ao olho, ao olhar e também outros significados alquímicos.

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​O Desenho à bico de pena do charm, coleção da artista

Entre outros artistas participaram desta mostra: Amalia Mesa-Bains, Mona Pennypacker, Mariá Magdalena Campos-Pons, Ana Mendieta e Catalina Parra,

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Desenho à grafite NOTAS PARA A CONSTRUÇÃO DO CHARM , coleção da artista

OXALÁ PATH

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Participaram dessa mostra, ULTRAMODERN:THE ART OF CONTEMPORARY BRAZIL, no The National Museum of Women in the Arts  que depois viajou para o Calouste Gubenkian Foundation em Lisboa entre outras artistas: Lygia Clark, Ligia Pape, Amelia Toledo, Leda Catunda, Ana Maria Tavares, Adriana Varejão, Beatriz Milhazes, Frida Baranek, Maria Bonomi, etc

 

AMANAJÉ

instalação AMANAJE feita em colaboração com Roberto Evangelista PS1 NY ClockTower gallery

instalação AMANAJÉ em homenagem à Chico Mendes feita em colaboração com Roberto Evangelista na mostra
HERE AND THERE, Travels Part II ClockTower PS1 Manhattan gallery 1989 à convite de Chris Dercon

CASA
     VOGUE - BRASIL




  cartas do
MUNDO

NEW YORK

Por MÁRIO MIELI


Brasileiros em NY

Foi um grande sucesso a instalação que os artistas plásticos Regina Vater e Roberto Evangelista apresentaram no primeiro semestre na Clocktower Gallery, em New York.

A instalação montada pelos artistas brasileiros fazia parte do projeto intitulado Here and There: Travels, ou seja, Aqui e Lá: Viagens, uma seqüência de exposições organizadas pelo Institute for Contemporary Art, tendo como tema central as viagens e os contrastes entre as várias tradições históricas e manifestações atuais do fenômeno. Regina e Roberto aproveitaram o espaço da galeria sabiamente: utilizando-se de uma janela circular como ponto de partida para traçar fios transparentes sobre os quais centenas de penas foram invisivelmente costuradas, estes mesmos fios atingiam o solo, onde uma disposição circular marcava a contrapartida da janela e era formada por centenas de cuias de madeira. O resultado foi belo e mágico: penas flutuando e enigmáticas cuias criando um espaço quase religioso, místico, que se refletia nitidamente no comportamento do público, que passava a falar em voz baixa e assumir uma atitude de respeito pouco verificada nos vernissagens em geral.

Um filme de Roberto Evangelista ilustrando o uso da cuia como elemento utilitário para o povo do Amazonas, ao mesmo tempo que estético, como matéria-prima para o artista, foi projetado e aplaudido.

Depois deste projeto, onde o ambiente do índio brasileiro, seus mitos e sua cultura eram o enfoque principal, Regina Vater expôs no Women’s Studio Workshop, em Rosendale, New York, 21 fotografias em cores, num poético ensaio da presença do sorriso através da história da arte.

 

Abaixo desenhos de projetos de minha autoria para esta instalação combinando as cuias indígenas usadas por Roberto Evangelista em suas obras e as penas de pássaros amazônicos coladas em fios de nylon suspensos do alto, elementos que faziam parte do meu plano para esta obra

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Regina Vater desenho projeto de AMANAJÉ 1988 para PS 1 NY carta para Cris Dercon e Roberto
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TIKA UNIKANA 1989

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Instalação TIKA UNIKANA feita em colaboração com Roberto Evangelista para a mostra coletiva Transcontinental na Ikon Gallery em Birmingham Inglaterra à convite de Guy Brett. Mostra que contou com a participação de Victor Grippo, Tunga, Jac Leiner, Cildo Meireles, Waltercio Caldas, entre outros artistas

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Por ser muito difícil a comunicação por carta com Roberto e pela urgência do tempo, me apressei e enviei ao Guy Brett  esta carta explicando à ele o que eu pensava ser a solução para a instalação na IKON Gallery,

MONGARAYBA

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Instalação MONGARAYBA feita com a colaboração de Roberto Evangelista  para a coletiva -

THE REVERED EARTH montada no Contemporary Arts Museum de Houston e no Pratt Institute

em Brooklyn, New York 

COMPONENTES DA OBRA: Desenhos Indígenas em fibra vegetal, bambus, caixa de vidro contendo

agua onde boia uma cuia Indígena

VerVÊ ou o ÔLHO DA ONÇA

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" VerVê" (from the Portuguese "Regard on seeing") ground installation inspired by African and Navaho Ground paintings and Tibetan sand paintings. The drawing project is a result of the blending of the image of the eyes and the universal symbol of the Mythic Spiral. Media: Corn, rice and black beans (the major basic staples of the Americas). Shown in 2009 in an one-woman show at the Maria de Lourdes Mendes de Almeida Gallery, Ipanema – Rio de Janeiro, in 2003 in another one-woman show (“Curandeiro”) shown in the Museum of Contemporary Arts of Dragão do Mar, Fortaleza – Ceará, Brazil and in 1997 in an one-woman show (“Curandarte”), at Women And Their Work Gallery, Austin -Texas.         Dimensions: approx. 12' X 8'      Date of project: Summer 1996.

O título VerVê vem em parte dos VEVE: riscos no chão da tradição Africana (Brasil e Haiti). E também se refere à pintura dos índios Navajos e às mandalas de areia do Tibet, ambas provisórias. A obra é uma enorme pintura também provisória feita no chão usando milho, arroz e feijão preto, os grão básicos que alimentam as Américas. Sua forma, que conjuga as conotações metafísicas do círculo e da espiral, foi inspirada em uma abstração da onça pintada - olho e cauda. A onça é um animal via de regra eleito protetor dos xamãs, pajés e curandeiros, desde o Texas a Terra do Fogo. A escolha se baseia no fato da onça conseguir se locomover com facilidade na noite da floresta. Sob sua proteção os xamãs podem se embrenhar na escuridão do inconsciente humana para curá-lo.
 

Esta instalação carrega em si, então, além dos significados da arte pensada como alimento e como portal para outras dimensões sensoriais, a alusão à arte como instrumento de cura da percepção. Tanto as mandalas tibetanas quanto as pinturas dos índios Navajos são feitas com intenção de cura.
 

Este aspecto do meu trabalho é geralmente expresso por conexões que estabeleço  com as tradições arcaicas, principalmente indígenas e africanas. Nestas cosmologias o caráter sagrado da natureza, os laços entre pessoas e a relação humana com o natural estão melhor preservadas, e constituem não só uma importante fonte de inspiração, mas uma tentativa de ressuscitar no público a noção de natureza como espaço sagrado.


Alimentação, cura e visão. Mais que visão de quem vê mas não enxerga, de quem ouve mas não escuta, de quem percebe mas não sente, a visão na noite dos sonhos. O cheiro do alimento sendo preparado, o milho colhido para a festa da tribo.                                         Rubens Pileggi


Na foto que mostra a instalação montada na W&TW Gallery em Austin Texas também se vê em primeiro plano o livro "Eye Opener" ou "O abridor de olhos", numerado e editado pela artista em série de três
Dimensões: 36 pages 28 centímetros por 20 centímetros por 1 centímetros
Mídia: impressão em cor em papel cartão por impressora tipo "bubble jet”.

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MANTRA DA ONÇA constituído por uma série de desenhos  empregando diversas media em papel artesanal Japonês, projetos para o VerVê. Serie esta que foi que foi desfeita para que um lote dos mesmo tenha sido doado ao Museu Arte  Contemporânea de Austin Texas

 

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CARGO 1992

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Desenho projeto para CARGO guache sobe papel. Obra localizada no acervo da Galeria

Jaqueline Martins

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​Essa obra se baseia no culto do CARGO  um conjunto de ritos que aconteceu pela primeira vez na Melanésia mas que foi registrado em povos originários da Amazonia (pincipalmente nas fronteiras com as Guianas). Essa pratica foi algo provocado pelo contato de sociedades chamadas de "primitivas"do que eu prefiro chamar de 'civilizações da Terra’ com missionários evangélicos  ou outros grupos de sociedades tecnologicamente mais avançadas. Ao contato com objetos e comportamento dos brancos totalmente desconhecidos pelos da 'civilizações da Terra’, esses começaram uma pratica de fetichilização desses objetos e praticas. Como o uso pelos nativos de malas deixadas por detrás nas ilhas da Melanésia na segunda guerra pelos soldados americanos, como um simples objetos de adorno corporal. E a confecção em palha de replicas dos radios resignificando os usados pelos soldados. E como também a alteração do significado das cruzes introduzidas  pelos missionários. E mais: o exemplo de uma arvore de Natal enfeitada com latas de refrigerantes e cerveja , lado a lado com os totens sagrados aos nativos dentro de um cercado de panos amarrados com nós demarcando como um espaço de alta carga espiritual proibido de ser penetrado.

CARGO criado em 1992 para uma mostra itinerante do MEXIC-ARTE MUSEUM de Austin Texas e montado em 2021 na individual da artista em São Paulo na Galeria Jaqueline Martins.  Material: caixas de madeira contendo penas coloridas fixadas em concreto.

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Close de algumas caixas da Instalação CARGO

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Description of some of my works connected to the Afro-Brazilian roots

(with minor editing by Professor Fred P. Ellison)

My initial work  using installation as a medium was my first one directly connected with African mythology.

It was in 1973, during the worst period of the Brazilian ditactureship.
I did this work as a votive piece for better days for Brazil. The inspiration came from altars that are set up every New Year's eve on the beaches of Rio for Yemanjá, the goddess of the Ocean.

In contrast, the subject of my work were, the patroness of Brazil, Nossa Senhora da Aparecida -- the black Madonna-- and Saint George. It so happens that in the syncretism of the Catholic faith with African traditions Nossa Senhora da Aparecida represents the orixá "Oxumaré", or the rainbow snake, The rainbow snake itself is the goddess of Hope. For me the fact that Brazil is protected and blessed by hope itself and above all by a black Madonna constitutes a very charged symbolism.  And Saint George in the Africa/Catholic syncretism represents Ogun. Ogun id the African Aries or Mars, the keeper of peace but also associated with construction/progress, one of the protective spirits of the African pantheon.

In order to do this work I invited a friend of mine, Silvio Palhares, a student of the school of Industrial Design in Rio and some of his colleagues.

The piece was done in the Joatinga Beach, in Rio. We brought to the beach only two images: Oxumaré and Ogun. The rest of our material we found on the beach: empty bottles, sea weed, drift wood, etc.

In the process of doing the work we became so mesmerized by the diversity of garbage that we found in the spot that we resolved to incorporated the element of ecological commentary into the piece. Thereby expanding its meanings.

The final product was a pyramidal altar made with sand where were installed the images of the two gods, This altar was decorated entirely with the elements we found on the beach. In front of it Silvio drew on the ground an African circle considered to be a threshold  for the spirit world.

After we  finished this site-specific piece, we left it to the elements as  people in Brazil do, when they make their offerings to the spirits of nature.

The whole process lasted at least three hours and was photographed by Sidney Weismann  and he kept the negatives.  When I sent the montage of the photographic records of this installation (in 1970) they didn't understand the nature of my work and classified it as photography. Ironically, two years after (1972), this show awarded me the most important prize for the arts in Brazil as a painter.

In 1978 I returned to be inspired by the African Traditions in a work I did that was part of a series of visual poetry using the word ART. This series consisted of poetical and ironic commentaries on the qualities, processes and politics of ART, was mostly achieved through photography. One of the pieces however, was a small installation that combined an object with black and white photography. The object was a white silk flag  where I embroidered the word ART, white over white. This  Flag measured approximately 36" X 25" and was  hung on a flagpole displayed besides a serial photographic montage. This montage showed the same flag trembling in the wind at the top of that very same pole  against a blue sky. The title of the work was: "Oxalá que dê Bom tempo" which in Portuguese means: "Wishing for a god time" an ironical allusion to a crises Brazilian art was going through those times. (1) By chance the word Oxalá, besides being an expression of good wishes is also the name of the solar Yorubá God of Creativity. His color is white which coincidentally encompasses all the other colors. White is also the color of another Yorubá orixá: TEMPO, an abstract orixá who does not have a human representation. His representation is just a white flag which flies over the Tree of Life. By the way the word Tempo in Portuguese means both time and weather.

This network of poetical metaphors and symbolisms employed in Africans Mythologies fascinates me, and speaks to me highly of the intelligence and sensibility of those cultures. They convey to me a finesse   of spiritual connections between of the human being and the cosmos which make all relationships with nature much more magical and filled with reverence.

In the early 1980's I started a big series composed of  about nine installations and several drawings inspired by the Afro-Brazilian protective plants. In this series I interwove a cross-pollination between the concept of protective plants and the worldwide notion of the Tree of Life. I am enclosing a useful text  I wrote about the concept of this series which was published in the book "Voices of Color" edited by Phoebe Du Frene.

And in 1992 I made a video installation honoring the river goddess Ossun. This installation entitled Axe Oxun was constituted of a wave shape mirror placed on the ground between two white monitors over clear Plexiglass stands. The monitors showed in a loop different textures of running water edited through computer effects. Hanging from the very high ceiling of the gallery a rain-like mass of fishing lines fell over the mirror.

Mantra for Oxala dated of 1993 was another site specific installation I made for a show about Brazilian art made by the African Diaspora in Brazil. This show was in a São Paulo Museum (Pinacoteca do Estado) directed by a renowned Brazilian black artist (EMANUEL ARAUJO). The Pinacoteca is an old building composed of many rooms with very high ceilings and very tall French windows. In this show I had a whole entire room for myself, a fact that enable me to keep the windows open during the whole period of the show. To have the windows open was very important to enable the concept of this installation to work.

The piece was composed of several rows of white organza flags. These rows of transparent flags was stretched in descendent layers in front of the open window. Over each flag I had printed in white over white  a mantra/poem  that said repeatedly:

OXALÁQUEDÊBOMTEMPOOXALÁQUEDÊBOMTEMPO
OXALÁQUEDÊBOMTEMPOOXALÁQUEDÊBOMTEMPO
OXALÁQUEDÊBOMTEMPOOXALÁQUEDÊBOMTEMPO
OXALÁQUEDÊBOMTEMPOOXALÁQUEDÊBOMTEMPO
OXALÁQUEDÊBOMTEMPOOXALÁQUEDÊBOMTEMPO

This reflects the tradition of Visual poetry to which my work has strong connections.  I must say here that because the invention of Concrete Poetry in Brazil by the Augusto and Haroldo de Campos and others, visual poetry plays a very important role in our culture.
 
The translation of "Oxalá que dê bom tempo" is: "Wishing for a good time".  This work was also inspired by two major Afro-Brazilian deities: Oxalá the god of creativity  and the god Time. To see the connections of these two gods with the color white please read an  explanation I already gave above (1) of an earlier installation dated from 1978 tilted "Oxalá que dê bom tempo",  Like many of  my works, this piece was also a syncretic product of my observation of other cultures. To keep the museum windows open for instance, pertains to the relation established in this work of the Yorubá gods and the Himalayan prayer flags. The Himalayan prayer flags need to be blowing  in the wind, because it is the wind that becomes the emissary of people's wishes to the gods.

The use of the white color has to do with the two gods as I already explained but also is a reference to Malevich.

For this show at the São Paulo's Pinacoteca, Mr. Emanuel Araujo only invited other artist with fair skin. His name was Verger, a French photographer who had been initiated in the Brazilian African traditions and who wrote perhaps the most comprehensive and important books on this traditions. For me without doubt it was one the most flattering things that happened in my career. Not only to be included among the most important African Brazilian artists but also to be in the company of Verger. A film was recently made about him and it will be easy for anyone to gather more information on his work at the web site of Gilgerto Gil one of the most important Brazilian musicians. www.gilbertogil.com.br

I am including also a text I wrote for a talk I gave at the College of the Arts Association caucus in Chicago. This text refers to another series of works I did, which is a syncretic product of inspirations coming from the Brazilian African traditions and the Native American traditions. Beyond that, it makes connections to academic classifications of art and to Flemish Oil Paintings. The title of this series is "Nature Morte" and I started to work on it in1987.

In 1993 after I made  "Mantra for Oxalá" I did an installation at the Museum for the Women in the Arts in Washington D.C. as part of a very comprehensive show on contemporary Brazilian art, It's title was "Oxalá's Path".

The space I had to do my work in the museum was a small chamber separated from the contiguous space by  a short wall of approximately five feet in width that left two pass-ways on both sides. To work within the laws of the space as I think every installation should do,  I envisioned a fan-shaped ray of white feathers coming from the opposite wall to this wall. The distance between these two parallel walls was approximately  nine feet.

The use of white feathers was connected to the symbolism of the sun as a bird. The color was connected to the sun god, Oxalá. The feathers were attached one by one on to a series of hundreds of fishing lines extended between these two walls.
Underneath them, also from wall to wall, almost as  a projection, was a shallow plexiglas box filled with popcorn and glitter.

Popcorn was used not only because is white, the color of Oxala, or to suggest the warmth of the sun but also because is one of Oxala's sacred foods.

Two years ago I made a show at the Women And Their Work Gallery in Austin mainly composed by two installations and some drawings. One of the installations was VerVê. Because I already written extensively about Vervê in another text which I am including I will merely explain the other installation entitled Egum Ilé.

Egun Ilé, was a work I did in honor of one of my paternal great-grandparents Adolpho Bezerra de Meneses, who introduced Brazil to the spiritualism of Alan Kardec and who  became famous for his dedication in the mid-nineteenth century to the health of Rio Janeiro's poor. He was a physician and a politician.

Egun Ilé is based in the Nago cult of the ancestors brought from Dahomey to Brazil and in the use of the tree of blue bottles by the African Diaspora in the United States. It is likewise a component of the cult of the ancestors.

In this Nago cult, they revered only the ancestors that did good deeds to the community or those who really expanded the practice of kindness and compassion. Both in Africa and in Bahia/Brazil the components of this cult use very rich long ritual clothing that conceal their identity completely . I used a kind of satin blue fabric used to cover mattress. In this choice was referring the symbolism of death as a kind of sleep.

One of the factors that collaborated to the success of this work  was that the gallery had  a very odd feature between its ceiling and one of the walls: a long enclosed vent for the air conditioner, which runs the whole extension of that wall. This feature is very hard to work into an installation, but luckily it came in handy to hang the major elements of the work from the ceiling in front of it.  The elements constituted in two long pieces of cloth side by side concealing a part of the narrow space between that box and the wall.

Coming from the wall, sustained by a silver chain, passing across the opening between the two fabrics, it was a tree trunk crowned with blue bottles in its branches. This tree emerged from a round tub filled with perfumed water and placed behind the long banners.

Perfume is another element of the cult of the ancestors. The gallery also emitted other smells during the show. Part of this show was also a group of African healing plants and  the night of the opening I sprayed leaves from these plants on the gallery floor.

Unfortunately the aesthetics of the African cults is totally unknown for many Americans and even for some Brazilians. The Brazilians certainly have some notion of it through the midia and through the offerings to the gods that are observed to pop out here and there on the landscape. But even though this presence is so overwhelming in Brazil, some people, driven or by prejudice, or by ignorance, or by class snobbism, distanciate themselves from it without any curiosity. This certainly does not contribute to the understanding and the assimilation of my work, whether there or here. That, added to the usual prejudice against any form of non-conventional European cosmology exercised in the west, distances the aesthetics and philosophic concepts of my work from the understandings of art critics and curators.

Nevertheless I am compelled to be faithful to the sources of my energy. And those sources still are in the place of my birth and my cultural formation. And I believe that part of Brazil still undeserved unheard by the international intellectual community and perhaps by some of the Brazilian intelligentsia themselves. I think that our roots have a lot to contribute in terms of connections with the sources of life and understanding about life itself. And because of it, as a cultural producer I am committed to be the translator of the discourse of my tribe as so well putted Stephanie Mallarmé.









 

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COMIGO NINGUÉM PODE 1982.

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FOTOS COMPRADAS DE UM LAMBE LAMBE QUE OPERAVA NA PRAÇA GENERAL OSÓRIO - RIO DE JANEIRO 1982

Depois de nos apaixonarmos à conselho de bons amigos, que sabiam de nossas condições econômicas, me candidatei para a bolsa da Guggenheim. Mas sob a insistência do Bill, fiz uma venda tipo 'americano que se muda' (nos EUA = Garage sale), e acabei indo de mala e cuia para New York sem saber se iria ganhar a bolsa ou não. Isso, apesar do AMOR/PAIXÃO, me deu uma tremenda insegurança. Com a ajuda de amigos fiz uma breve viagem ao Rio e lá então comentei a minha ansiedade à Lygia Clark (a quem eu visitava com frequência). Ela então insistiu que eu fizesse umas seções de análise com uma psicanalista Argentina. Durante as seções ela me ressaltou a importância de eu em qualquer canto do mundo, estar conectada às minhas raízes, usando sempre a metáfora que uma arvore sem raízes não sobrevive e mais: que são elas que nos prove a nutrição para a resistência.

Talvez por meditar nisso com afinco é que numas aulas que dei no SESC POMPEIA para poder levar um dinheiro para enfrentar a minha segurança econômica em New York (ainda sem saber se iria ganhar  a Guggenheim), eu as direcionei a focar no que e como a cultura popular poderia nos inspirar. E num trabalho de campo percorrendo com os alunos as ruas do Brás, percebi a onipresença da planta Comigo Ninguém Pode. Como na época estava lendo o livro A RAMA DOURADA  do Frazier, imediatamente comecei a registras com foto a presença dessa planta tão imbatível e poderosa na sua vulgaridade. A unindo em minha mente ao capitulo do livro que discorre sobre os DEUSES QUE MORREM E RENASCEM. Por isso é que voltando pro Rio ao ter que tirar uma foto de identidade, me encantei com a possibilidade de comprar com um fotografo Lambe Lambe um punhado de fotos representando uma amostragem do povo brasileiro. Ao vender estas fotos de identidade numa caixa de papelão para sapatos, ele me perguntou se eu estava comprando elas para fazer algo de mal pra aquela gente. Ao que retruquei;
 

NÃO! NÃO! VAI SER JUSTAMENTE O OPOSTO!  E confabulei comigo mesma: ELES VÃO SER OS DEUSES QUE MORREM E RENASCEM! SIM! COMO O COMIGO NINGUÉM PODE DE RESISTE BRAVAMENTE À NEGLIGENCIA QUE PODE ATÉ CORTAREM, MAS BROTA NOVAMENTE, SE PROPAGA AO DEUS DARÁ E DIFÍCIL DE SER ANIQUILADA.

NÃO QUE COM ESSA OBRA EU QUEIRA FAZER UM ELOGIO DA PRECARIEDADE, DA FOME E DA POBREZA. MAS MUITO PELO CONTRARIO. PRA MIM ESSA OBRA É UMA ESPÉCIE DE ALTAR AO PODER DE RESISTÊNCIA DO SER HUMANO EM CONDIÇÕES AS MAIS ADVERSAS. ALGO QUASE QUE É QUASE MÍTICO PELA ALTA CARGA DE HEROÍSMO PELA VIDA.

Só como nota ao pé do texto; Eu AFIRMO que até aquele momento no tempo EU NUNCA HAVIA TIDO CONTATO COM NENHUMA OBRA QUE USASSE FOTOS DE IDENTIDADE e sempre declarei que a minha primeira instalação desta serie da Fisher Gallery em Los Angeles, era uma homenagem à TROPICÁLIA DE Hélio Oiticica.

 

comigo ninguem pode lapiz de cor e Xerox PB 1983 usado no catalog da mostra Latino americ

Desenho mix media para o catálogo da mostra na Fisher Gallery (a primeira mostra com artistas experimental latino americanos na California. Desenho presenteado à Fatima Bercht quem convidei à escrever o texto para minha obra para o catalogo desta mostra Californiana

REGINA VATER primeira instalacao da seri

COMIGO NINGUÉM PODE 1984 Instalação especialmente projetada para amostra AQUI na Fisher Gallery da Universidade da California em Los Angeles, inspirada no mito universal da árvore da vida e na tradição das plantas sagradas na cultura Africana. Homenagem à TROPICÁLIA do Hélio Oiticica.

Media: Silkscreen de fotos 3X4 de centenas de brasileiros, sobre madeira, tecidos, fotos PB , planta Comigo Ninguém Pode plantada numa lata de gordura vinda do brasil e luz vermelha

dimenções: 2,5m X 2,5m X 1,25m

REGINA VATER - instalação Comigo Ninguem Pode Museu da Fotografia Daytona Beach Florida
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Comigo Ninguem Pode desenho projeto uma das obras realizadas da serie para ze celso.jpg

Instalação COMIGO NINGUÉM PODE especialmente projetada para o espaço do Teatro Oficina em São Paulo à convite de Zé Celso Martinez Correa para que o próprio executasse uma performance votiva à uma PRIMAVERA CULTURAL . Obra inspirada no mito universal da ÁRVORE DA VIDA e na tradição das plantas sagradas da cultura Africana. data de 1993

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REGINA VATER desenho COMIGO NINGUEM PODE lapiz de cor e Xerox PB 1983 4.jpg
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Fiz apenas poucos desenhos desta serie. Um deles dei para minha amiga Bia Lajta que me disse que o

marido Carlos Heitor Cony gostava tanto dele que o levou para colocá lo no seu escritório

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4 FOTOS COMIGO NINGUEM PODR.jpg
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A grande ampliação PB analógica à esquerda participou da minha primeira instalação no tema na Fisher Gallery em L.A. Hoje ela se encontra consignada no acervo da Galeria Jaqueline Martins em São Paulo  depois de vir no único pequeno grupo de  obras devolvidas de Minas Gerais

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MAC 21_10_2017 Luiz Ferreira_0008t.jpg

CELEBRATION for a GO(o)D TIME      

CELEBRAÇÃO para um BOM TEMPO e/ou um DEUS TEMPO

Título escolhido pela galeria Jaqueline Martins para minha individual de 2021

​Tendo terminado a confecção das bandeirinhas, conseguido a licença do Departamento de Parques e Jardins de Nova York, desenhado e xerocado o pequeno cartazete marcando o evento para PRIMEIRO DE MAIO, tendo convidado os artistas amigos, em cuja presença se contavam entre outros: Anne Tweety (poeta ; performancer),  Marylyn wood (performancer ; ativista), Antoni Miralda (notório artista de instalações usando comida), Alison Knowles (um dos expoentes do grupo FLUXOS), Catalina Parra (fantástica artista chilena ganhadora de uma Guggenheim no mesmo ano que eu), Karen Bacon (conhecida artista, produtora de festivais), Bill Lundberg (internacionalmente conhecido pioneiro da video arte) e o grupo brasileiro Louisada Empire Samba School). Nos encontramos todos ao pé de uma imponente árvore frequentemente visitada por mim durante um ano. Chegando os convidados todos vestidos de branco, trazendo comida branca para compor o farnel da celebração incensei a árvore como a todos os presentes. Num esforço alegre e coletivo decoramos a árvore e com a ajuda de Miralda e de um dos músicos, hasteamos a bandeira Branca no topo de árvore.

Aqui eu faço um parêntesis e explico a poesia da fonte inspiradora como também o titulo:

Nas matrizes dos cultos africanos, especialmente do Candomblé o TEMPO, (na palavra de Caetano - "O SENHOR DOS DESTINOS”), é um orixá representado por uma bandeira branca no tôpo duma árvore escolhida como avatar da ÁRVORE DA VIDA. Aquela árvore de mil rostos, descrita por Ezra Pound,  num dos seus cânticos. Árvore à qual, todos os humanos pertencemos…. Pode haver imagem mais poética do que isso?

Pois bem, naquele primavera, estávamos saindo de uma inverno muito rigoroso e Ronald Reagan havia ganho o poder. Por isso o jogo de palavras do titulo: CELEBRATION FOR A GO(o)D TIME que em português seria: "Celebração para um bom tempo" ou "Celebração para um Deus TEMPO”...

Depois de degustarmos as oferendas, houve então performances, cantos, declamações, danças, música sendo que a mais notória, foi a da Alison Knowles, tudo filmado pelo companheiro da francesa Catherine Milinnaire (video artista especializada em registrar rituais. E também fotografada pela fotografa Chaterina MacGuire.

O TEMPO  transcorreu em efusiva alegria para o espanto e curiosidade dos transeuntes daquela tarde de incerto avanço na primavera do Central Park, New York…

 

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celebration for go(o)d TIME Danilea Tilkin Catalina Parra (abaixada) Reg,Vat. Marilyn Woo
celebrationforgo(O)dTIME Alison Knowles ajoelhada Catalina Parra e Karin Bacon de pé 6.jp
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O vídeo desta celebração que inclui uma perfomance de Aliso Knowles está num dos meus canais do Youtube e o link é:

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​https://www.youtube.com/channel/UC68pI2hAr_dJ2wJKc9-SUNg/videos?view=0&sort=da

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HISTÓRICO DA OBRA ART – BANDEIRA BRANCA
 

A obra ART bandeira branca  foi concebida durante um momento delicado da minha vida pessoal.
 

Bordei essa obra tendo em mente não só expô-la na minha individual ‘’Regina Vater VEART’’   galeria Arte Global 1976,São Paulo. Como fotografá-la para produzir mais um dos meus 'Cinematic Stills', os quais eu já vinha produzindo desde Nova York em 1973. Este eu chamaria de "Oxalá que dê bom Tempo", título que acabei dando a outras obras. Assim eu conecto esta obra a OXALÁ (Orixá da criatividade, cuja cor é o branco) e o TEMPO (orixá que é representado por uma bandeira branca  trêmula no tôpo da árvore da vida). E é lógico que a obra encerra um 'jeux de mots'. Este Cinematic também foi exposto na minha individual ‘’Regina Vater VEART’’  galeria Arte Global 1976,São Paulo. em cujo catálogo também foi reproduzida.Ela, que depois viajou comigo para Nova York quando ganhei a bolsa da Fundação John Simon Guggenheim (fui a primeira artista mulher brasileira a ganhar este prêmio), Esta bandeira foi exposta na galeria ARTEGLOBAL pendurada num porta-estandarte que ficou com o meu amigo Michel Loeb.

 

Em Nova York ela ficou pendurada em nosso estúdio.E assim que ela aparece num take do filme "Saudades do Brasil" . Ela também participou do evento que programei para o dia 1º de maio no Central Park em 1982 "Celebration for a GO(o)D TIME” na ocasião volto a usar  o jogo de palavras com o deus TEMPO e um bom tempo de vida. Existe um video feito por Catherine Millinaire (videomaker francesa especializada em registrar celebrações). Nele aparecem artistas notórios que participaram do evento como: Antoni Miralda, Catalina Parra, Karen Bacon, Alison Knowles, Marilyn Wood, Bill Lundberg e a banda Louisada Empire Samba (famosa naquela época em NY).

Essa obra é parte da minha história pessoal e um inicio de filão de outra obras que acabei fazendo tais como: "mantra para oxalá" em 1993 na pinacoteca em sp ;  "Caminho de Oxalá" também em 1993 a obra participou da exposição ‘’Ultramodern’’ no  Museum for the Women in the Arts, que reuniu entre outras artistas :Lygia Pape, Anna Bella Geiger, Beatriz Milhazes, Adriana Varejão.

A última participação em exposição aconteceu na galeria Jaqueline Martins em 2013 na exposição Was Ist Kunst? Curada por Tobi Maier.
 

O último trabalho oriundo deste filão (se não me escapa a memória) foi o "Oxalá que dê Bom Tempo ou AMON AMEN" que realizei numa mostra resultante da minha residência no ARTPACE  no próprio ARTPace Foundation em San Antonio Texas, onde ocupei um dos estúdios no prédio concomitantemente com Mona Hartung .
Enfim continuo afirmando: "OXALÁ que dê Bom TEMPO"
Regina Vater Austin 2002

 

AXÉ OXUM

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Regina Vater Veja Paulo Figuereido SP.jpg

EGUN ILÊ  em homenagem ao MESTRE DIDI

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Bottle trees, an American Deep South custom, have their beginnings on African soil. They are a Kongo-derived tradition dating back to around the ninth century and were introduced to America as early as the seventeenth century as a consequence of the Atlantic slave trade. While the exact origin of bottle trees is unknown, the most probable beginning is in African graveyards as a funereal ritual. Using various glass objects, including bottles, to decorate the burial sites of the dead is a long-standing tradition. Bottles were laid either in a symmetrical pattern on the site or randomly around the borders of the site, thus creating a horizontal bottle tree. If a tree draped over the grave, colorful bottles were hung from the tree’s limbs. The grave decorations protected the dead person’s talents from escaping into a space of nothingness.

This tradition carried over into the American South, where many African American graves have such decorations. Bottle trees also have long stood in the yards of African Americans, and the kaleidoscopic wonders eventually made their way into yards of Euro-Americans. The belief is that sunlight dancing through the colored bottles will lure evil spirits into the bottles, entrapping them and protecting the home.

CURANDEIRO em homenagem ao meu tataravô A.B.d M.

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TRONO PARA BABALORIXÁ

​Com esta instalação ganha o prêmio Honra ao Mérito e Patrimônio 2013 pelo IPHAN/Centro Cultural Paço Imperial/MINC
E participa com o TRONO PARA UM BABALORIXÁ no Centro Cultural Paço Imperial no Rio de Janeiro RJ na mostra do prêmio Honra ao Mérito e Patrimônio de 2013 concedido pelo IPHAN/Minc.

Obra feita de uma poltrona embrulhada em fazendas de chita de diversos estampados, colocada sobre um duplo panel feito de feltro preto e chita suspenso de bambus há uns três metros do alto na parede atrás da poltrona e que se estende como longa passadeira há uns quatro metros a frente desta poltrona

instalação RVater p Emanuel TRONO PARA BABALORIXÁ Homenagem ao Mestre Didi.jpg

Título da obra “Trono de Babalorixá - Obra em homenagem ao Mestre Didi.”
Ano  2014
Técnica: Instalação técnica mista
Dimensões: 2.5m A X 2.5 L X 3m P

À ele, Mestre Didi, nosso grande sacerdote-artista de origem iorubana, que afirmava "Os Orixá do Panteão da Terra são os que nos alimentam e nos ajudam a manter a vida. Os meus trabalhos estão inspirados na natureza, na Mãe Terra-Lama, representada pela Orixá Nanã, patrona da agricultura". dedico esta minha obra.

Algo que nunca esqueci e que ouvi do Mestre Didi e que acho importante deixar aqui lavrado é que no culto dos ancestrais do qual ele era Babalorixá, só podiam ‘baixar’ para vir comemorar com os vivos, os egun daqueles que em vida fizeram o bem para os humanos e para o seu entorno.

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Com esta instalação Regina ganha o prêmio Honra ao Mérito e Patrimônio 2013 pelo IPHAN/Centro Cultural Paço Imperial/MINC. E participa com o TRONO PARA UM BABALORIXÁ no Centro Cultural Paço Imperial no Rio de Janeiro RJ na mostra do prêmio Honra ao Mérito e Patrimônio de 2013 concedido pelo IPHAN/Minc.

Obra feita de uma poltrona embrulhada em fazendas de chita de diversos estampados, colocada sobre um duplo painel feito de feltro preto e chita suspenso de bambus há uns três metros do alto na parede atrás da poltrona e que se estende como longa passadeira há uns quatro metros a frente desta poltrona

MAR DE COMPAIXÃO

Quando meu marido veio ao Brasil numa FULLBRIGHT como artista em residência no MAC USP EM 1992, fomos convidados a fazer uma exposição juntos.. Meu único projeto era uma alcova pintada à mão de azul  com milhares de espelhinhos de feira colados verso com verso  e dependurados em alturas variáveis  preenchendo o espaço da alcova e tendo neles refletido o video  de ondas do mar passando em duas TVs  brancas que eu havia trazido dos EUA. Com as telas das TVs voltadas para os espelhos, o mar se multiplicaria neles. (Naquela época ainda não havia projeção de video). Porém este projeto não pode ir a diante por falta de verba do MAC para bancar a construção da alcova tal como eu tinha planejado. Já de posse dos espelhinhos, não desisti da instalação, fiz então uso de umas estruturas metálicas de andaime e as revesti de muito tule azul e branco  (algo que inconscientemente veio da memória dos altares de Maria dos tempos de colégio de freiras). Porém no titulo da obra  a minha intensão na verdade vinha do budismo tibetano onde é "Avalokiteshvara"Aquele que enxerga os clamores do mundo"; o/a bodisatva que representa a suprema compaixão de todos os Budas.é chamado MAR DE COMPAIXÃO. Um bodhisattva é aquela criatura que está adiantada ou pronta para alcançar o estado de Buda; contudo faz voto de só alcançá-lo plenamente quando nenhum ser estiver mais no samsara, ou na roda de encarnações neste mundo.

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LADY OF HOPE

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Esta escultura foi feita na minha residência de artista no ARTPACE FOUNDATION  em San Antonio Texas.  Nela foi usada um pequeno gaveteiro, onde foi fixado uma coluna de madeira antiga e um neon multicolorido e tridimensional  que se enrolava em torno da coluna encimada por uma pedra onde se apoiava outra pequena pedra, (presente de Debora Hay), e por detrás desta se escondia a imagem negra de Nossa Senhora de Aparecida. Nas gavetas do minúsculo móvel eram colocadas as correspondência votivas à LADY OF HOPE enviadas do exterior. (Estas foram as que foram o único material da obra junto com o livro artesanal onde publiquei estes envios de arte e poesia à LADY OF HOPE pois o resto da escultura nunca me foi retornado com alegações de danos e perdas).

Juntando os elementos:

1 - A madona negra  protetora do Brasil - onde, (de acordo com Funcanelli), existe correspondência com as madonas negras veneradas nos subsolos de catedrais medievais (reminiscência do culto de Isis)

2 - A presença do neon de varias cores que foi agregado de acordo com informação recebida, (talvez errada), de um filho de santo, que no  nosso sincretismo, Nossa Senhora de Aparecida corresponderia à Oxumaré ( orixá da esperança - ligada à cobra do arco iris)

3- A presença de obras de outros artistas, neste caso, como uma romaria epistolar. Algo que veio marcando presença em meu trabalho não só pelas varias coletivas que organizei nos EUA com artistas brasileiros ou latinos, mas como pela inclusão de colegas em minhas individuais como foi o caso da presença de Regina Silveira Ubirajara Ribeiro  e Florian Raiss na minha mostra VeArte na Galeria Arte Global em 1978.

Entre outros artistas que enviaram contribuições para este projeto estão os nomes de:
ANTONIO CARLOS MACIEL
AUGUSTO DE CAMPOS
BENÉ FONTELES
CRISTINA FREIRE
GUILHERME MANSUR
FLAVIA SAVARY
LIA DO RIO
LUIS CARLOS LISBOA
LYGIA AZEREDO DE CAMPOS
MARIO MIELI
MARLUI MIRANDA
NELSON ALVIN
OLGA SAVAR Y
SILVIO PALHARES
SONIA LABORIAU
TADEU JUNGLE
VERA TERRA


I also like very much the Book of Hope, which I made during my residence at the Art pace Foundation in San Antonio, Texas which was also part of the installation titled The Lady of Hope this installation was inspired by Oxumare (the rainbow serpent) and the Brazilian syncretism with the black Madonna of Aparecida. The book was a result of a compilation of many poems, letters (almost as written ex-votos) connected with hope. Part of a correspondence I received from various poets, artists, friends non artists, people from different social ranks including servants of some friends in Brazil. Because I printed the whole book on my home computer printer, I only could produce one single book that was beautifully handmade with help of my Art Pace grant. Because of that it received a special attention in my Art Pace catalogue.

Because this installation has to do with the altars to Isis and to the Black Madonnas in the European Cathedrals, the book is almost like a prayer book although many of its contributions have nothing to do with prayer.


From:

https://archive.the-next.eliterature.org/museum-of-the-essential/museu/interviews/reginavaterenglish.htm


 

regina vater-letterhope_edited_edited.jp
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ESTÁ NO YOUTUBE UM VÍDEO FEITO E  1999 QUE DOCUMENTA ESSA MINHA MOSTRA COMO ARTISTA-EM- RESIDÊNCIA NO ARTPACE FOUNDATION EM SAN ANTONIO - TEXAS E O LINK é

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https://www.youtube.com/watch?v=y6uMQwFhbnA

JANAINA

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JANAINA para o Artpace foundation 1999 detalhe.jpg

DETALHE.ACIMA

​JANAINA inspirada em tradições AFROBRASILEIRAS, foi outro trabalho com neon, produto da minha residência no ARTPACE FOUNDATION em 1999 e que foi perdido, (desta vez por conta das minhas mudanças).

Obra usando: antique mesa, pintada com esponja, decorada de pedras e conchas minúsculas, tendo sobre ela uma pedra onde se encontra fixado um Neon azul claro tridimensional abraçando uma grande concha branca.

Tenho muita vontade de construir uma versão desta escultura por achar ela muito poética.

AMON/AMÉN.

AMON/AMÉN ou OXALÁ QUE DÊ BOM TEMPO Instalação montada na mostra COSMOLOGIES em 1999 na Fundação ARTPACE em San Antonio, Texas, inspirada pelas tradições es espirituais afro-brasileiras.

Media: pipocas coladas uma à uma em fios de nylon pendentes de uma claraboia vedada de maneira onde só a area circular da instalação permanecesse aberta à passagem da luz. A luz vinda através da claraboia empresta à obra uma dimensão metafísica sempre modificada pela constante e gradual variação de claridade no ambiente.

Dimensões; 6 m de altura e aproximadamente 55 cm de diametro

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A obra AMON/AMÉN aqui contemplada pela artista multimedia Laurie Gant

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Chris Barreto que durante sete dias trabalhou como voluntária  ajudando a confeccionar a obra AMON/AMÉN aqui contemplada por ela.

Meu trabalho


Meu trabalho tem a ver com idéias, com poesia e com uma maneira shamanística de abordar a arte. Para mim, qualquer tipo de arte, mesmo que de forma inconsciente, é um processo de contacto com as forças criativas e regenerativas do universo.

Esse aspecto do meu trabalho é geralmente expresso por conexões que estabeleço com as tradições arcaicas principalmente as indígenas e as africanas. O sagrado da natureza, os laços entre as pessoas e a relação humana com o natural são melhor preservados nessas cosmologias.  Isto faz com que essas mitologias sejam uma importante fonte de inspiração na minha
tentativa (através de minha arte) de ressuscitar no público a noção da natureza como espaço sagrado.

Muitas vezes, na minha obra, eu uso a tecnologia, principalmente o vídeo. Mas não me interessa o uso da tecnologia como uma cortina de fumaça para velar uma falta de interesse nas viagens do adentro e nas implícitas conexões sociais que existem em toda obra de arte. Nem me interessa deixar-me abandonar em indulgências com os instrumentos da tecnologia, numa maneira que não traria nenhum benefício ao meu cérebro nem à inteligência dos meus espectadores.

Minha maneira de ver a tecnologia é a de um alquimista.

Para mim, experimentar com arte não significa produzir meros truques tecnológicos, os quais agem, na minha opinião, apenas como distração para a cabeça e como neutralizadores da sensibilidade.

O que é importante não é o aspecto formal que posso alcançar com a técnica. Mas o que o processo de criar (com esta ou aquela tecnologia) possa colaborar para o meu crescimento. Crescimento como pessoa e, em certos termos, para o crescimento humanístico e cultural do ambiente social ao alcance da minha arte.

Minha formação artística aconteceu num tempo de Brasil quando artistas, como os meus dois grandes amigos Lygia Clark e Oiticica, já praticavam a "Estética da Precariedade". Muito antes do advento da "Arte Povera".Inventando com materiais não convencionais. Inspirados por aquele filão da criatividade brasileira (popular) que sempre tenta alcançar alta originalidade visual através dos materiais acessíveis à sua precária economia.

Por causa dos fatores acima, pela minha fascinação com poesia e mais outras questões de natureza filosófica com relação às quais persisto em tentar encontrar respostas, penso que as leituras de minha obra não devam ocorrer linearmente e nem ao pé da letra. Minha esperança é que elas sejam feitas num descascar de camadas de significâncias. Conceituais e visuais.

Só esse jeito facilitará ao espectador a penetração vertical num sistemaconstituído de inter-relações poéticas e metafóricas que tento estabelecer entre imagem, mídia, materiais e conteúdo.

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Regina Vater -  ARTIST’S  STATEMENT                                                            July, 2006

Since the early seventies my art has had a strong connection with ecology even before this word was coined.  Because of my metaphysical interest in the dimension of time I became very interested also in how archaic cosmologies dealt with both issues.

So, the attractions that African and Native American cosmologies had for me arose from their poetical connections with nature; namely, that among those cultures there is no concept of nature, as we know it.  In their cosmologies there is no schism between man-society and nature.  For them the here and the there are equally  "The One".

Actually besides African and Amazonian symbolism, I use symbols which are not confined to those cultures.  As an artist I feel free to appropriate any symbol I choose.   My choice of symbol has to do with certain meanings I want to happen in the piece, or to the layers of meanings I wish built into that particular artwork.  So, a work, that perhaps was inspired by Afro- Brazilian cosmology can also be linked to other sources totally foreign to what could be considered "Brazilian" culture or ethnicity.

My work adopts a very syncretic attitude towards culture. 

Another strong connection that my work has is to visual poetry.  When I represented Brazil at the Venice Biennale in 1976, my presentation was strongly connected to visual poetry. Visual Poetry, and poetry itself are very important in Brazilian culture.

For me, now-a-days, I consider mythology and poetry to be the major source of ideas for my work, which in "per si" is a quest for metaphysical answers.  And the journey of my life and art has been to pursue these answers.

I think that was natural to arrive to the awareness that one of the great forces of art is its healing powers. Manuel de Barros, an outstanding Brazilian poet, says that a poet learns more with the bees than with an airplane.

I can see now how interesting it is that I had this intuition in my first installations in 1970 and my first photographic works in 1973.

From the standpoint of the frontier of a new millennium or under the spell of what Ferlinghetti calls the "computer culture,” all that I have said may perhaps seem to be useless romanticism but since the time of my formation as an artist I have made a covenant with the possibility of hope and with a humanistic view for life in our planet.

CASCAVIDA

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Montagem na individual “Shellife/Cascavida” - Women And Their Work Gallery - Austin, Texas

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Montagem de CASCAVIDA na individual da artista no MAC - Niterói 2017     fotos Carlos Cezari e Bill Lundberg

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Closes da montagem de CASCAVIDA na individual da artista no MAC - Niterói 2017     fotos Carlos Cezari

Instalação “Cascavida”
Realizada em Dacron amarelo Camadas  filó branco e amarelo suspensas do teto e decoradas com fragmentos de cascas de ovo velando parcialmente terrina branca com líquido amarelo viscoso, sobre um pedestal branco, vazado.
Apresentada  pela primeira vez numa individual Núcleo de Arte e Cultura da UFRN Universidade Federal do Rio Grande do Norte, terra de Camara Cascudo, em 2000Depois na individual “Shellife/Cascavida” - Women And Their Work Gallery - Austin, Texas em 2003 Sendo que a ultima instalação desta obra ocorreu na individual da artista no MAC Niterói  RJ em 2017
O trabalho foi inspirado no orixá Oxum e no mítico ovo cósmico e é uma homenagem a Câmara Cascudo.  
Dimensões: variáveis entre 2 à 3 metros lineares de parede

 

​UMA OFERENDA VISUAL
Adolfo Montejo Navas

Não deve ser por acaso que artistas que não pertencem ao mainstream estético brasileiro vem sendo saudados com expectação renovada (Paulo Bruscky, Wlademir Dias Pino, Victor Arruda...). No caso da Regina Vater, apesar de sua volta ao Brasil há alguns anos, ainda paga seu “exílio” norte-americano de quase 40 anos, onde precisamente alcançou prestígio e internacionalizou seu trabalho com pares da talha de John Cage ou Hélio Oiticica. A sua mostra “Óxala que dê bom tempo” no MAC de Niterói , já aludindo a uma climatologia ampliada, por extenso, é uma mini retrospectiva sucinta mas emocionante, tão densa quanto sedutora, e que ajuda a re-situar sua poética e ajustar coordenadas historiográficas, ainda à espera de um panorama expositivo mais abrangente.

De fato, tudo o itinerário aqui é fundamental. Assim, o repasso obrigatório de algumas obras históricas emblemáticas - cujo perfil político ou de gênero nunca é de carteirinha - já revela um olhar independente: seja no vídeo “Vide o dolorido” (1983), com sua simbologia brasileira colocada em xeque ou então a pioneira série de auto-retratos “Tina América” (1976), onde a artista disfarçada joga com a identidade e a alteridade de forma cáustica, fruto de circunstâncias biográficas de estrangeira (e talvez antes de Cindy Sherman mapear esse território).
Outra situação se produz nas serigrafias de singular figuração pop, que desvirtua situações standards femininas (“Tropicália”,1968) ou então através de desenhos híbridos (Nouvelle figuration, 1966-67), de uma figuração inquietante que já não estabelece limites entre interior e exterior do corpo, ou útero e cérebro. O que se poderá dimensionar de outra forma nas instalações apresentadas, sobretudo “Cascavida” (2000-2018) e “Mar do tempo” (2017), onde o valor do macro e do microcosmos se espelha no conceito, imaginário e nos materiais, seja pelas cascas de ovo ou pelas pedrinhas do mar numa espécie de mandala circular que também é altar. É o peso da natureza, portanto, um elemento nuclear nesta poética. Ora com “Cascavida”, uma obra prima remontada aqui como oferenda visual de reverberações poéticas, numa austera epifania contemplativa (cromática e objetual) que religa o ovo -como símbolo cósmico - ao mundo. Ora então com “Óxala que dê bom tempo”, uma rede de penas que retroalimenta o imaginário indígena que se respira nesta obra, presente também em “Nature mortes” (1987), naturezas em suspenso cujo âmago visual fotográfico apresenta uma ferida representacional de signo cultural (não em vão, cultura e barbárie coabitam).
Se Goethe ao morrer pediu mais luz, em “Tateando a luz” (2013, inédito), nos encontramos com a captura da luz feita com as mãos, uma série fotográfica que eleva a arte à altura necessária da linguagem do espírito (um trabalho de Arthur Omar faria par nesta paralela ambição).

Uma convocatória artística, em suma, que não deixa de ser ontológica, que promove mexer com esse fundo e excesso que a obra de arte esconde como ambição do ser. Uma latência espiritual, de pensamento sobre a vida, a sua origem e mistério, gravita no ar. Com isso, a especulação linguística, visual, perceptiva de Regina Vater é consequência desse diapasão artístico transcendente, como fica evidente que a natureza, a política e o espírito possam ser simbióticos, fazer parte do mesmo corpus estético sem contraindicações.

OXALÁ

Regina Vater vista geral mostra OXALÁ QUE DE BOM TEMPO entrada MAC NITERÓI fot. BILL LUNDB

O Orixá solar, Oxalá, é o motivo e titulo da obra, pássaro solar da luz e da cor branca.

Nela usei o modus operantes que em 1989 inventei: vir com fios de nylon do mais alto do espaço. Aqui como lá cobertos de penas. Algo que até então, nunca havia visto. Na mostra do Clocktower (Amanajé , já comentada aqui com texto e imagem) o leitmotif era a Amazonia e uma homenagem à Chico Mendes recém assassinado. Os povos originários creem que pássaros são encarnações de pessoas que morreram. Portanto, nada melhor como homenagem ao herói defensor da Amazonia do que penas de pássaros da região. Penas, que Roberto Evangelista comprou na forma de cocares, então vendidos no aeroporto de Manaus.

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ALTA ONDA ou JANAINA

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Foto: Luiz Ferreira

Foto: Carlo Cezari

REGINA VATER MAR DE TEMPO FOTO BILL LUNB

Foto: Bill Lundberg

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 Essa versão da obra participou da mostra Composições Para eTempos Insurgentes- no MAM Rio

Como nunca fui agraciada, (mesmo depois de casada), com uma economia confortável que me permitiria gastar em caros mataríais  artísticos, levei  à frente minha arte com elementos bem baratos (como pipocas e ovos)  ou achados como no caso desta instalação ALTA ONDA ou JANAINA que mostrei pela primeira vez na minha igreja individual em 2017 no MAC - NITERÓI e depois na mostra "Composições para tempos insurgentes”, no MAM do Rio em 2021. Nesta instalação usei diminutas pedras roladas pelo mar da região Oceânica. Todas brancas. Pedras que colhi em ação continua, pelas praias ao redor de mim, por pelo menos dois anos. Além dessas pedrinhas para mim preciosas, usei também conchas super editadas junto com fragmentos de vidros coloridos com suas bordas contornadas pela força das marés.

No caso do MAC Niterói, tive que construir uma plataforma circular para poder lidar com elegancia alguns aspectos difíceis da arquitetura da sala de exposições. O que não ocorreu no MAM Rio cujo piso onde montei a peça só fez realçar a complexidade da obra.

O raio do circulo ocupado pela pela obra é de aproximadamente 3 metros.

Há um vídeo que comenta esta obra:

https://www.google.com/search?client=firefox-b-d q=VIDEO+REGINA+VATER+COMPOSICOES+PARA+TEMPOS+INSURGENTES#fpstate=ive&vld=cid:8170b7ae,vid:n4EJKgAP078

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ORORA

Orora desenho projeto e obra realizada em 1991.jpg

Instalação especialmente projetada para o espaço da Galeria do IBEU, no bairro de Madureira, Rio de Janeiro. Inspirada na arte plumária dos povos originários, na poesia de rua e na estética das escolas de samba.

Midia: Tela oval pintada companhas de azul colocada acima da porta donde saem raios de linhas de nylon carregadas de penas rm degrades desde azul escuro ao claro, amarelo e banco que esticados ao longo da dal ‘submergem’ num poço de areia pulverizada com purpurina dourada.

Dimensões variadas variáveis em torno de 6,90m X 3m de altura a por 40m de diâmetro

INOMINÁVEL

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​INOMINÁVEL - 1998/1999 Instalação montada na mostra “COSMOLOGIES"no ARTPACE FOUNDATION em San Antonio -Texas e depois na individual da artista em 2018 na Galeria Jaqueline Martins -São Paulo.
Obra inspirada em cosmologias Afro Brasileiras. (A Oxum que varre na noite com sua espada, a presença dos hipocritas e mentirosos).
Esta obra pertence à coleção de Fernando Abdala
Materiais usados: tela de bronze, pedestal de espelho, longo vidro contendo mel com um grande machete nele submerso. Dimensões: 46,30cm X 110cm X 91cm

 

Ao lado desenho digital projeto para Inominável

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MANTRA PARA OXALÁ

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ÁGUA

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AGUA obra feita ainda numa época em se trabalhava em vídeo num modo analógico. No vídeo visto através do tampo da grande caixa de acrílico decorada por conchas, uma sombra feminina cruza a tela paralela ao teto, nadando diversas águas editadas.Um grande monitor deitado com a tela pra cima num suporte acolchoado/forrado de veludo negro, caixa/tampa de acrílico transparente enfeitada por conchas diversas, estrelinhas do mar, e gotas de vidro transparente.
som: som de águas mixado com musica de John Cage e canções das baleias.
dimensões do espaço: 130cm larg. X 110cm prof. X 100cm alt. Participou na Women and Their Work Gallery de  uma exposição itinerante
 produção: Regina Vater parcialmente financiada pela galeria 
 Pertence à coleção do MEXIC-ARTE MUSEUM  em Austin Texas.

ALTAR PARA  YEMANJÁ  - PELA LIMPEZA DA GUANABARA

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Quando Pablo Leon de La Barra curador da minha individual no MAC Niterói em 2017 junto com Raphael Fonseca, visitou meu estúdio, me pediu um projeto para a prainha adjunta ao Museu. Sugeriu um altar no espirito da minha primeira instalação em 1970 na praia da Joatinga, no caminho para a Barra - RJ.

Lá eu havia usado o lixo da praia, (algo que semeou em mim a defesa pelo meio ambiente), achei que seria uma uma boa oportunidade para que uma obra em defesa da triste e maltratada baia da Guanabara, usando então o lixo nela jogado . que fosse

Pensei em pedir proteção à Yemanjá e a Ogum  Beira Mar, protetor das nossas fronteiras marítimas, das aguas onde nadei quando criança. Que a baia onde nadaram jubartes recuperasse seu estado natural.

O processe seria então: Guiados pelo projeto, (meus desenhos que incluo aqui), estudantes de arte niteroienses, construiriam com areia o altar e o enfeitariam. No mesmo dia, na hora da conclusão da obra, barcos de pesca artesanal aportariam na prainha carregados de lixo da baia, lixo coletado pela manhã temprano. E assim se completaria a Instalação/perfomance/evento.

VIDE (O) DOLORIDO

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O video desta instalação pode ser visto num dos meus canais do YOUTUBE em: 

 

https://www.youtube.com/watch?v=iR87kygK_ZM

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Duas cenas do vídeo desta instalação que na verdade foi a minha primeira

instalação com vídeo

VIRANDO A TRISTEZA PELO AVESSO / TURNING SADNESS INSIDE OUT

Aqui só foi possível postar um fragmento dessa obra feita em Super8  em 1981 que ganhou uma bolsa para converte-lo para vídeo. Este vídeo cuja edição  metafórica e não linear, feita com cenas de arquivo e do carnaval carioca ainda na Presidente Vargas carrega um comentário social político num tom de ironia.

Track Namefragm of interview circa the 90s w. Regina Vater&Bill Lunberg
00:00 / 01:04

Minor fragmento de uma entrevista dada por Regina Vater e Bill Lundberg nos anos 90 à radio KSYM  em

San Antonio Texas

MANTO DE OXALÁ 2004

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SALGANDO O ASFALTO 1985

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POESIA (preambulo)

Desde pequena a poesia me rondou. Minhas primeiras memórias dos frutos de Calíope e Erato me vieram através de um vizinho quando morávamos no Jardim Botânico RJ. Eu era muito pequena (deveria ter entre três à quatro anos, pois nos mudamos para Copacabana quando eu tinha cinco ou talvez quatro mesmo. A mamãe tinha muito orgulho de ser vizinha dele, parente próximo do Aluísio Azevedo (príncipe dos poetas). Nós morávamos no térreo e eles moravam no terceiro andar. A janela dele dava para um pequeno pátio interno do nosso apê  onde eu brincava. E me lembro dele sempre falar comigo recitando umas quadrinhas. A única que me lembrara mais ou menos assim:

Menina bonita,
da perna grossa.
Faz travessura
Papai não gosta

Mamãe, uma Serôa da Motta (prima em primeiro grau, com muito orgulho, e muito amiga da Cleonice Serôa da Motta Berardinelli) tinha vários livros de poesia no seu guarda roupa onde eu fazia continuas incursões literárias na minha adolescência. E com a ajuda das aulas de francês na escola onde decorávamos  versos de Verlaine, acabei tomando gosto

Les sanglots longs
Des violons
De l'automne
Blessent mon coeur…..

Aos doze anos, em São Paulo, depois de termos passarmos pelo mercado das flores e  de eu ter ganho uma rosa amarela  num ímpeto de precoce adolescência acabei o dia com essa:
;
Oh rosa amarela!
Oh doce tesouro
Que o céu criou para a terra
Oh rosa amarela
Oh triste tesouro
Ës tu Rosa amarela!

Dali pra frente em vez de diário alem de desenha continuamente, criei um caderno de poesia.

E Num certo dia (tinha eu uns quinze anos) numa excursão programada pela escola à casa do Manuel Bandeira, na avenida beira mar do centro do Rio, levei meu caderno. Ele que nos recebeu de pijama no embalo de sua cadeira de balanço às nossas questões  dam respostas curtas e concretas. Eu de canto com meu caderno esperava o momento oportuno de me aproximar e pedir à ele uma palavra. E o momento apareceu, dei o caderno para ele. Ele fez uma leitura corrida entre as paginas folheadas e me entregou o caderno fazendo a seguinte pergunta: Menina você sabe o que é sarampo? Respondi dizendo que era uma doença de criança. E le então retrucou: - “Pois então, poesia é algo que ataca todos que são adolescentes…!

Acho que destrui o caderno, me dediquei que mais aos desenhos, e a partir dali virei apenas uma devota fiel daquela DEUSA POESIA!

Na escola de arquitetura descobri o Drummond, que entrou no meu rol do Olimpo. No Lançamento do seu livro na editora Sabiá em Copacabana, lá estava eu na fila de autógrafos, entre  meus amigos, Marilia Rodrigues e Farnese de Andrade. Quando entreguei o BOI TEMPO com meu nome num papelzinho, para Drummond me dar um autografo, ele levantou os olhos e disse: Sei bem quem é você e te admiro muito! Quase desfaleci nos braços de Marilia e Farnese que não conseguiam esconder uma ligeira ciumeira. Isso aconteceu na época que eu fazia a minha individual na Petite Galerie. E quando a exposição foi desmontada, se não estou enganada, era tempo de Natal. E num dia indo à praia do Arpoador fiz questão de passar pra Rainha Elizabeth one numa das esquinas morava o Drummond. Levava comigo um dos guaches emoldurados que tinha sido exposto na Petite.

Eu já morava sozinha num prédio em Ipanema em cima do extinto Teatro Santa Rosa. E nas véspera s de Natal quando fui atender a campainha e abri a porta, me deparei com uma senhora preta e gorda muito sorridente que pra mina surpresa me entregou um presente e disse que era do Seu Carlos Drummond. Num outro fraquejar de pernas agradeci num balbucio e  me recolhi fechando a porta.

Ao abri o embrulho l’'estava o livro do Antônio Houaiss sobre a poesia de Drummond e com mais surpresa num pequeno papel, escrito à mão pelo poeta, lá estava  um anagrama com meu nome dedicado mim !!! Demais não?

Como sabia que o Arigo que trabalhava para o Franco Terranova, fazia molduras, eu levei imediatamente aquela preciosidade para o Arigo colocar numa moldura. Passadas umas semanas voltei para apanhar o meu. quadrinho. E olhem bem o absurdo não credível que ouvi do Arigo: - INFELIZMENTE PERDEMOS O SEU PAPELZINHO…Confesso que nunca acreditei naquela estória. Acho que o Arigo tenha tomado o memo gosto do Franco e ter-se tomado um colecionador de mementos gráficos contendo autógrafos dos artistas…

Apesar de manter uma relação epistolar e muitas vezes telefônicas com o Drummond, eu nunca lhe mencionei o acontecido.

E minha amizade com o Drummond continuou. Era um imenso prazer ter aquelas breves conversas telefônicas com ele. Me lembro uma vez que ele deve ter notado algo triste na minha voz e eu declarei ele meus sofrimentos com um namorado “ladies men” que me mania num constante esquenta/esfria. E ele me  disse: - AMOR DÁ MUITO TRABALHO!

E nesta época eu não tinha a mínima ideia que o próprio Drummond  era um homem que se debatia em sua infidelidade.

Quando fui para Paris e comecei em meus ataques de catatonia, saindo  da minha cama, do meu quarto de hotel só pra compra comida, achei por acaso num laboratório de fotografia onde eu revelava meus filmes, uma oferta muito barata de produzir cartões com fotos dos fregueses com frases impressas. Foi então que retornei à arte postal produzido Parrisse, cartão onde juntei Drummond com Mallarmé que eu obstinadamente tentava ler em Francês em meus retiros catatônicos. Tendo então os cartões em mãos (que não eram muitos) , eu os enviei por correio à algumas pessoas chaves tais como: Pierre Restany, Jasia Reichardt, Carlos Drummond de Andrade e creio que também Walter Zanine. Isso provocou uma linda resposta do Drummond, o qual consegui preservar junto à mim.

Numa carta que lhe escrevi de New York me queixei muito da frieza impessoal dos americanos que mesmo passados muitos e muitos anos nunca consegui digerir. Dele recebi uma cartinha me acalmando, me aconselhando mais abertura para o outro e perceber que os seres humanos não são tanto diferentes assim. Creio que estas palavras de certo modo, consciente ou inconscientemente acabaram abrindo meu destino ao encontro do meu marido.
Me lembro que viajando carro desde Austin,  para New York, acampados em num lindo lugar nas montanhas da Pennsylvania escutei pela National Public Radio que o imenso Drummond havia falecido. E naquele lindo recanto da Natureza meditei e rezei por ele com meu coração contrito.

 

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Quando exibi o grupo de fotos que intitulei CAMAS AROUND THE WORLD (CAMAS AO REDOR DO MUNDO) as quais tirei em vários lugares do mundo (com a permissão, claro,  dos residentes), recebi uma preconceituosa reação. Dentro e fora do meio artístico inclusive de quem escreveu (`meu convite), introdução à minha produção daquela época…

O fato de eu ser uma mulher solteira produzindo uma série com tal título deve ter alimentado muitas caraminholas nas cabeças machistas de então.

Isto ficou registrado não só num texto publicado, como também no livro de casamento (primeiro suporte que escolhi para criar um LIVRO DE ARTISTA) no qual colei as fotos do TINA AMÉRICA  que exibi na minha individual no MAM - Rio em 76. Quando  na minha ida para os Estados Unidos, deixei o livro guardado com minha mãe. Os xingamentos e a escatologia com que o vandalizaram a horrorizaram a tal ponto, que ela parcialmente o destruiu retirando todas as minhas fotos do livro.

Isso, só alimentou meu espirito de rebeldia. Quando da morte do Hélio, me aproximei da Martine Barrat (sua grande amiga), e no dia que fizemos todos uma cerimônia de luto à ele na casa do Ted Castle ficamos muito juntas. E essa aproximação, me abriu a vontade de convidar sua colaboração num projeto antigo de 1975 inspirado na tela da Morte de Marat  pintada por David.

ESSE PROJETO ERA UNIR ESTA IMAGEM PINTADA POR DAVID + UMA FOTO DO REGISTRO DE UM TRAVESSEIRO TIPICAMENTE FRANCES PARODIANDO O BRAÇO PENDENTE DE MARAT NA CAMA DA MINHA CATATONIA PARISIENCE.  
 

À ESSAS DUAS FOTOS ENTÃO EU JUNTARIA UMA FOTO TIRADA DE MIM, (POR MARTINE), NA ANTIGA BANHEIRA DO MEU AP NOVAIORQUINO, TUDO COMPLETADO COM UM IRONICO E PROVOCATIVO JEUX DU MOTS

Esse poema visual é minha resposta provocação ao preconceito misógino brasileiro. E aqui ele é então revelado em primeira mão.

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Dá VIDa aMar at Paris - Cartão Postal co imagem do quadro de David representando a morte de Marat + foto de um dos meus  PARRICEs de 1974 + fot PB de  Martine Barrat  de 1980.

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POESIA VISUAL, elle même

Ainda na época da minha individual na Petite Galerie, uma das pontes do meu trabalho visual para a poesia foi o contacto que tive com a poeta Eliane Zagury, que me convidou para criar com ela um baralho poético. Este baralho era derivado dos naipes usados no baralho comum. 

Eliane e eu, tivemos a oportunidade de conhecer o designer/filósofo Quentin Fiore, (quem junto com o McLuhan foi um dos autores do famoso livro “O Meio É a Mensagem”), numa visita dele ao Rio.

​

Num jantar onde fomos convidadas trouxemos as cartas para mostrar a ele. Para nossa alegria, ele nos pediu permissão para usar a imagem de uma das cartas em um artigo que havia escrito. O resultado foi que estabeleci uma longa amizade com o Quentin. 

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Naipe - cartas do valete e do rei de espada.jpg

Numa festa de despedida, em São Paulo, antes de ir para os Estados Unidos com a minha bolsa de viagem ao exterior concedida pelo MEC, minha velha amiga Olga Savary vinda de uma visita ao Augusto de Campos, me presenteou com  o poema LUXO-LIXO do próprio.. Foi este poema que me fascinou , ao chegar em Nova York, que eu vi no meu olho interno cobrindo a cidade.
No meu voo para a Big Apple, numa pequena escala no Panama, (diga se de passagem, com o auxilio de uma comissária de bordo), tive a possibilidade dela me deixar  sair do avião para comprar minha primeira maquina fotográfica.

Alegre com o novo instrumento de trabalho, tendo o poema do Augusto gravado em minha mente cobrindo a cidade, veio a inspiração para uma vasta série de obras nas mais variadas mídias.

 

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Meu amigo Antonio Henrique Amaral, que morava lá, tentou me desistir dizendo: - Regina, você é uma excelente pintora! Que história é essa de largar a pintura para se tornar uma antropóloga? Larga disso e volta para os pincéis. Acontece que quando ele me disse isso eu já havia sido apresentada pelo Juha Harffers ao Hélio Oiticica com quem eu estava iniciando uma looonga amizade e fui logo falando pro Hélio esse comentário do Antonio, ao que ele retrucou bravamente: - Regina não dê ouvidos à essas coisas. Segue o seu caminho. Arte é o domínio da liberdade! Nela, e com ela, você pode fazer o que lhe der na telha! Assim, e a partir dali o Hélio se tornou, (depois do Iberê), a minha segunda parteira ou parteiro. A partir de então disparei a sacar fotos do lixo Nova Iorquino todas as manhãs bem cedinho antes da passagem do carro da limpeza sanitária.  E assim, com a tarde livre me dediquei a correr uptown Manhattan, tirando fotos das vitrines do comercio luxuoso. Com essas fotos me reconectei com a arte postal que eu havia começado incipientemente em São Paulo.

Como cursava serigrafia no Pratt Institute de Manhattan, (levada por minha amiga Miriam Chiaverini),  aproveitei para manufaturar com Silk (a parte de traz dos cartões) coladas à  fotos do lixo ( impressas por um amigo do Hélio).

Assim nasceram meus POSTALIXOS (arte para ser enviada pelo correio), ë de se notar que a arte postal, pelo menos no Brasil, era algo que estava começando a acontecer.

E com esses e nesses postais, eu enviava o Lixo do Luxo americano pelo correio à pessoas escolhidas, pedindo que me enviassem uma fotocópia dos mesmos, como retorno e prova de recebimento do cartão transgressor. Hoje, alguns deles fazem parte de coleções de museu como o que está publicado no livro Poéticas do Processo - Arte Conceitual no Museu da Cristina Freire.

No topo, serigrafado em inglês, usei um ’jeux de mots’ : Land(e)scape. - Escape da Paisagem- .

 

A série LIXO-LUXO foi formada com esse e outros trabalhos em varias mídias, tais como um projeto de monumento para o Central Park, de uma gaveta gigantesca forrada com um papel de parede, usando uma corruptela do conhecido poema visual LOVE do artista Robert Indiana. Esta gaveta, então, deveria ser usada como depósito de lixo.


 

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Através do Oiticica, entrei em contacto com a obra de Souzândrade. E foi o ‘O Inferno de Wall Street’ que me impeliu a fazer esta foto soturna de Wall Street, que transformei num poema visual intitulado de Babelo(NY)a. Nesta foto de 1974, digitalizei a posteriori, um pequeno trecho do premonitório poema do profeta/poeta maranhense que declarava que Odorico Mendes (um dos meus tataravôs paternos) era o seu avô rococó…

 

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foto©reginavater 1974 WALL ST. NYC

Foi através do Oiticica que entrei em

contato com a obra de John Cage e

em 1976 tive a oportunidade de conhece-lo e dali em diante nos tornamos muito bons amigos até o seu encantamento.

instalação CHAMP DU CHECK ou POUR CEZANNE JOUER montada em 1986 no MAM RJ.jpg
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CHAMP DU CHECK ou POUR CEZANNE JOUER


É uma instalação muito simples de ser montada. E que foi exposta pela primeira vez em 1976 na minha individual no  MAM RJ. de maneira bem precária por conta dos escassos recursos que tanto eu quanto o museu tínhamos para produzir esta exposição na época.

A obra consiste de uma pequena mesa acompanhada por duas cadeiras. De preferência algo confortável como duas pequena poltronas Berger no modelo de uma foto em que Duchamp aparece jogando xadrez).

Foi graças ao xadrez que John Cage ficou muito amigo de Duchamp. A convivência deles ter durante as aulas que Duchamp dava sobre este jogo selou uma longa amizade entre eles. Por isso eu não pensei duas vezes ao dar a ele o primeiro tabuleiro que fiz e que mostrei  no MAM-Rio.

EAT-FAT   FAT-EAT

De 74 é o projeto da escultura  participativa EAT-FAT, uma  da serie de três (estabelecida por Jaqueline Martins),já estava na mais importante coleção de poesia visual dos Estados Unidos, pertencente ao Marvin Sackner, em Miami, outra na coleção do Augusto de Campos e terceira está, (até agora), emprestada no acervo da Galeria Jaqueline Martins em São Paulo.

No poema, se a palavra EAT (COMER em Inglês), engolir o pedaço inferior da sua letra E, ela se transformará na letra F mudando a palavra para FAT (em inglês = gordo ou gordura)

 

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Apesar de que na minha primeira instalação, feita em 1970, eu já estabelecia ligações do meu trabalho com temas ecológicos, foi com esta série do LUXO-LIXO, iniciada em 1973, que esta face ecológica/social do meu trabalho se consolidou.

Na verdade, este tema se tornou perene em minha obra, verificável a quem se interessar pelo meu trabalho.
Por ter vindo de trabalhar com o lixo de Nova York e porque o LIXO é um resto de uma ação humana, (VOLTO A DIZER):  Na segunda metade de 1974, morando em Paris, atacada por uma pesada catatonia-melancolia e solidão que me grudou à cama, criei o trabalho. PARRISSE (PARIS + PARESSE).

Para me sentir viva, comecei a fotografar minha própria cama todo dia de manhã, tentando captar a espuma dos meus sonhos ou pesadelos.

Esta série, também mandei por correio como cartão postal, tal qual, eu já havia feito com os POSTALIXOS.

Este poema visual, (usando foto colorida), foi publicado em preto e branco no livro “História Geral da Arte no Brasil” do Walter Zanini.

Gilberto Chateaubriand ainda  no Rio, antes de falecer, comprou uma versão ampliada desta imagem para o MAM do Rio.

Apesar criar várias obras poéticas em seguida aos Parrisses, aproveito ao  mencionar esta noção de rastro-vestígio para dar um grande salto no tempo e passar para uma foto especial de outra série de 1978, e lembrar do CHAMP DU CHECK ou, em português, CAMPO DE AÇÃO, obviamente inspirado na obra “O Grande Vidro” de Marcel Duchamp. Foto que registra a poeira acumulada em torno da palavra ART.


Com esta série registrando varias situações que construi usando a palavra ART, teci vários comentários sobre Arte e seu ambiente. Como por exemplo o APESAR DE VOCE, ou COMIDA PARA PÁSSAROS, inspirado numa canção do Chico Buarque onde a palavra escrita com alpiste viceja fresca e forte.
 

Outro trabalho da série é o ESCAPE DA PAISAGEM, obra sobre a qual o Augusto de Campos escreveu um elogioso comentário na sua introdução à minha obra no catálogo de uma individual em que dividi o espaço do Mexic-Arte Museum em Austin Texas com o famoso David Medalla m 1997.


 

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O conjunto desses fotos poemas, comentários sobre a Arte suas politicas e  ambiente, foram introduzidos por um texto do Hélio Oiticica no catálogo da Galeria Arte Global em São Paulo, onde expus esta série

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FEMININO, datado de cerca de 1987 é outro poema visual onde a própria palavra é o seu assunto e imagem central. Criei este poema-visual  já em Austin-Texas, para onde me mudei em 1985. O poema é totalmente construído pelo uso de palavras femininas.

Numa 'artist in residence'  que desfrutei no Women Studio Workshop nos Catskills, estado de New York fiz três impressões deste poema em Silk transformando o numa bandeira.  Uma bandeira dei de presente ao meu querido amigo e Marchand, hoje encantado,  Paulinho Figueiredo. Uma está comigo e outra emprestada ao acervo da Jaqueline Martins.



 

Foi o Hélio que insistiu que eu escrevesse ao Augusto me apresentando e apresentando a obra que eu estava criando inspirada pelo seu poema LUXO-LIXO. Foi assim que comecei uma bela amizade com o Augusto. Graças à sua generosidade,  na minha volta pra São Paulo, todas as vezes que eu o visitava saia carregada de mimos poéticos, de sua autoria  e de autoria de amigos poetas. Isso me estimulou cada vez mais à produzir poemas visuais, mesmo que acanhadamente, marcando assim num retorno mais confiante à poesia depois do episódio com o Manuel Bandeira.

Entre muros, eu escrevia notas numa poesia discursiva que guardava muito escondidamente. Algo, que só tive coragem de trazer à luz, quando programadas digitalmente ao revés nas minhas fotos de velhos e desbotados muros, impressas em telas, em grande escala, por Bob, meu querido técnico em plotagem nos Estados Unidos.  Uma seleção dessas obras  "TO LEONARDO" fizeram parte da minha individual em Londres em 200… que foram apresentadas junto com duas obras, que na minha opinião, fazem parte de todo um grupo que considero como 'Instalações Poéticas'.

 

PARA LEONARDO

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METAPHORICAL FRAMES

Alguns exemplos

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INSTALAÇÕES POÉTICAS

CIVILITIES (CIVILIDADES)

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Esta pequena instalação foi feita especialmente para esta mostra na St. Edward's University Gallery que foi uma mostra sobre o tema do HIV o qual era um assunto TABU na época tempo do governo Reagan

MUTUS-LAVRA

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DESEJO

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SONHOS QUE ILUSÕES PODEM COMPRAR

21 - instalacão com agulhas chovendo sob
21 - instalacão com agulhas chovendo sobre um travesseiro com cor e textura de carne SONHO
Detalhe do video da lua refletido n'agua contida na pedra em ART é MIS à NoUs video inst.

ART é MIS à NoUs

instalações AMONAMEN, ART é MIS à NoUs e INOMINAVEL (primeiro plano) no Artpace Foudation

TEXTO PROJETO DA INSTALAÇÃO  ART é MIS à NoUs

​

Installation "ART é MIS à NoUs" at the Art Pace Foundation in San Antonio Texas -1999 mounted at the time of Regina’s residence

The title of this work is a jeux du mots with the Greek name of the moon goddess (Artemis) and the French title for the Large Glass by Marcel Duchamp:

In a BXW TV hanging from ceiling face down is playing a video of the moon crossing the black night sky. In a depression on the big rock filled with water placed underneath the TV we see the moon reflected on the water. All these elements are in mounted in a small dark room.

"La Fiancée Mis A Nu Pour Ces Celibataires Ils Même''

According to Octavio Paz, this work of Duchamp was inspired by a Provence's version of the Greek myth of Artemis and Acteon. From this information I came to the conclusion that Acteon in Duchamps work became the "celibataires" who unveil the bride (Artemis) without never marry her.

In my title -- homage to Duchamp -- I try to present a key for intellectual understanding of my work and for  the regard of Art as a meaning of transformation as I suspect it was the intention in Dunchamp's title of the Large Glass.
 

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In the myth, when Acteon surprised the naked moon goddess bathing in her private lake, she transformed him into the subject of his hunter (a deer). In my title I connect the moon bathing in the pool of water with the naked goddess and furthermore with Art itself who is stripped naked by the spectators themselves.

Art itself that is stripped naked by the spectators themselves and to whom I hope I can be able to offer a moving piece.

This piece will be mounted in a niche (side by side to the solar piece) formed by a divisor wall, which will be built separating one third of the gallery space in two halves.

This piece will consist of a grotto like chamber with the walls painted over with dark shades of color (black, purple dark blues and terra's).

The floor of the gallery area circumscribed by the piece will be totally covered with black larva rock (dark gravel) in contrast to the contiguous space that will be totally covered with popcorn.

The ceiling will be covered by a structure of bamboo, black fabric which will have an aperture to hung a 19" television facing a cistern filled with water placed underneath of it. The television will be showing in a loop a video of a full moon slowly moving on its screen.


                                           Notes of Conception

1 - Off course I am playing here with masculine and feminine archetypes.

2 - But this work in its connection to the myth of the unveiled goddess has also a connection to the symbolism for the realm of dreams and the unconscious where most art and creative acts are generated.

3 - The Night (or the Foresta oscura of Virgil and Dante) is the terrain of the unconscious and the continent of dreams... A territory, which seems unreachable during our vigil hours, so close by yet so far...
 
4 - Therefore this work seems to be concern with that dimension which we never seem really to be able to touch or to reach in our lifetime. We only can have a glimpse of it through its reflections mirrored in some fragments of outer reality (like art itself) or in our dreams.


 

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O QUE FALAMOS SE TRANSFORMA NA NOSSA HABITAÇÃO

Poema de HAFIZ poeta Sufi do século onze.

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MEMORIA DA LUZ

23 - instalação MEMORIA DA LUZ exibida na individual da artista na Gal 32 Londres 2009 .j
tradução p. o ingles do poema na instalação MEMORIA DA LUZ exibida na Gal 32 Londres 2009

A RAMA DOURADA

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Odorico Mendes chamado O VIRGILIO BRASILEIRO

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A RAMA DOURADA montada na individual da artista em 2018 Galeria Jaqueline Martins em São Paulo

FESTIM DE CAMÕES

24A - instalação poetica CAMOES' FEAST p. mostra de poesia Visual Bras.curada pela artista
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24 - instalação poetica CAMOES' FEAST p. mostra de poesia Visual Bras.curada pela artista

O FESTIM DE CAMÕES
por Regina Vater
Esta instalação baseia-se numa história sobre Camões.
De acordo com a lenda, Camões, querendo retribuir os favores que devia a
certos cortesãos, certo dia decidiu oferecer um banquete. Como era um
 sem-vintém, pediu emprestado a um amigo rico seu melhor serviço de mesa 
(pratos, cristais e talheres).
 No meio da festança, quando os convidados chegaram, encontraram a mesa 
já posta. Todos os pratos, porém, estavam virados de boca para baixo.
 Quando se sentaram à mesa, Camões agradeceu a todos pelo apoio sempre
 recebido e pediu então que virassem os pratos, pois o banquete iria 
começar.
 Debaixo dos pratos, os convidados encontraram um poema escrito 
especialmente para cada um pelo anfitrião.

 

Para completar a surpresa,
 Camões então declarou:
- Pois, pois o banquete está servido... Se vos nutro com poesia, é na 
esperança de que não me faltem com a comida.

 

Esta instalação, consiste de uma mesa posta para oito convivas. Em cada prato encontra-se impresso um pequeno poema iluminado por um foco direcionado de luz. De prato para prato, lêem-se diferentes poesias da autoria de oito poetas brasileiros, previamente selecionados por mim para participar desta instalação.
 A mesa de Camões encontra-se sobre um tapete cuja cor se estende sobre a parede do fundo.

 

Nesta parede, lê-se uma sinopse da biografia de Camões.

 

Eu concordo com Heidegger quando ele afirma que a poesia é a mãe da filosofia. A poesia tem sido uma das principais fontes de inspiração para o meu trabalho. Por busca e circunstâncias, conheci e fiz amizades com alguns dos melhores do Brasil.

 

Definitivamente encaro minha obra não como um mero objeto de contemplação, mas como uma mídia onde várias idéias filosóficas interagem. Valendo-me da beleza, quero convidar o espectador a entrar em contato com questões filosóficas com as quais eu mesma me deparo.

 

Faço isso na esperança de que estas questões inspirem as consciências dos espectadores, tanto quanto elas a mim afetam

camoes - ART IN AMERICA.jpg

"...Who from the western Lusitanian shore
On seas never before navigated
Passing even beyond Taprobane..."
These verses, which should sound familiar to "Star Track" fans, are as a matter of fact part of "The Lusiads" which describes on both historical and mythological levels the discovery of the sea route to India by Vasco da Gama in 1498. Luis de Camões, the greatest figure in Portuguese literature, wrote this epic poem, which 
was certainly inspired by Virgil and Aristotle, around 15??. Camões (1524-1580) was born into a family of reduced nobility on the very day that Da Gama, who was a distant relative of his, died. He had a classical education at the University of Coimbra and was a virile and joyous casanova. In his youth he fell in love with 
a lady of the Lisbon court, Donna Caterina de Ataíde, to whom he wrote fiery love poems. It‚s also told that he had an infatuation with Princess Maria, daughter of Don Manuel the Fortunate.


Banished from the court, possibly because a flirtation with a woman of high rank, he was sent as a young soldier to Morocco, where he eventually lost an eye. When he returned to Lisbon, he was jailed for wounding a nobleman in a street fight and was released the next year after consenting to serve in India. For the next several years, he experienced alternate poverty and relative material comfort.
From India he was sent to Macau where he was given an official post. By then, he was already writing "The Lusiads." Charges of misadministration were brought against him, and he lost his position and was put on board a ship to Goa (India), which wrecked at sea. Traveling with him was his beloved Chinese mistress Dinamene. Legend tells that he let her sink with the ship, but managed to save "TheLusiads"manuscript. He spent the rest of his life writing lyrical sonnets to her, sonnets which today’s critics consider some of the loveliest ever written. These lyrics alone are sufficient in substantiating Camões as an authentic bard. When he was abroad, in addition to Dinamene, he had another affair with a 
woman named Barbara, who seems to have been African and who he described as being "dark indeed" and "gentle in all ways" and "with sweet reason wellendowed."


After incarceration in Goa in 1567, he began the return trip to Portugal. He stopped in Mozambique, where he spent two years overcome with malady and survived on charity. There, his collection of long philosophical poems mysteriously vanished. This probably was the most distressing loss he suffered in his troubled existence as a poet. He finally reached Lisbon in 1570 after a sixteen-year absence, assisted by the generosity of friends. There was no appreciative welcome for Portugal's greatest poet in a capital that had just been visited by plague. Camões himself never profited much from the riches the colonies had promised. After his arrival in Lisbon, he lived on a small royal pension from the publication of his epic , a degree of recognition that no major poet could call fame, and a shower of critical abuse for enriching the language with numerous innovations.


According to folklore, he spent the rest of his evenings with fishermen and sailors in the waterfront taverns of Lisbon's Moraria, where he lived. He died penniless in 1580 and was buried in a mass grave along with other plague victims.
Camões doubts about the moral and practical validity of Portuguese colonialism in his day, and his vision of the tragic evils to come makes "The Lusiads" relevant not only to Portuguese history, but to the successes and failures of modern civilization.


Probably because he exchanged the vanity and frivolity of the Portuguese court for the hardships of exile, he had the opportunity to immeasurably enrich his poetic talent. So profound was the distress he experienced due to his exile from home that he was able to give SAUDADE (the yearning fraught with loneliness) a unique undertone in Portuguese literature. His best poems vibrate with an unmistakable note of agony and deep sincerity of feeling. It is this note that places him far above the other poets of his era.


O Espírito da Festa


por Bill Lundberg


"Festim de Camões" celebra um mito da história da 
literatura portuguesa e a especial importância da 
poesia na cultura brasileira. Quem quer que tenha 
estado no Brasil deve ter notado que é comum se 
publicarem poemas nos jornais de primeira tiragem e 
que poesia tem o seu lugar garantido na cultura 
popular através das edições de Cordel, com as suas 
capas em xilogravura - num jeito jamais visto em 
outros países. A instalação de Regina - um simbólico 
tableau que representa o famoso banquete de Camões, 
no qual cada prato, quando revirado de boca para cima 
revelava um dos seus poemas, evoca o encanto do 
descobrir o ordinário, elevado ao nível de arte. 
Na versão por Regina, cada prato contém um poema 
de um poeta contemporâneo brasileiro, alimentando-
nos o pensamento, além de nos prover com 
o conteúdo visual da instalação.
Regina Vater vem explorando a arte da instalação em 
formas bem diversas, tendo já produzido mais de 100 
instalações desde 1970. Ela também tem sido uma 
prodigiosa criadora de poesia visual. Bem de família. 
O seu tataravô, Odorico Mendes, foi o primeiro tradutor 
de Homero para o português brasileiro, além de ser um 
poeta muito respeitado. Esta obra de Regina integra a 
palavra escrita nas suas estruturas visuais e físicas. As 
chaves visuais da instalação, as folhas de louro, os pratos 
negros, as rosas, evocam níveis de significados subjetivos 
que vão além das referências literais. E nós somos 
convidados a nos banquetear nos pensamentos desses 
famosos poetas brasileiros e viajar nas veredas de nossas 
próprias associações.

The Spirit of the Feast


by Bill Lundberg


"Camões'Feast" celebrates a myth in Portuguese 
literary history and the special importance of 
poetry in Brazilian culture. Anyone who has been 
to Brazil may have noticed that poems are often 
published in the major newspapers and that poetry 
has an important place in popular culture, like the Cordel 
publications, with their block printed covers, in a 
way that is not seen in other countries. Regina's 
installation, which is a symbolic tableau representing 
Camões' famous banquet in which each plate, when 
turned over, revealed one of his poems, evokes the 
delight of finding the ordinary raised to the level of 
art. In Regina's version every plate contains a poem 
by a contemporary Brazilian poet, giving us food for
thought in addition to the visual content of 
the installation.
Regina Vater has been exploring the installation 
form in a multitude of ways, having produced more 
than 100 installations since 1970. She has also been 
a prodigious creator of visual poetry. It runs in the 
family. Her great, great grandfather Odorico Mendes, 
was the first Brazilian translator of Homer and a 
well-respected poet in his day. Vater's current work 
integrates the written word into its physical and visual 
structure. The visual clues of the installation, the bay 
leaves, black plates, and roses invoke subjective levels 
of meaning beyond the literal references. We are 
invited to feast on the thoughts of Brazil's famous 
poets and to travel down the paths of our own 
associations.

 

VESTIDO CLARO PARA CLARICE    

Clarice Lispector

Clarice mostra #somostodosclarice CLOSE.jpg

A instalação/escultura VESTIDO CLARO PRA CLARICE foi uma obra planejada visando um determinado espaço numa mostra no Rio de janeiro. Mostra esta em homenagem à CLARICE LISPECTOR.

Cada artista deveria escolher um conto de Clarice para projetar um trabalho e eu escolhi o CONTO DO VESTIDO BRANCO.

Infelizmente na montagem da exposição o trabalho acabou perdendo o ar em volta, (o que lhe acentuaria a leveza), e sendo confinado e apertando num canto estreito. Isso por causa que mais e mais artistas foram incluídos na mostra depois de eu ter tido o meu plano aprovado pela galeria. Mas o vestido resiste…

CLARICE Regina Vater projeto Clarisse.jpg
vestido branco para clarice.jpg

LA MALINCHE

Nos inicio dos anos noventa Sylvia Orozco diretora do Mexic-Arte Museum em Austin Texas, me convidou para fazer

uma instalação em homenagem à La Malinche considerada mãe do povo mexicano mas que porém tem também uma história triste e controversa sendo por isso também rejeitada  pelo seu próprio povo como uma traidora.

​

Abaixo eu então coloco a história da Malinche como prova da condição feminina e indígena na época colonial

Malinche (ou Malintzin, Malinalli ou ainda Marina), seu nome de batismo, foi uma importante figura da conquista do México pelos espanhóis. Ela indígena nahuatl da Costa (antigo reino olmeca) do Golfo do México. Ainda pequena, foi  vendida pela mãe e padastro, (por eles terem dado à luz a um varão), como escrava para uma família Maya, onde aprendeu a língua maia.
 

Quando a equipe de Hernán Cortéz chegou a Tabasco, os astecas ofereceram vinte moças como presente aos espanhóis, incluindo ela.
 

Malinche se tornou a tradutora principal da equipe espanhola. Para conseguir se introduzir entre os inimigos e os aliados dos astecas, ou mesmo para compreender a geopolítica interna das posses do império de Moctezuma, Cortéz utilizou a intérprete indígena.


É importante compreender a situação a qual Malinche se sujeitou. Apesar da romantização que é feita da situação entre a nativa e Cortéz, trata-se de uma situação em que a índia é obrigada a manter relações pessoais e sexuais com o conquistador estrangeiro, mesmo contra sua vontade.

 

Ela se tornou a principal responsável pela comunicação e guia da expedição, Malinche era o intermédio entre os espanhóis e os indígenas originais no México. Mas isso implicava na condução coercitiva da mulher entre a linha de frente da missão e a cama de seu comandante.


Como Cortéz era um católico casado, mesmo fazendo uma filha com ela, Cortéz transmite a posse de Malinche a Don Juan Xamarillo, com quem a índia se casou posteriormente e por quem ela recebeu títulos de nobreza.


É muito provável que as condições de existência de Malinche fossem deploráveis. Além de ser obrigada a se sujeitar a relações não consensuais, especialistas na Conquista apontam que ela dormia em uma gaiola de madeira, como uma escrava normal. Era também sujeita à violência, tida como normal na época, e obrigada a realizar os desejos de seu “marido”. Suas crenças e rituais culturais eram também sucumbidos e Malinche estava vulnerável a uma violência cultural, a ponto de ter sido batizada (independentemente da vontade), tornada cristã e recebido um novo nome, Doña Marina.
 

Para muitos mexicanos e na memória de grupos indígenas, Malinche é considerada uma traidora, pois ela teria mudado para o lado dos espanhóis, colaborado com a colonização. Ao mesmo tempo, a relação de Malinche com Cortéz fez criar sua fama de mãe na nação mexicana no século XIX, pois ela seria a união entre o indígena e o branco católico, formando o povo miscigenado do México.


Grande parte desse texto vem de uma texto André Nogueira publicado no site da UOL

 

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Instalação construida com: pintura vermelha nas paredes que formam um canto na sala, Sobre um pedestal, uma caixa de acrílico transparente protege uma autentica blusa mexicana/indígena primorosamente bordada à mão em cetim barato. Esta blusa é rodeada por uma enorme saia armada de tule nas cores vermelha, branca e verde (cores da bandeira mexicana) decorada com folhas metalizadas em ouro. Dimenções aprox. 4m X 4m X 2,7m

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la Malinche pintura de Diego Rivera

Como complemento, e por uma ligação com minha história pessoal que me foi informada  por um amigo de juventude o respeitadíssimo Francisco Antônio de Moraes Accióli, matemático, filósofo e genealogista brasileiro. validada por Antônio Risério eu vou colocar aqui uma informação histórica que de certo tem um paralelo com a história da Malinche.

Catarina Álvares Paraguaçu (Bahia, c. 1503 – Bahia, 26 de janeiro de 1583) indígena tupinambá, da região da Bahia de hoje. Seu nome verdadeiro seria "Guaibimpará" e não "Paraguaçu". É a mais célebre mulher indígena do período, sendo apresentada por alguns como "uma das mães do povo brasileiro".


Cataria Paraguaçu teria sido oferecida por seu pai, o cacique Taparica, como esposa ao náufrago português Diogo Álvares, o Caramuru, que gozava de grande proeminência entre os tupinambás da Bahia. Faleceu em idade avançada no ano de 1583.

Diogo Álvares Correia era natural de Viana de Castelo, Portugal, e teria aportado na Bahia entre 1509 e 1510. Não se sabe ao certo se chegou como náufrago ou foi deixado propositadamente pelo capitão do navio a fim de aprender os costumes e línguas dos nativos. Esse método era usado pelos portugueses na costa africana com o intuito de que o indivíduo pudesse servir de ponte entre os portugueses e habitantes locais.


Conta Gabriel Soares de Souza que Diogo Álvares Correia só escapou de ser morto pelos indígenas porque disparou uma arma e matou uma ave. Os índios que não conheciam a pólvora se surpreenderam com a explosão e passaram a chamá-lo de “Caramuru” ou filho do fogo. Por outro lado, se diz que Diogo tinha suas roupas encharcadas e cobertas de sargaços coladas ao corpo devido ao naufrágio. Os índios lhe dão a apelido de “Caramuru” que significa moreia, um peixe de aspecto gelatinoso que vive entre os recifes à beira-mar.
 

A vida do português daria um novo giro quando se apaixonou por Paraguaçu, filha do cacique Taparica, da tribo tupinambá. Em algumas crônicas se registra que ela foi quem salvou Caramuru de ser devorado pela tribo.
 

O casal viajaria para a França, em 1528, onde ela seria batizada na igreja de Saint-Malo. A índia adotaria o nome de Catarina do Brasil ou Catarina des Granges, em homenagem à sua madrinha Catherine des Granges, esposa de Jacques Cartier, o explorador do Canadá. O casal também contraiu matrimônio nesta cidade francesa.
Os dois logo se casaram segundo a tradição católica, mas ela não se esqueceu dos costumes de seu povo, ficando próxima das concubinas do marido, que mantinha a política de selar uniões com as mulheres nativas como forma de consolidar seu poder.

 

Quando o governador Tomé de Sousa chegou ao Brasil, veio instruído por D. João III para se aliar ao influente casal.


Em 1557, Diogo morreu. Catarina herdou suas propriedades e posses, tornando-se uma figura importante da incipiente sociedade baiana. Rica e poderosa, Guaibimpará ou Catarina reuniu as características desses dois mundos que entraram em choque com a chegada dos portugueses.  A diplomacia feminina praticada nas aldeias indígenas foi importante para fortalecer a posição do marido no Brasil e para torná-la uma viúva respeitada entre os brancos.

 

Morreu em 1583, deixando seus bens para os monges beneditinos. Uma mulher que soube transitar por duas culturas tão diversas…Caramuru e Paraguaçu formaram a primeira família católica do Brasil. Desta maneira, as filhas puderam ser batizadas e, portanto, registradas. O casal teve quatro filhas: Genebra, Apolônia, Graça e Madalena. Casaram-se com fidalgos portugueses recém-chegados e assim formaram as primeiras famílias baianas e brasileiras. Calcula-se que seus descendentes possam chegar a 50 milhões de brasileiros entre os quais lá estou, de acôrdo com o meus amigo Francisco Dória e o Antônio Risério.





 

PROCURE NO INVISIVEL E A BELEZA APARECERÁ

PROCURE NO INVISIVEL E A BELEZA APARECERÁ

É uma instalação poética do seu que usa uma frase do grande poema místico A Conferência dos Pássaros de cerca de 4500 linhas, escrito na Pérsia do século XII (1177) por Farid ud-Din Attar.

Esse poema épico é uma narrativa alegórica que contém a essência do pensamento sufi. E das maiores e mais importantes. Verdadeiro clássico da literatura mundial.

O Caminho do sufi é mostrado nesta obra como em Canterbury Tales, em contos muitas vezes enigmáticos e aparentemente obscuros, repletos de suspense e incidentes extraordinários, mesclados com quadros característicos e vinhetas do cotidiano da Pérsia no século XII.

Acima de tudo, no entanto, o poema coloca em palavras os temas do amor e da busca pela unidade divina, e dessa forma, como definiu Sirdar Ikbal Ali Shah, “Attar transforma fé em poesia.

As ressonâncias mais contemporâneas deste clássico podem ser observadas na literatura de Idries Shah e também nas obras de Jean-Claude Carrière e Peter Brook, que empreenderam a célebre adaptação do poema para o teatro (a de Peter Book eu tive a graça de assistir em New York) Como também na obra de escritores ocidentais do peso como Chaucer, Milton, Dante, Borges

 

para face Regina Vater procure no invisi

O texto distribuído palavra por palavra nos cartões colocados atrás de cada um dos sete copos com agua se torna visível ao espectador facilitando o soletrar visualmente de copo para copo graças à agua contida nos copos a qual possue uma ação de lente de aumento.

Regina Vater - _Procure pelo invisível e
para face Regina Vater PROCURE NO INVISI

PROCURE NO INVISIVEL E A BELEZA APARECERÁ em exibição na individual da artista em 2018 na Galeria Jaqueline Martins em São Paulo.

QUEM PROVOCA A CICATRIZ EM MIM...

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R VATER QUEM PROVOCA A CICATRIS EM MIM.jpg

A instalação QUEM PROVOCA A CICATRIZ EM MIM foi apresentada em pequena escala na decada de 2010, na Galeria de Arte Solar Meninos de Luz no coração das Comunidades Pavão-Pavãozinho e Cantagalo,; na Zona Sul do Rio. A obra lá apresentada  poderia ser considerada como uma maquete para uma instalação numa escala bem maior.

 
Em cada espelho, numa instalação com numero X de espelhos,  se encontra descascado um pequeno buraco na camada de prata atrás do próprio,  preenchido pela foto de uma das cicatrizes do corpo da artista. Sendo assim, qualquer pessoa que se mire num deles receberá uma cicatriz na sua imagem nele refletida.

NADANDO CONTRA A MARÉ

nadando contara corrente foto caselli.jpg

Registro fotográfico Chris Caselli
Nadando Contra a Maré, 1997 
Regina Vater 


Coluna grega, televisor onde um peixe amazônico nada para cima na direção contrária às pedras que caem, linhas de pesca e pedras


400,00 cm x 180,00 cm
 

​

Essa obra foi inspirada pelo poema do trovador provençal

 

ARNAUT DANIEL (1180-1210?)

Ieu sui Arnautz qu’amas l’aura
e chatz la lebre ab lo bou
e nadi contra subera.

Eu sou Arnaut que am(ass)o (l)a(u)r(a),
e caço a lebre com o boi
e nado contra a maré.

Uma das obras que fez parte da mostra Voices and Visions em 1997 na qual Regina dividiu o espaço do Mexic-Arte Museum em Austin (Estados Unidos), com o famoso artista filipino baseado em Londres David Medalla que faleceu em 2020.

SITEinstalação NADANDO CONTRA A CORRENTE para mostra em conjunto com David Medalla No Mex

WE ARE ALL MAD HERE - SOMOS TODOS LOUCOS AQUI

97 - Vitrine de artista na Parallel window NYC _we are all mad here_ que atraves de espelh

​Na VITRINE DE ARTISTA da Parallel Window no bairro do Chelsea/Manhattan/New York em 1982 montei um tableaux com referencia ao capitulo do CHERCHIRE CAT, do memorável livro: ALICE NO PAIS DAS MARAVILHAS de Lewis Carrol. Livro que tanto amo e que me deu leitmotiv para tantas outras obras.

Meu projeto era que a vitrine espelhasse a presença dos transeuntes ao passo que dela emanasse um trecho da fala do gato.

Tudo isso me veio à cabeça por conta da coluna existente no local (algo difícil de integrar em qualquer solução de espaço. Como eu tinha uma foto que eu gostava muito da minha querida primeira gata, usei a coluna como tronco de arte para colocar nela minha gatinha como avatar do Cherchire Cat. E usei na borda debaixo do vidro da vitrine, uma fileira de espelhos baratos (pois era o que cabia dentro da minha parca economia) que incorporavam a presença dos pés ou pernas dos passantes na gestalt do tableaux  como também  era o que ocorria com um espelho colocado numa altura capaz de integrar os olhos do espectador de altura mediana com a frase titulo da obra. Como os novaiorquinos gostam de fazer piada com esta suposta loucura do povo de Manhattan, creio que esta obra acabou agradando a muitos…

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Vitrine de artista na Parallel window NYC _we are all mad here_ que atraves de espelhos co

ARIDIANE

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A USURA CONGELA O DEDO DA BORDADEIRA    

título extraido de um poema do Ezra Pound

25 - instalação poetica interativa A USURA CONGELA O DEDO DA BORDADEIRA na mostra conjunta
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Uma das obras que fez parte da mostra Voices and Visions em 1997 na qual Regina dividiu o espaço do Mexic-Arte Museum em Austin (Estados Unidos), com o famoso artista filipino baseado em Londres David Medalla que faleceu em 2020.

MADE IN BRAZIL

18 - Instalação _O que é teu é meu o que


 Instalação na individual “Cultivare” no Centro Cultural Oduvaldo Viana Filho em 2007- Rio de Janeiro - Brazil

​AMERICAN BACKYARD

 

Sempre tive plantas nos apartamentos que vivi Em São Paulo, cheguei até a escrever uma história para crianças sobre uma menina que colecionava plantas, num mundo onde elas estavam se tornando raras. Mas foi em Austin que morei numa casa, foi então que aprendi a ser jardineira com um programa radiofônico que ensinava a cultivar um jardim de maneira orgânica. Entusiasmada por ter um quintal já havia tentado por conta própria, me iniciar na ARTE da jardinagem. Cavar um canteiro, foi então a primeira empreitada. No decorrer do processe ele foi inconscientemente tomando o formato da América do Sul. Fascinada com o resultado, antes da plantação, usei um alvo de dardos que encontrei para fazer esta site específico instalação: "AMERICAN BACKYARD"

 

GREEN

ou (sinal verde para o saque das Américas)

site vídeo instalação1992 GREEN - Bélgic

​Instalação GREEN (verde) em 1992 na coletiva AMERICA, THE BRIDE OF THE SUN, no Koninklijk National Royal Museum Antuérpia (Bélgica) –

 

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As riquezas brasileiras e frutos furtados pelos europeus pós-descobrimento do Brasil foram o ponto de partida para a obra GREEN ou (sinal verde para o saque das Américas).


A obra surgiu de um convite feito por Catherine de Zegher curadora da exposição “América, The Bride of the Sun”, realizada no Koninklijk National Royal Museum, na Bélgica.

 

Regina Vater desenvolveu um projeto arquitetônico da peça que foi produzida cuidadosamente e nos menores detalhes na Bélgica  pelo próprio museu. Da mostra também contou com a participação de 24 artistas latino americanos contemporâneos como Ana Maiolino, Waltércio Caldas, Cildo Meireles, Tunga, Roberto Evangelista, Ana Mendieta, David Lamelas, Victor Grippo etc.
 

GREEN é (era) formado por encaixes: um pedestal com três lados cobertos com três caixas de acrílico que formam uma pirâmide cheia de pipoca. Este pedestal apoiava uma TV e sobre ela um um galeão espanhol negro do qual expandia uma luz verde. O vídeo na TV mostrava as riquezas da flora e as invenções agrárias do “Novo Mundo” que foram exploradas e exportadas para a Europa depois do “descobrimento” das Américas.  Entre eles, são representados alimentos considerados “ouros latino americanos”: mandioca, batata, cacau entre outros. A iluminação verde ou “GREEN” que emana da caravela representa o acesso “sinal verde” para este saque.


Ainda na TV o vídeo (ainda existente), reproduzia algumas das fotos do serie "Nature Morte" de Regina. "Nature Morte" é termo acadêmico cunhado que foi cunhado  na França para designar pinturas de natureza morta. “Os holandeses de certa maneira revitalizaram este tipo de arte pintando as frutas do Brasil para mostrar aquilo que poderiam levar. Foi neste período que começaram a aparecer técnicas que representavam a luz solar nas obras, diz Regina.


Sobre o contexto mundial em que o vídeo está sendo exposto, Regina diz: “Acredito que este saque ainda está ocorrendo. Só que agora não levam só alimentos, exploram do nosso petróleo, água, nióbio, outras riquezas.”


Regina não viajou para montar a sua instalação na Bélgica porque foi naquele ano que seu marido Bill Lundberg ia pela primeira vez para o Brasil depois de treze anos de relacionamento dos dois. Isso aconteceu por conta de uma Fullbright  que Bill havia ganho para dar um workshop no MAC-USP e só conseguiu ir por ele ter recebido devido tratamento medico antes da viajem. Bill nunca tinha ido ao Brasil antes por sofrer de uma extrema aerofobia que é uma fobia específica (um transtorno de ansiedade).


Regina ainda estava no Brasil quando a obra ia lhe ser devolvida. Por conselho de Irma Arestizábal primeira diretora do Solar Grandjean de Montigny na PUC_RJ onde Regina e Bill expunham na ocasião, e numa carta escrita por Irma  ela mesma a obra foi doada ao MNBA do Rio. Obra esta que acabou numa sucata porque o Museu nunca se deu ao trabalho de retira-la da alfandega.

 

Desenho projeto para GREEN para Antuerpia 1992.jpg
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GREEN  video installation New York version

A version of Regina Vater's video installation GREEN at The Donnell Library Center of The New York Public Library, The 53rd Street in1992 The Donnell Library Center, is a branch of the New York Public Library at 18 West 53rd St

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BORDAS

BORDAS é uma instalação especialmente projetada para a Bienal de Curitiba 2019 , a convite de

ADOLFO MONTEJO NAVAS

​

Dimenções: aprox. 9 m X 0,80 m

Vista de parte da Bienal de Curitiba dedicada a artistas brasileiros.

No centro, em evidência, obra de Regina Vater, “Bordas
 

Cada segmento de madeira corresponde ao desenho da fronteira que um dos países da América do Sul faz com o Brasil. Como por exemplo: Brasil e Paraguai;  Brasil e Colômbia; etc

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Trabalhando limites, Regina Vater apresenta Bordas (2019) uma longa e delicada escultura que parece moldar os desenhos territoriais nascidos pelas fronteiras, instrumentos de regulação territorial. Na terra nada é permanente. Os contornos territoriais se desmancham, se movem de acordo com conflitos, arranjos políticos, acidentes geográficos.

https://artebrasileiros.com.br/arte/bienal-de-curitiba-e-as-urgencias/

TOPE

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TOPE instalação com petálas de rosas secas que caem secas do teto e se transformam em frescas dentro do pote de cobre sobre o paneaux de seda que também vem do teto e vem cobrir uma pequena mesa chinesa antiga. As petálas no pote são renovadas todos os dias de duração da mostra CASCAVIDA  na Galeria Women&TheirWork Austin Texas em 2003

OM MANI PADME HUM

instalSITE OM MANI PADME HUNG exibida na individual da artista na Gal 32 Londres 2009 7.

​Instalação/escultura datada de 2009 apresentada pela primeira vez na individual da artista na Gallery 32 na mostra Memory Of Light - City of London, Reino Unido.

 

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 foto: Instalação/escultura datada de 2009 apresentada em 2017 numa coletiva na galeria Anita Schwartz
 

O significado literal do mantra OM MANI PADME HUM

seria: “Oh! A joia do Lótus”, ou “da lama nasce a flor de lótus”.


OM MANI PADME HUM é constituída por um fio de nylon totalmente enfiado em diferentes contas de cristais pendendo desde o teto de uma altura de sete metros toca direto no centro de uma mandala formada por pequenos espelhos ovais e redondos superpostos sem nenhuma cola.


Como esta mandala é sempre montada com espelhos soltos dando a chance de diversas composições e como os diferentes feitios de contas de cristais podem estar em arranjos sempre novos dado que a artista ao enfiar as pedras usa o método de John Cage de “operação de chance” a instalação/escultura mesmo que múltipla será sempre uma obra original


No Tibete utiliza-se os mantras como meios de alcançar elevação da consciência.

 

Um Mantra muito antigo e o mais utilizado na tradição tibetana e associado ao Avalokiteshvara, o Bodhisattva da Compaixão, é o: OM MANI PADME HUM 


 

OM que representa a presença de todos os Buddhas, o começo de todos os mantras, a própria consciência ou a luz. que te ajuda a atingir a perfeição na pratica da generosidade e a libertar tudo o que precisa ser libertado dentro de nós, afastar o ego, orgulho e o apego.Esse mantra também protege criando vibrações benéficas. 
MA ajuda na pratica da pura ética 
NI ajuda na pratica da tolerância e da paciência 
PAD ajuda a purificar nos dos preconceitos e das nossas estupidezes e na perfeição da perseverança 
ME ajuda a purificar nos de sermos possessivos e na pratica da concentração
 HUM ajuda a nos limpar dos nossos ódios e das nossas agressões e a conseguir perfeição na pratica da sabedoria

 

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DEUS DÁ NOZES À QUEM NÃO TEM DENTES

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Título da obra produzido na parede quando em 2021 ela integrou a individual sa artista na Galeria

Jaqueline Martins

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Montagem da instalação DEUS DÁ NOZES À QUEM NÃO TEM DENTES  na Galeria Jaqueline

Martins em 2021

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Detalhe da obra

OLHO/TATO

​Em 1974 fiz uma das mais magicas viagem à Grécia. Lá meu encantamento com a paisagem me levou a concepção deste trabalho que acabei finalizando em New York em 1975. Como prova a tampa da caixa do carrossel de slides que hoje está guardada no acervo da Galeria Jaqueline Martins. Minha proposta era de projetar no teto do espaço expositivo, as fotos organizadas na sequencia AR, AGUA, TERRA, FOGO (os quatro elementos gregos). E em colchonetes espalhados pelo chão os espectadores assistiriam a projeção silenciosa do passar lento da sequencia  das fotos. O silencio nesta obra é indispensável para que os espectadores possam sentir através do olho a textura de cada detalhe da paisagem em cada foto.


Faço questão de adicionar aqui um texto que escrevi  tem muita importância para mim em relação ao OLHO/TATO. Este texto é parte de um livro que venho escrevendo desde Austin sobre pessoas memoráveis que encontrei no curso da minha vida. E esse em particular é sobre a minha amizade com Lygia Clark.

Creio tê-la visto muito de passagem pela primeira vez quando ainda na escola de arquitetura. Um colega que trabalhava como voluntário na instalação que ela estava mandando para a Bienal de Veneza – na qual ela acabou ganhando o grande prêmio – levou-me ao MAM do Rio, onde a peça estava sendo construída, para eu experimentar seu labirinto sensorial, que nunca mais esquecerei. Soube depois por ela mesma que quando a Bienal de Veneza se preparou para enviar a obra de volta ao Brasil, ela pediu que a retornassem ao MAM, como doação para o museu.

Sei também que, anos mais tarde, já morando na França e de passagem pelo Rio, ela decidiu visitar o MAM para rever sua instalação premiada em Veneza no início dos anos sessenta. Para construir essa obra, Lygia me confessou que havia vendido um apartamento que tinha recebido de herança. Qual não foi seu espanto quando lhe disseram que a obra nunca tinha sido retirada da Alfândega. Resolveu então traçar o paradeiro da obra na Alfândega do Rio. E para seu total pasmo foi notificada de que a obra havia sido desmantelada e vendida para o ferro velho. Por isso, quando eu soube que a mesma coisa tinha acontecido em 1992, na mesma Alfândega do Rio, com a minha vídeo-instalação Green, vinda da mostra America, The Bride of the Sun, no Koninklijk Museu Real Nacional da Bélgica (o Koninklijk), em Antuérpia, trabalho que doei para o Museu de Belas Artes do Rio, não me vi no direito de chorar muito. Pelo menos eu não tinha vendido um apartamento para construir a obra…

Quando vivi em Nova York, durante 1973 e 1975, com um intervalo in between de seis meses de estadia na Franca, fiquei muito amiga do Oiticica. Aliás, foi por causa dele que escolhi Nova York como base para o desfrute do prêmio de Viagem ao Estrangeiro que ganhei em 1972.

Nas minhas looongas conversas com o Hélio, ouvi ele mencionar inúmeras vezes a Lygia Clark. O que sempre me atiçou a curiosidade de conhecê-la. Ele a queria como a uma irmã.

Rubens Pileggi uma vez me apontou o fato de que a Lygia passou fome em Paris. Ele disse ter descoberto isso na correspondência que ela manteve com o Oiticica.

E foi em Paris que a reencontrei, depois de ter esbarrado com ela no MAM do Rio no início dos sessenta, durante a construção do seu labirinto, só que desta vez foi de uma maneira mais próxima, na casa do Mário Pedrosa.

Impregnada pelos comentários do Hélio, eu estava realmente ávida por conhecê-la melhor. E um certo dia, para a minha alegria, ela me convidou para visitá-la em seu apartamento, localizado em uma das portas de Paris, lugar bem longe.

Era um apartamento franciscano. Além de alguns Bichos, uma das pièces de résistance era uma modesta máquina de costura, onde ela provavelmente costurou várias de suas peças, inclusive uma das minhas preferidas: A Cabeça Antropofágica.

Foi dessa vez que tirei várias fotos de sua casa em Paris, para a minha série X-Ranges (expressão que criei para expressar o raio-x do raio de ação), as quais estão inseridas num livro de artista publicado em 76/77 pela Galeria Ars-Multipla de Buenos Aires. Este livro de artista (pequena parte da série total que mostrei no MAM do Rio) continha só casas de artistas: John Cage, Vito Acconci, Hélio Oiticica e Lygia Clark.

Esse nosso encontro foi, certamente, muito difícil. Talvez por minha culpa. Saudosa dos meus infinitos papos com o Hélio, onde tudo era discutido, do micro ao macrocosmo, desatei a falar. Não demorou muito para que ela me interrompesse, dizendo:

– Você está com o discurso desordenado! Você está voando muito alto. É melhor você baixar à terra. Para isso, acho que vou sair agora contigo: iremos a um supermercado e compraremos um coelho para cozinharmos juntas. Eu vou te ensinar como se cozinha um coelho.

Sim, eu desci no elevador com ela, mas um pouco assustada pelo que ela havia acabado de me propor. Dei uma desculpa qualquer e me enfiei no primeiro buraco de metrô de volta para o meu quarto de hotel.

Depois desta vez, cheguei a encontrá-la de novo várias vezes na casa do Mário. Numa dessas vezes ela me sugeriu que eu fizesse terapia com um psicanalista brasileiro conhecido seu que estava morando em Paris. Segui o seu conselho mas o psicanalista, a meu ver, depois de eu ter passado pelo Chebabi, não era lá essa grande coisa.

Dois anos mais tarde, de volta ao Brasil, estava visitando minha mãe no Rio (nessa época eu ainda morava em São Paulo), quando recebi um telefonema do Hugo Denizart me convidando para ir à sua casa, pois ele ia mostrar o seu trabalho para a Lygia e me pediu que eu levasse algo meu para compartilhar também. Com receio, comentei: – Ah, Hugo, eu acho que ela não vai gostar…

Mas o Hugo insistiu e eu acabei indo e levando o conjunto de slides que perfaziam a série Olho-Tato, trabalho que fotografei na Grécia em 1974, e que convida o espectador a usar o olho como órgão de tato.

Quando chegou a minha vez de mostrá-lo aos convidados do Hugo, expliquei que se tratava de um show de slides silencioso que deveria, na verdade, ser projetado no teto para espectadores deitados em colchonetes no chão.

Fui projetando os diapositivos com calma e do canto do olho percebi que Lygia prestava uma enorme atenção.

Quando terminei, ela se virou para mim e exclamou:

– Agora posso ser sua amiga, este seu trabalho é genial. E acrescentou algo como que o trabalho funcionava também como um estimulante ao ato de piscar, o qual ajuda a lubrificar os olhos.

A partir dali foi crescendo uma bonita, verdadeira e sincera amizade entre nós duas.

Depois que voltei de minhas viagens ao exterior, fui direto para São Paulo, onde retomei os meus trabalhos de artista gráfica free lancer e só vinha ao Rio de duas em duas semanas. Mas todas as vezes que retornava ao Rio, nunca faltava uma visita à sua casa, onde eu muitas vezes aproveitava para trocar de roupa para ir à praia. E quando voltava da praia, Lygia invariavelmente já estava me esperando com um almoço amigo.

Foi nessa época (1976) que realizei a minha individual no MAM do Rio. Lembro-me do seu total apoio, e que trouxe a famosa psicanalista Inez Besuchet para ver a mostra, convidando-me na saída para jantar com elas num chinês da Av. Atlântica, perto da Praça do Lido, nas cercanias de onde ela, Lygia, morava.

Lygia adorava um carteado. Em quase todas as visitas, ela sugeria uma biribinha (o único jogo que eu sei jogar). Acredito que ela se impacientava muito com a minha falta de atenção durante as jogadas.

Lygia não tinha papas em sua língua afiada.

Certo dia comentou que mandou uma jornalista (que hoje em dia é curadora…), plantar batatas, quando lhe apareceu em sua casa para entrevistá-la e lhe pediu para falar dos seus animais…

Mas, por outro lado, podia ser também uma amiga muito amorosa e acalentadora.

E era sobretudo uma pessoa simples. Detestava complicar as coisas.

Adorava novelas. Na época do Dancing Days, então, o horário da novela era sagrado. Aliás, naquela época, até o Hélio se juntava a nós para torcer para que a Sônia Braga acabasse junto com o Fagundes.

Em 1979, quando organizei a exposição Contemporary Brazilian Works on Paper, 49 Artists, que levei para uma galeria uptown, em Nova York, praticamente sem dinheiro algum, Lygia, por sua própria iniciativa, começou uma “vaquinha” entre os artistas, dando início a uma lista de contribuições com o lance mais alto: cinqüenta dólares. Proporcionalmente bem mais generosa que o Mindlin e o Vilares em São Paulo, que me deram cada um cem dólares. E como se isso não bastasse, ela me deu carta branca para construir em acetato transparente várias réplicas do Caminhando, pedindo que cada um dos trabalhos fosse exposto com sua respectiva tesoura.

Não posso esquecer a chacota que esta sua obra recebeu da parte de alguns visitantes brasileiros grã-finos que circulavam em Nova York por ocasião do vernissage desta mostra…

Nesta época ela também me abriu os olhos para o magnífico trabalho da Anna Sultz , artista judia européia e amiga dela que vivia no Brasil (que eu também convidei para a mostra em NY) e que fazia umas colagens incríveis, inspiradas na multipluralidade dos insetos brasileiros.

Além da Anna, tempos mais tarde ela também me apresentou o Livro da Árvore, feito por sua irmã Sônia. Igualmente, ela não poupava elogios ao filme-instalação Night&Day do Tunga.

Com tudo isto e apesar de seus textos esplendorosos (o que mais me marcou foi aquele publicado na Nave Louca, assim como o Livro da Virgem, um exemplar do qual ela me autografou), Lygia sempre reafirmava não ser uma intelectual.

Sempre com esta frase:
“A minha teoria é oriunda da minha praxis!”

Na minha opinião, além de brilhante intelectual, ela era também uma “bruxa”, apesar de ser agnóstica de carteirinha.


 

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Instalação por uma dia do OLHO/TATO em Fortaleza Ceará no Espaço Gaia  em 2003.     

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Oiticica uma vez me disse que às vezes é muito mais provável que se possa apresentar uma

obra/invenção numa cidade fora dos grandes centros, do que no mufifo onde "arte"

geralmente circula!

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SNAKE NEST 

 

NINHO DE COBRAS

Snakes are reptiles that people project bad thoughts or feelings onto. But those are snakes of our parallel world, the ‘invisible’ realm of our imagination and emotions. Snakes are just beasts. Some are poisonous, others not. They just don’t want to be bothered by human beings, like most of ou relatives of the animal kingdon

SNAKE NEST acts as a pedagogical device.  It is very easy to transport because it is made of 88 5”X7” black frames containing images of snakes belonging to different cosmologies from allaround the planet.  In many of these cultures snakes do not have the bad reputation they have in the Christian Judaic culture.

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The installation usually measures around 16’ deep X 8’ wide X 4 ‘ high.

instalação Ninho de Cobras aguna Gloria Museum feita com 88 imagensde xerox PB em pequenas

Alguns exemplos de imagens dos quadrinhos que compõem o SNAKE NEST

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During the time of the installation children made drawings of snakes on paper over the tables that I provided.  On the last day of the show, these drawings were used to decorate the Laguna Gloria gardens ground and the theater arena where I organized the SNAKE EVENT. 

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A quantidade de desenhos de cobras feitos pelas crianças durante o tempo que a instalação NINHO DE COBRAS esteve montadas.

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O staff do LAGUNA GLORIA escolheu uma boa quantidade desses desenhos para enfeitar os jardins do Museu para o dia do EVENTO DA COBRA.

SNAKE EVENT

The very lively SNAKE EVENT had the participation of storytellers, anthropologists and naturalists. Live snakes werebrought by the later to give lessons to the audience and a video was made as a document of the event.

SNAKE EVENT 1988 NOS JARDINS DO LAGUNA
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Above a photo of the SNAKE NEST which was also published in the book “Mixing Blessings” by Lucy Lippard this

photo was also published in the Canadian Magazine “Gallerie”

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SIM ou APEZAR DE VOCÊ

Está é uma obra que se originou de outra realizada em fotografia que eu mostrei em 1978 na Galeria Global em São Paulo.cuja foto eu coloco aqui

 

 

 

ART series COMIDA PARA PASSÁROS ou APEZAR DE VOCÊ. homage to CHICO  foto tamanho variável

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27 - instalação SIM realizada com grama

SIM ou APEZAR DE VOCÊ é uma obra  para ser instalada num espaço externo cujas caixas podendo ser feitas em concreto ou outro materiais resistente como pedra,metal ,etc.

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O importante é que nelas seja plantado grama de boa qualidade e que a mesma tenha uma constante manuntenção.

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As medidas são variáveis mas sempre numa escala cuja largura não seja menor do que 1,8m

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Este trabalho esteve exposto em mostras como:


2007
INDIVIDUAL “Cultivare” – Centro Cultural Oduvaldo Viana Filho - Rio de Janeiro - Brazil

COLETIVA    “World Play” – Austin (Estados Unidos) - Nancy Wilson Scalan Gallery - St.Stephnes’s Episcopal School

 

2018
INDIVIDUAL    Galeria Jaqueline Martins São Paulo SP

 

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MAR DE ROSAS

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TRIDIMENCIONAIS

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REGINA VATER OSSO DE APOLO (poema visual utilizando uma pedra encontrada na caverna onde
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MINHA MÃE

ZIRALDO ALVES PINTO

ROGÉRIO DUARTE

CAMILA CAMPOS

ANDREA GIUNTA

JOSÉ CARLOS AVELLARF

OCTAVIO PAZ

CRISTINA BURLARMARQUI

CHRIS COWDEN

SIMONI FORTI

LYGIA PAPE

FABIANA EBOLI

CLEONICE BERARDIMELLI

MUNTADAS

NARVELL NEVES

BENÉ FONTELES.

CARLA STELLWEG

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CILDO MEIRELES

MYRIAN GRABER

ELIZABETH MURRAY

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PAULA ALZUGARAY

BEL PEDROSA

OLGA SAVARY

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ALGUNS DOS RETRATOS

QUE TIREI

VERA FIGUEIREDO

TINA VELHO

MIRALDA

EVANDRO TEIXEIRA

NEY MATOGROSSO

CILDO MEIRELES

FAUZI ARAPI

MICHEL MELAMED

DAVID MEDALLA

SIMONE MICHELIN

DAVID SALLE

CAETANO VELOSO

​CHRISTA BLACKWOOD

GILBERTO CHATEAUBRIAND

MAUTNER & OITICICA

LEO CASTELLI

JOHN CAGE

ALBERTO SARAIVA

ANNA MARIA MAIOLINO

HAROLDO DE CAMPOS

CAROLEE SCHNEEMANN

ZUENIR VENTURA

ALISON KNOWLES

SERGIO MAMBERTI

​LINDA HENDERSON

GINSBERG&PETERN ORLOVSKY

MENININHA EM BOGOTÁ

SEU ANTONIO

ANTÔNIO CICERO

Se hoje vivemos na aldeia global naquela época compartilhávamos a tribal Ipanema do Tom, do Vinicius, Carlinhos Lira, Newton Carlos, Olga Savary, Jaguar , Ziraldo, Leila Dinis, MillIôr, Ferdy Carneiro, Joaquim Pedro, José Wilker, Fernando Sabino, Fernando Amaral, Carlinhos de Oliveira, Rubem Braga, Ismênia Dantas, Marcos Vasconcelos, Ziraldo, Fernanda Esteves, Zequinha Estelita, Chico, Ruy Guerra, Fernando Gabeira, Hugo Bidet, Pedrinho de Morais, Antônio Pitanga, Ana Maria Magalhães, Renato Landim, Rogério Duarte, Zózimo Bulbul, Vera Figueiredo, Myriam Graber, Julio Graber, Zuenir Ventura, Mary Ventura, Gustavo Dahl, Serginho Bernardes, Milton Temer, Claudius, Norma Pereira do Rego, Darwin Brandão, Leandro Konder, Albino Pinheiro, Paulo Góis, Armando Rosário, Newton Cavalcanti, Mario Carneiro, Marina Colassanti, Carlos Leonam, Ricardo Amaral, Antonio Carlos Maciel, Macalé, Ivan Lessa, Fortuna, Leon Hirszman, Marat, Casé, Antonio Luis Accioly, Vera Gertel, Evandro Teixeira, David Zwinger, Mieli, Roniquito Chevallier, Paulo Mendes Campos, Betty Faria, Claudio Marzo, Paulo Cezar Sarraceni, João Saldanha e Tereza, Raul Hazan, Glaudir, Regina Coelho, Caio Morão, Tarso de Castro, Zelito Viana, Antonio Callado, Maria Gladys, Fausto Wollf, Sergio Cabral (pai), Cristina Gurjão, Maria Vasco, Steve Krantz, Marilia Krantz e a pessoa que lhes infoma, enfim a memoria tá meio curta. Também recebíamos visitas ilustres tais como Cartola, Clementina de Jesus, Nelson do Cavaquinho, Nelson Sargento. E no plano internacional estávamos ligados na Revolução de Maio em Paris e nos movimentos universitários de Berkeley na Califórnia portanto não tão isolados assim...

 

TATEANDO A LUZ

 Serie de fotos em cor de 2013   50X60 cm tiradas com iPad

Regina Vater Série TATEANDO À LUZ fotos em cor de 2013 50X60cm tiradas com iPad fot 4.jp
Regina Vater Série TATEANDO À LUZ fotos em cor de 2013 50X60cm tiradas com iPad fot 5.jp
Regina Vater Série TATEANDO À LUZ fotos em cor de 2013 50X60cm tiradas com iPad fot 3.jp
Regina Vater Série TATEANDO À LUZ fotos em cor de 2013 50X60cm tiradas com iPad fot 6.jp
Regina Vater Série TATEANDO À LUZ fotos em cor de 2013 50X60cm tiradas com iPad fot 1.jp
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POEMAS AVULSOS

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BORBOLETAS PARA EMILY DICKENSON 1998

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COSMIC EGG 1980

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MIOPIA ©reginavater 2018

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©reginavater  WATER 1999

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©reginavater stiker produzido para ser distribuído por colegas na conferência do clima no Rio em 1992  (eu estava fora do RJ a trabalho).

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AMON/AMÉN projeto para silk  1999

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©reginavater DEVELOP HOPE 2OO5

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TEATRO DE GUERRA

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NADA MASI QUE....

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of FREDERICO DALTON

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PROJETO PARA NEON

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LÍNGUA MÃE

URBACIÓN

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CINEMATIC STILLS series in progress started in 1973

Minha paixão por fotografia começou no Rio ao registrar na manhã da quarta feira de cinzas de 1973 o lixo do Carnaval Carioca. Fotos esta que hoje em dia integram a coleção  “des estampes” da Biblioteca Nacional Francesa em Paris. Antes porem eu já havia produzido, em estúdio, fotos de NOS sobre as quais eu produzi desenhos que me levaram a ser convidada por Chico Buarque de Hollanda para fazer a capa do seu disco Calabar. Desde então, à par de minha produção de instalações iniciada em 1970, livros de artista em 1973 e sempre desenhos projetos, a fotografia me acompanha e meu uso da mesma se desdobra por varias séries preocupadas com tempo, ecologia e poesia visual.
“Parrisses”, “X-Ranges”,a série das “ART”, “Nature Mortes”, “Eletronic Natures”, “Cinematic Stills”, retratos de personalidades tais como Cage, Caetano, Quentin Fiori, Fauzi Arap, Cildo, e algumas outras séries

Para mim arte e vida são vias conjugadas do mesmo CHI do mesmo AXÉ e se tornam sempre mais ricas quando nelas afloram as questões fundamentais do existir…

Comecei a série de trabalhos que intitulo “Cinematic Stills” em 1973 em NYC numa época quando era muito caro adquirir uma câmera super-8 e quase impossível possuir um aparelho de vídeo. A imagem cinética sempre me atraiu desde pequena quando ganhei de um tio diplomata um aparelho de projeção de brinquedo que não sei porque motivos nunca me deixaram usar. Sempre guardei uma grande nostalgia daquela coisa mágica. E como bolsista do governo sobrevivendo na base de quinhentos dólares por mês o único que me sobrava era a Pentax que comprei num pouso do meu vôo no Panamá  antes de chegar no México onde alias conheci pessoalmente o Mario e a Mary Pedrosa.  Portanto como quem não tem cão caça com gato. Resolvi começar esta série que também tem tudo haver com a minha fascinação pela dimensão Tempo. Ao longo dos anos os Cinematic Stlls se transformaram quase numa pratica de registro do desenrolar  do cotidiano e meu encantamento com ele  e sua poesia. Talvez  outros possam dizer mais sobre este segmento da minha obra mas eu me restrinjo aqui e aos meus registros.. Pelo que me lembro, naquela época eu não tinha conhecimento de ninguém no Brasil empregando este método no uso da imagem fotográfica.

Por este formato consistir num bom suporte para as minhas observações/registros da dimensão TEMPO (fonte constante da minha inspiração desde 1973, pelo menos, foi então natural para mim continuar esta produção, mesmo depois que me mudei para os Estados Unidos, em 1980.

Apesar da continuidade desta obra, por incrível que pareça permanecer praticamente inédita até hoje. Só mostrei publicamente uns poucos trabalhos desta série e apenas porque eles atendem ao tema central da exposição VE ARTE realizada em São Paulo, 1978, na galeria ARTE GLOBAl com um texto de apresentação por Hélio Oiticica.

Recentemente, com os atuais recursos eletrônicos, consegui restaurar e resgatar varies destas obras, às quais acrescentei, durante o processo de digitalização notas e fragmentos de meus poemas narrativos com um carácter de diário de bordo. A bordo da Vida/Tempo que me trouxe até aqui tornado esta série uma parte integrante da minha obra poético visual.


Da série Cinematis Stills  POSANDO PARA A ETERNIDADE 1976 ©regina vater  all rights reserved

O Pantheon em Roma já foi templo, túmulo de heróis e é uma das primeiras construções com uma cúpula de tal dimensão graças a sabedoria do uso do concreto e ao  gênio da engenharia romana. Para mim e uma das construções humanas que mais expressam o sentimento do ESPAÇO. Mas na minha primeira e ultima visita ao lugar eu o senti como um inefável relógio do sol marcando o tempo dos homens desde de sua edificação.

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©copyright reginavater

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TO MAYAKOWISKY datado de 1974
Fotos tiradas de cima de uma das torres gêmeas que foram destruídas no 9/11. MAYAKOWISKY fez um poema para ponte do Brooklyn que era avistada desde o World Trade Center. Hélio Oiticica sabendo do meu projeto me forneceu o endereço de um laboratório em Manhattan que fazia contatos em grandes dimenções como é o caso desta ampliação abaixo.

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Play(FEU)llagem  é como o storyboard para um filme a ser feito sobre

o bale das sombras das folhas das arvores dos jardins de Luxembourg

em Paris.Esta obra foi realizada em 1974 com a participação maravilhosa

do ator Antonio Pitanga

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À RAIMUNDO CORREIA. 1976  (poeta do Maranhão autor do famoso poema AS POMBAS)  Uma vez minha tia paterna me disse que Raimundo era nosso parente. Quando cheguei na Praça de São Marcos em Veneza em 1976  a visão das Pombas na fachada de um dos prédios foi a razão para fazer este CINEMATIC onde inclui DEPOIS USANDO PHOTOSHOP de maneira irônica os sobrenomes das famílias que meus tios e tias afirmavam serem nossos parentes

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DETALHE

ZOÉ 1978

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©reginavater fotos tiradas da minha

cama do lado da janela do Hospital

da Lagoa no Rio onde eu convalescia

de uma operação.

LUZ-TEMPO São Paulo 1976

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VIDE O ARTE RIO 1978

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Cartaz encarte do catálogo da individual da artista na Galeria ARTEGLOBAL São Paulo foto de Regina

andando sobre a palavra ART por Alfredo Portillos

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Fotografado em São Francisco em1982 quando fui conhecer a cidade natel do Bill

MIAW TIME New York 1976

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ENDIREITANDO UMA CURVA 1981  fotos consecutivas tiradas de um barco da curvatura do extremo sul da ilha de Manhattan

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Detalhe do Cinematic ENDIREITANDO UMA CURVA onde aparecem as torres gêmeas destruídas em 9/11

por um  ataque terrorista

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DEADEND Connecticut 1982

Quando em 1982 eu estava fotografando DA ESTRADA 

em Connecticut esta gloriosa arvore um  policial parou e me

disse que eu estava infringindo a lei por estar fotografando

uma propriedade particular (mesmo que da estrada!) só me

safei por dizer que eu ignorava a lei por ser brasileira...

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38's BLUES 1981 after the blue boy de Thomas Gainsborough

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VIGA 1995 - Piauí 

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FUI ME EMBORA DA PASÁRGADA PRA BRINCAR EM TERRA ALHEIA fotos de 1981 trabalhadas em photoshop em 2005

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AURORA 2010 Maricá

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CONCRETE JUCTION  2010 Maricá

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JANELA INDISCRETA 2013 Rio de Janeiro

OCASO DE PINDORAMA 2017 Maricá

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A CHEGADA 2017 Niterói

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CONSTELAÇÕES 2008

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MONTE DE AÇUCAR   2018-2019

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ANOITECER 2020

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VIOLETO MAR 2018

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PRAÇA GENERAL OSÓRIO 2018

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NATURE'S MOUTH 2018

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CHEMICAL TRAILS    NYC 1975

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ONDE ESTÃO AS GAIVOTAS?  2022

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CONTANDO TEMPO 2004.

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SURF 2013 Piratininga Niterói

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WATERFALL foto montagem de 1977 e trabalhada em photoshop depois de 2002

PASSARO DO TEMPO foto dos anos setenta e trabalhada em photoshop a posteriori

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POSANDO PARA A ETERNIDADE 1976 ©regina vater  all rights reservedO Pantheon em Roma já foi templo, túmulo de heróis e é uma das primeiras construções com uma cúpula de tal dimensão graças a sabedoria do uso do concreto e ao  gênio da engenharia romana. Para mim e uma das construções humanas que mais expressam o sentimento do ESPAÇO. Mas na minha primeira e ultima visita ao lugar eu o senti como um inefável relógio do sol marcando o tempo dos homens.

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CANOPY Austin 1986

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ART VÊ ART 1978

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VISÃO DOS CINEMATIC STILLS NA MINHA INDIVIDUAL NO OI FUTURO FLAMENGO 2012

COMO AS OBRAS DESTA SERIE ESTÃO TODAS DIGITALIZADAS AS DIMENSÕES PODEM VARIAR

PLA NTIO

Em termos formais eu vejo as fotos da serie PLANTIO muito decorrente da minha pratica com os CINEMATIC STILLS mas elas vem também do meu amor pelo cultivo do meu jardim e da minha lida, cuidado e fascinação com a Natureza e suas formas.
 

Um pouco antes da pandemia começar; iniciei esta serie de trabalhos usando fotografias que tirei do meu jardim. Usei estas fotos num processo de construção e desconstrução, inspirada nos frisos greco-romanos. Por exemplo, em Roma, eles eram decorados com motivos vegetalistas. Portanto nesta serie as obras são de medidas variáveis com comprimento (de 2m a 1,5m ou mais ), com altura  sempre oscilante entre (15cm a 20cm ou um pouco mais). As que imprimi com estas dimensões foram montadas em PVC, e dependuradas numa altura acima da dos pórticos e janelas da casa.

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COMO AS OBRAS DESTA SERIE ESTÃO TODAS DIGITALIZADAS AS DIMENSÕES PODEM VARIAR

THERE HERE  alguns exemplos da serie de 1985/87

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DO ERRO VEM A INVENÇÃO

FOTOS ABSTRATAS das quais não me recordo as datas

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COMO AS OBRAS DESTA SERIE ESTÃO TODAS DIGITALIZADAS AS DIMENSÕES PODEM VARIAR

VIRA VOLTAS  2022      dimenções variáveis

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NATUREZAS STILL ALIVE 1973/... título dado à esta serie por Wally Salomão em Nova York

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MESA DE MARIO PEDROSA EM PARIS 1974

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SOBREMESA NO MOMA NY 1973

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CAFÉ NO DEUX MAGOTS COM HOWARD FELDMAN

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LANCHE COM O SAUDOSO CINEASTA MANUEL CHAMBI (filho de Victor Chambi), Cusco 1975

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ALMOÇO COM ANTONIO CARLOS QUEIROZ TELLES 1977

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ALMOÇO NA CASA DA AMELIA TOLEDO 1977

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PIC NIC DEBAIXO DE CHUVA NO CATSKILLS NY COM SUELENA COELHO 7 FAMILIA 1974

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PÃO E VINHO COM ANTONIO PITANGA EM PARIS 1974

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CAFÉ DA MANHÃ NO ARPOADOR COM PAULA ALZUGARAY 2013

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CAFÉ DA MANHÃEM SANTELMO BUENOS AIRES COM VICTOR GRIPPO 1977

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FIM DE UMA FESTA OFERECIDA À MIM POR MANUEL BAPTISTA LISBOA 1974.

CAFÉ DA MANHÃ NA CASA DE LUIZ E PATRICIA DUPRAT EM 1977

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TEXAS BAEBECUE 1986

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DIA SEGUINTE DE FESTA EM NOSSA CASA DA 49 ST. Hyde Park Austin

X-RANGES 1976 -1978

​Para mim foi uma decorrência natural sair dos PARRISSES  e NATURALEZAS STILL ALIVE (que eu já havia iniciado em New York) onde eu perseguia rastros da atividade humana  sobre o espaço e os objetos para desembarcar nos X-RANGE ou RAIO X do CAMPO DE AÇÃO. O primeiro que eu fiz foi na casa de Ligia Clark em Paris (que me rendeu uma interessante memória), e depois quando cheguei ao Brasil em 1975 desandei a produzir sem cessar um após o outro em mil circunstancias desde de casa de conhecidos até de gente que eu nunca tinha visto como casas de operários do ABC, Peões de fazenda, pessoas da classe média cujas casas eu penetrava através de terceiros. Creio que devo ter produzido cerca de oitenta casas, onde fotografei todo o ambiente, conjunto de fotos por casa que mostrei na minha individual no MAM do Rio cada um sobre um pedestal em plano horizontal. Me lembro Lygia Pape gostar desta montagem e comentar: -"É quase como se destampássemos o telhado e bisbilhotássemos  o interior de cada casa!" Infelizmente acabei perdendo muitas fotos destes conjuntos. Hoje só me restam ecos destas serie a não ser pelas casa de artistas (pouquíssimas) que por milagre acabaram num livro de artista primeiramente produzido em Buenos Aires pela galeria Múltipla e bem mais tarde pelos incansáveis produtores da IKREK. Livro este que reune as casas de Lygia Clark feita em1974, mais as de John Cage, Victor Acconci  e Hélio Oiticica todas em 1976. Fiz estes registros muito Antes de ler Baudrillard  e o Hidden Space do Edward Hall e desde o inicio desta ronda de fotos eu tinha consciência que através dos espaços vividos por cada pessoa ou grupo de pessoas, meu registro através da disposição dos objetos, sua ordem desordem no ambiente eu estava  perseguindo a personalidade dos habitantes daqueles espaços. Como se fosse o  RETRATO DA PRESENÇA NA AUSÊNCIA. 

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X-RANGE - LYGIA CLARK - PARIS 1974

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X-RANGE - HÉLIO OITICICA -CHRISTOPHER ST. WEST VILLAGE -NYC 1976

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X-RANGE - JOHN CAGE - WEST VILLAGE - NYC 1076

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X-RANGE - VITO ACONCCI - EAST VILLAGE - NYC - 1976

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CADA FOTO ABAIXO É DE UMA CASA DIFERENTE

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ARTE POSTAL

GIVE ME YOUR TIME 1981

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PARRISSE 1974

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POSTALIXOS 1974

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E-MAIL ART  anos noventa

​Quando à partir de 1996 a possibilidade da comunicação por e-mail se tornou possível no Brasil; usei este meio como uma forma de fazer arte. Sinceramente não me lembro a data quando comecei esta atividade de enviar estas mensagens por e-mail. Usei fotos que tirava do meu jardim em Austin Texas acrescentadas de frases filosóficas de respeitados pensadores. Ajudada por minha querida e hoje encantada Thays Glasgow foi feita a edição ortográfica. Sofro de  dislexia portanto tenho problemas com ortografia. Ã Thays, então dedico esta seção. Com o envio destes e-mails acabei me tornando amiga do me querido Pena Prearo.

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MEUS JARDINS my organic installations, a work in progress

AUSTIN -TEXAS -USA

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FRENTE

VERSO

JARDINS SUSPENSOS

 

Tinha eu oito anos, quando ao ler no livro Tesouro da Juventude, sobre os Jardins suspensos da Babilônia fiquei totalmente fascinada. Certa manhã, apos uma festa que encheu nossa casa de vasos de flores, minha mãe saiu às compras me deixando só com minha irmã. O que se tornou na oportunidade ideal para a execução do meu plano, de plantar um jardim suspenso no nosso apartamento do nono andar em Copacabana. Qual foi a surpresa de mamãe, quando abriu a porta e nos viu regando as flores enfiadas entre o parquet da sala. (obs. para as flores ficarem em pé, usamos grampos e facas para retirar a cera que uniam os tacos).


Minha proposta desta foto/colagem digital/instalação se inspira nesta memoria.
Penso no meu antigo interesse na preservação da natureza. Esta é minha pratica que une a arte com o diário/domestico de cuidar organicamente a natureza.

 

MARICÁ - RIO DE JANEIRO - BRASIL

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BODEGONS  circa late eighties

Bodegóns
In Spanish art, a bodegón is a still life painting depicting pantry items, such as victuals, game, and drink, often arranged on a simple stone slab, and also a painting with one or more figures, but significant still life elements, typically set in a kitchen or tavern. It also refers to low-life or every day objects, which can be painted with flowers, fruits, or other objects to display the painter's mastery.[1]
History
Starting in the Baroque period, such paintings became popular in Spain in the second quarter of the 17th century. The tradition of still life painting appears to have started and was far more popular in the contemporary Low Countries, today Belgium and Netherlands (then Flemish and Dutch artists), than it ever was in southern Europe. In Spain there were much fewer patrons for this sort of thing, Though now considered a Spanish invention, the classic trompe-l'œil presentation of fruit on a stone slab was common in ancient Rome.

Still life painting in Baroque Spain was often austere; it differed from the Flemish Baroque still lifes, which often contain both rich banquets surrounded by ornate and luxurious items with fabric or glass. In bodegones, the game is often plain dead animals still waiting to be skinned. The fruits and vegetables are uncooked. The backgrounds are bleak or plain wood geometric blocks, often creating a surrealist air. Both Netherlandish and Spanish still lifes often had a moral vanitas element. Their austerity, akin to the bleakness of some of the Spanish plateaus, never copies the sensual pleasures, plenitude, and luxury of many Northern European still life paintings.

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A serie Bodegóns tornou-se seqüência natural dos Nature Morte que eu havia começado no final dos anos oitenta. Depois que mudei para nossa primeira casa própria e comecei a cultivar pela primeira vês um jardim. Fascinada  e inspirada com o que a natureza presenteava de volta aos meus cuidados e meu amor por jardinagem, iniciei os Bodegóns fotografando-os da mesma maneira que eu havia fotografado os Nature Morte: sempre usando luz natural.

Das mil e tantas fotos que fiz desta fotos que fiz nesta serie com filme kodakolor e que nunca exibi em nenhum lugar ate hoje, me restaram algumas que escaniei digitalmente das pequenas provas fotográficas. E usando photoshop, seguindo a tradição da pintura espanhola, trabalhei neste material procurando um resultado pictórico.

Vendo fotos do meu jardim talvez dê para entender porque trabalhei nestas fotos das flores que nele colhi. Uma maneira de perpetuá-lo e ao mesmo  continuar minha linha de trabalhos ligada a natureza.

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NATURE MORTES

O mármore da pia da cozinha, da velha casa que moramos em Austin (1986 -1989); há uma certa hora do dia, irradiava a luz solar de uma maneira esplendida. E isto me fez improvisar nela, uma enorme serie de montagens que resultaram na serie dos NATURE MORTES. Serie esta que foi enriquecida com refinadas antiques compradas em garagem sale (louças, linhos, pratas e elementos orgânicos) e complementados por adornos indígenas, presentes de Roberto Evangelista e Bené Fonteles.

A escolha do título francês, deriva, do seu uso pela academia na francesa, como nomenclatura de um gênero de pictórico que retrata: objetos inertes, sem vida. Encaro este título como um jogo de palavras, apontando tanto, para o gênero pictórico de tableaux, como para constatação a MORTE DA NATUREZA.

Pesquisando este gênero de pintura entrei em conhecimento com as naturezas mortas do período de Nassau, pelo holandês Albert Eckhout (1610-1666). Pinturas que não só tinham em si, a invenção de serem iluminadas pela luz natural, mas por serem o registro da riqueza orgânica que poderia ser extraída do Brasil e exportada para a Europa.
 

Mais ainda, os Holandeses que eram na época de o grande império comercial - Companhia das Índias.  Sua abastança lhes proporcionou um luxo domestico nunca visto que guarnecia suas casas de louças finas, (em alto desejo até hoje), e vários outros produtos exóticos vindos de suas colônias incluindo vários itens da pungente natureza brasileira, que se tornaram leitmotiv das Natures Morte pintadas pelos artistas sob sua proteção. NATURE MORTES

 

Portanto a colonização estrangeira de nossas riquesas, o requinte por elas financiado, e o aproveitamento da luz solar feito por Albert Eckhout mais a perene devastação da natureza brasileira pelo capital, são para mim os fundamentos desta serie.

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ELETRONIC NATURES 1987-1989

Por termos comprado em 1987, uma TV colorida, ( numa época em que as TVs eram ainda analógicas), me tornei assídua audiência dos programas NATURE do David Attenborough. O que me fez pensar na visão distorcida que o mundo citadino moderno tem da Natureza. Por exemplo, grande parte das crianças urbanas nunca viram uma galinha viva, sendo seu contacto limitado às galinhas esquartejadas de supermercado.

 

Daí meu estimulo para a série dos ELETRONIC NATURES, photos tiradas com camera no tripé em frente da televisão enquanto ao mesmo tempo eu mudava rapidamente o HUE e o CHROME nos botões atrás da TV.

 




Because we bought in 1987 a color TV (by that time all the TVs were analogical), I become fan of David Attenborough’s PBS Nature programs. What made me consider what distorted vision people in cities have a of Nature. For example, many modern children never saw a live chicken. The only contact they have with them, is the frozen chickens from the supermarket.

 

This, is what gave me the stimulus to do the ELETRONIC NATURE. Photos which I took using tripod in front the TV at the same time that I turn the HUE an CHROMA KEY bottoms (behind the TV) set to change the colours.

Esta foto faz parte da coleção do Museu de Arte de San Antonio - Texas

​Esta foto faz parte da coleção de Augusto e Lygia de Campos

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ao lado esquerdo - Sala das ELETRONIC NATURES individual da artista curada por Paula Alzugaray no Oi Futuro Flamengo Rio de Janeiro 2012

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OS SEM TETO 2021-2022

Colagens feitas com photoshop sobre fotos que tirei perto da minha casa na região dos lagos RJ

​Desde que voltei pro Brasil e viemos morar ao pé de uma floresta no interior do Rio, percebo em sua orla, a destruição sistemática da natureza pelas invasões de posseiros, (não necessariamente gente necessitada). O resultado fragrante é a extinção paulatina de certos animais a que aqui habitavam quando cheguei há dez anos. Jacarés, preás, tejus, jiboias, cachorros do mato, tartarugas, preguiças, etc e sem falar da caça ilegal, existe a mania do nosso povo de aprisionar em gaiolas passarinhos da natureza; o que por aqui acontece com freqüência. Por isso essa serie dos SEM TETO.

Cadê os gatos do mato, onças, papagaios e periquitos? Tom Jobim cantou certo: “se o bicho homem vem aí, é melhor desaparecer”

Essas fotos de dimenções medias são produto de um exaustivo trabalho de recorte digital em imagens coletadas no Internet e inseridas calculadamente em fotos tirei por mim da floresta proxima de nossa casa.

 

ALGUNS ASPECTOS POLÍTICOS MAIS EVIDENTES

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É triste que quando isso foi publicado certos colegas contemporâneos e de prestigio na época, comentaram que isto não passava de um golpe de oportunismo da minha parte. Quando foi o Evandro Teixeira que viu o guache ao chegar naquela manhã no meu quitinete/morada/estúdio para me fotografar para o pequeno folder da exposição (foto esta que adoraria recuperar) . Evandro então insistiu que eu fosse com ele no Jornal do Brasil (naquela época na Av. Rio Branco, para mostrar o desenho para o Alberto e Dines. Hoje, este guache deve estar perdido nos arquivos do JB ou mais provavelmente no lixo...

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AO GENERAL, AS BANANAS 40cmx30cm

Projeto de serigrafia (à partir de um guache da mesma época da imagem publicada no JB), parte da coleção de Myrian Graber. Neste projeto atualizei a imagem com apenas poucas alterações de cor.

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PARA UM TEMPO DE GUERRA

Instalação feita com pães e pedras planejada para um evento em pró da PAZ nos anos novena em Austin Texas, e que pela primeira vez foi montada numa individual em conjunto com Bill Lundberg galeria Portinari na UER na foto acima na individual de 2018 na Galeria Jaqueline Martins SP e depois no EUA Michigan, e finalmente na mostra "Composições para tempos insurgentes", MAM, Rio de Janeiro.
 

VERDADE

Bordado sobre nylon que desce do teto até a altura de uma prateleira onde ele penetra num MOEDOR DE CARNE
40 x 300 x 25 cm
2019

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POST ATIVISTA PARA O FACE E INSTAGRAM

SALVANDO VENEZA      NY1983?        conceito Regina Vater            foto Bernardo Magalhães

Trabalho concebido nos primeiros  anos da decada de oitenta, por ocasião de um tremendo e desastroso alagamento da cidade de Veneza

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TEMPO QUENTE

Projeto não concretizado de outdoor enviado ao Paulo Bruscky para um festival de outdoors por ele organizado

PROJETO DE vídeo instalação NATURE 1989

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Desenho à carvão que está atualmente (2023) em consignação na Galeria Jaqueline Martins em SP

Serie TROPICÁLIA - 1968/69

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Projeto inedito de silkscreen que foi abandnad pelo desenho

à esquerda por ser um projeto com muito mais cores

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Desenho na coleção de Myriam Graber usando letra set nanquim e ecoline obra de transição entre Nouvelle Figuaration e a Tropicália

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​No inicio de1968 fiz minha terceira individual na Petite Galerie do Franco Terranova na praça General Osorio. Desde de final de 1967 eu estava preparando as obras para esta exposição. Me lembro que no calor da noite eu pintava ao som do Caetano cantando Alegria Alegria. Inclusive me lembro bem de ter escutado o grito de Caetano VIVAVAIA no celebre festival da Record? Ou o Internacional da Canção? Sei que vendi alguns trabalhos desta mostra para uns músicos da MPB (francamente não me lembro quem). Talvez através deles  eu fui convidada por Fernando Lobo, então diretor cultural da Philips do Brasil para fazer (e fiz) a capa do Disco Tropicália. Ele me pediu que fizesse algo bem no estilo dos guaches que eu havia exposto na Petite e Galerie, mas não me disse para qual disco este desenho iria servir. Me lembro que quando fui ao escritório da Phillips receber o dinheiro pelo meu trabalho (era um grande guache) perguntei ao Fernando: “Afinal pra que disco seria a capa.” Fernando então me confessou que apesar da Phillips ficar com o desenho e ter  me pago um preço justo por ele, o disco iria sair com outra capa. Fiquei sabendo então que O Guilherme Araújo teimou em que a foto dos músicos fosse o fator principal na capa que acabou sendo desenhada pelo Rubens Guerchman. Mas quando em 1973 fui ao escritório da Phillips receber o pagamento pela capa (censurada) que fiz para o disco Calabar do Chico eu vi na parede emoldurado o desenho que eu havia feito para o Tropicália.  Por este motivo e chamo esta minha serie de TROPICÁLIA.

 

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OBRA DE 1968 multiplo de 3

PARTICIPOU DA BIENAL DE SÃO PAULO 

COLEÇÃO PINACOTECA DO ESTADO DE SÃO PAULO, JOÃO CARLOS AVELLAR

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Regina Vater desenho em ecoline da Série NOUVELLE FIGURATION participou da BIENAL DE PARI
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ALGUMAS POUCAS IMAGENS DO MEU PORTIFOLIO DE FOTOS

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Fotos da serie AMORIO de 1976 tiradas em Ipanema RJ estando eu sentada girando em um ponto só com camera na mão. Alguma parte destas fotos  ampliadas pr mim em silver gelatin paper foram entregues à Regina Boni nos anos noventa e o restante salvo duas , hoje faz parte da coleção de João Avellar.

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